domingo, 25 de junio de 2017

LAS BOTAS CÓSMICAS DE SUN RA...


Hay músicos que ganan estando muertos. Muertos y olvidados bajo el polvo del desierto Egipcio. Son gente como SONNY BLOUNT, más conocido como SUN RA, que a día de hoy sigue generando un extraño reflujo gastroesofágicomental entre aquellos que dicen gustar de músicas como el Free, la improvisación, el avantgarde rock y de ahí a prácticamente todo lo que se nos pueda ocurrir.

SUN RA no ha sido estudiado como se merece, eso no es algo que pueda rebatirse. Tenemos a un MILES DAVIS catalogado y diseccionado por formaciones, quintetos, etapas eléctricas o funk, a COLTRANE analizado hasta la extenuación en su rápida y meteórica excursión de jazz matemático (todavía hay gente que intenta resolver sus ecuaciones). Músicos más metidos en el rock como ZAPPA disfrutan de sus reediciones, de sus estudios, de sus homenajes y sus mil historias... y a SUN RA siempre se le cita, claro... pero, ¿de verdad se le conoce?.

Estoy harto de mantener conversaciones con gente que dice conocer a SUN RA. Que dicen que les gusta o no les gusta basándose en los tres o cuatro discos que tuvieron la fortuna de o bien editarse por alguna compañía conocida, o bien haber desaparecido los derechos y estar siendo explotados por cualquier compañía espúrea. Pero el señor SONNY BLOUNT empieza en los cincuenta con big bands tradicionales, se pasa al swing lentamente, se biotransforma en algo más bizarro a finales de los 50, y a partir de ahí se le desconoce. 

Claro, no me vengas con que conoces Space Is The Place... eso no tiene mérito. Me imagino que el lector conocerá que IMPULSE RECORDS no llegó a sacar dos discos mil veces superiores a SPACE IS THE PLACE, y que a día de hoy andan por ahí medio perdidos (EVIDENCE los reeditó en su día). Los músicos improvisadores de hoy tendrían que ponerse de cabecera cosas como ATLANTIS, COSMIC TONES FOR MENTAL THERAPY, THE MAGIC CITY, ART FORMS OF DIMENSIONS TOMORROW y cien más para empezar a intuir siquiera el legado de uno de los músicos que más ha hecho uso del DO IT YOURSELF.

THE HELIOCENTRIC WORLDS en sus dos (casi tres) volúmenes estará en el mercado sólo si ESP DISK lo vuelve a reeditar, y claro... además hay que tener en cuenta que SATURN no era ni BLUE NOTE, ni IMPULSE, ni COLUMBIA o ATLANTIS. Quizás esa sea la clave del profundo desconocimiento de un artista que ha influenciado tanto sin que nadie lo sepa. Se conservan maratonianas grabaciones de horas y horas en jams que duraban días completos... sólo creo que se conozca la punta del iceberg arkestriano.

Ahora es fácil ponerse una sotana, pero el señor BLOUNT se viste de Nubio Cósmico con cientos de metros de papel de aluminio y lo tachan de loco... pero bueno, DAEVID ALLEN y GONG podía ponerse un barco de papel en la cabeza o hacer lo que le viniera en gana mientras a SUN RA nunca se le ha respetado, no hay libros en el mercado (los hay, pero pocos) que ahonden mucho en su vida, que dividan sus formaciones o que toquen a gente tan denostada como JOHN GILMORE. Quizás ahora MARSHALL ALLEN esté siendo más reconocido y la magia de internet hace que pueda uno ir recopilando tantos cientos de ediciones editadas de forma rápida.

Discos como LANQUIDITY le dan un repaso al jazz rock de la época, mientras otros como NUCLEAR WAR dinamitan el funk rock... pero sin embargo, en esos prácticamente 50 años de trayectoria tendrás que vivir con el estigma de SPACE IS THE PLACE, y esos primeros, seminales y algo anodinos discos como JAZZ IN SILHOUETTE o SOUNDS OF JOY. Gracias a los dioses egipcios, la etapa intermedia está siendo rescatada sabiamente por ART YARD bajo el auspicio de RECOMMENDED, y es así como podemos disfrutar hoy día de discos con temas de 30 minutos de SUN RA al sintetizador, moog o lo que sea, y otros en formato Big Band fiestera.

Llegados hasta aquí, vuelvo a preguntar a los que dicen que no les gusta SUN RA: ¿conocéis la trayectoria de SUN RA mas allá de SPACE IS THE PLACE o THE NUBIANS OF PLUTONIA?.

Los cuasi póstumos discos de los 80 tras un ataque cerebral todavía muestran la pericia de BLOUNT a las teclas, hasta cuando ya casi era como el Cid Campeador que sacaban medio muerto para que tocase tres teclas y su banda hiciera el resto. 

Eso es MORIR CON LAS BOTAS PUESTAS, AUNQUE SEAN BOTAS QUE HAYAN PISADO OTROS PLANETAS.

miércoles, 21 de junio de 2017

URANO Y PUTÓN - "... Y A PESAR DE TODO NO ME SACAN EN LA STAF" (CONTUBERNIO RECORDS; CRCS079L, 2017)


Tras aquella barrabasada de "Drone Vas, Manzanas Traigo", URANO Y PUTÓN nos trae su segunda referencia física con la cassette "... Y a Pesar De Todo No Me Sacan En La STAF", de sonido más depurado (y asequible) donde las Electro/Jams son reducidas en minutaje para conseguir un producto que en esencia va más al grano (¿o no?). Dicho de otra forma, esta sería la cassette de gasolinera de URANO Y PUTÓN que tendrías que pillarte para el coche si pararas en una estación de servicio a evacuar. 

¿No tienes ni idea de lo que te hablo?... pues te recomiendo encarecidamente que te leas esto:


Pero claro, la cosa tiene truco, y es que los 13 cortes del disco (mas una sorpresa añadida en la descarga) son realmente una sola pieza improvisada en Octubre de 2016 con posteriores añadidos. Tablet, Volca Bass, Volca Sampler, Microbrute y FM. En cuanto a los añadidos los iré comentando más adelante. 

Edita CONTUBERNIO RECORDS en una edición limitada a 20 copias que aunque las promos digan que se intenta emular las grabaciones de nuestra infancia, tengo que ser algo crítico con un formato que se lleva mucho ahora. Eso de coger cintas y grabarlas en casa y bueno, al igual que el Cdr, hay muchas formas de hacerlo y en mi opinión la cosa podría haberse cuidado más. Creo que la música que contiene la cinta se merece muchísimo más en cuanto a presentación y profesionalidad de acabado, pero imagino que cada cual tendrá sus ideas al respecto. Recuperar el formato cinta es una cosa, y hacer estas historias otra (y no hablo por hablar, porque últimamente el Cdr y la Tape son los formatos que más abundan por casa).

Eso sí, me encanta la portada collage LOPERA Y PACHECO EN LA FERIA por FIVRER.


Una procesada melodía arábiga estructura "Coma Chicharrones, Señora (Soneto Merendola #4)", donde se atisban los lejanos vientos de AXILLEAS PÓ creando una hormigonera industrial de fondo que nos estalla ruidosamente en "El Postureo Ha Llegado Para Quedarse", un temazo brutal que suena a melodía de peli de Serie B. Machacona, insistente en sus bases rítmicas e intrusión asfixiante del saxo altísimo de AXILLEAS en modo bucle Zorniano. Así se inicia la Cara A. 

Música de cine bailable con navajas en la mano... cuando pare la música, coge la navaja y alguien recibirá un corte (que diría un Coronel Mortimer alternativo en cierto final de película western). Pequeñas píldoras como "Dónde Están Las Ballenas Del Aljarafe?" hacen de puente con la más larga "Steldovata Me Mata", suerte de nana marcial con sampler vocal de una conferencia de Mijail Gorbachov dándole el puntito bizarro al tempo arrastrado. 

Largo, hipnótico y con ligeras variaciones que inducen al trance;  bases rítmicas de cariz militar se dan la mano con el Dark Ambient en lo que podría ser un viejo himno de batalla de la República Federal Rusa reproducido a mitad de revoluciones (o visto de otro modo, un Giallo italiano que se desarrollara en una zona base de lanzamiento Rusa en plena Guerra Fría... no seré yo el que lo decida).

Otra perlita de techno mínimo es "Asesino En Serio" o la final "The Tomatoes Are Clipping (Soneto Merendola #5)" abrazando ambas en espacio a "Yo Soy Un Vanidoso" donde esta vez sí, escuchamos una BSO giallesca al más puro estilo URANO Y PUTÓN. Delicias acampanadas para los amantes del cine de guantes de cuero negro, navajas de barbero y en definitiva, de todas las personas con cierta edad que van midiendo sus orgasmos de forma cada vez más espaciada... esos y esas son l@s que conocerán los estilos de los que hablo. Brutal sampler de Ramón De Pitis dando cuerpo al asunto (si algún día la gente de MONDO BRUTTO retoman su revista, URANO Y PUTÓN sería digno abanderado de hacer la BSO).


"Papá, Quiero Subirme Al Tío Muerto" abre la Cara B. Industrialismo Popular para gente anómala sobre todo en ese atisbo de score publicitario de otra época. "2+2 No Siempre Son 5" cuenta la colaboración de MARCO SERRATO dándole un cariz drone a un tema curioso que casi parece construido con música de videojuego de 8 bits. Ese maremágnum extraño unido a los toques de contrabajo fabrican una música de cámara esperpéntica y muy ácida; la verdad sería curioso ver algo más salir de aquí (URANO, SERRATO Y PUTÓN). 

"La Difusa Cojera Que Separa La Cojera Del Swag" pasa como un suspiro dando paso a los toques orientales de "Nueva Pestaña De Incógnito", que viene a ser como un a peli de vietnamitas, napalm y trincheras pero en clave drone... o quizás es un perverso Gamelan minimalista sectario que se baila en discotecas de paredes de bambú. Atentos al apocalíptico clímax final que es de órdago.

"La Cigala y El Cigalo (Soneto Merendola #6)" es otro mini corte ambiental, epílogo de "Dame Reverb y Dime Tonto", 15 minutos de lento descenso de un Lo-Fi oscurísimo procesionario (cargado de reverb hasta el extremo) en el que se saca a las calles una imagen cérea que no debiera estar ahí. Un zumo de oscurantismo rural, casado  con el realismo mágico y copulando hasta procrear progenie errónea de falsos misticismos. En el ardor de los profetas, no encontréis Almax amigos y amigas... las úlceras se dejan sangran para deleite de la plebe.

Por cierto que la descarga incluye el BONUS TRACK: "Mira cómo bailo, me agarro y no me caigo", ideal para tus guateques guarrindongos si los tuvieres.






lunes, 19 de junio de 2017

CALF - "A CONSTANT LOSS DEPARTS FROM THE SENTIMENT OF THE ABANDONED" (MADPONNY / SWEETOHM RECORDINGS; 2011)


Desde Grecia, asistimos en 2008 a la creación de la banda CALF, en cierto modo paralela a la formación de sellos de Karditsa como MADPONNY RECORDS o SWEETOHM RECORDINGS, en cuyo catálogo nos iremos adentrando progresivamente en siguientes entregas dedicadas al underground griego.

A caballo entre el Post Hardcore neoyorquino y el Noise, CALF son Chris Koutroulis (Guitars, Effects), Thodoris Kakoulantonakis (Guitars, Effects), Panagiotis Tsimtsilis (Bass) y Anna Katsa (Drums), siendo "A Constant Loss Departs from the Sentiment of the Abandoned" su primer trabajo en forma de larga duración. Como veremos en posteriores acercamientos a la banda, la formación no permanecería inamovible e irá evolucionando paulatinamente con los nuevos trabajos.

El disco que hoy tratamos ve la luz del día en 2011 tras producción del clásico Aris Christou en los SCA STUDIO, aunque en primera instancia como Cdr Autoeditado y distribuido por NOTEALE RECORDS para luego editarse en formato profesional por MADPONNY RECORDS, que realmente viene a ser la misma gente que edita bajo SWEETOHM RECORDINGS y cuyo ente principal parece ser Christos Koutrolis de la propia banda CALF. Un poco lioso, la verdad.


Más lioso podemos hacerlo si seguimos la pista de sus miembros en proyectos totalmente Noise como THE WEDDING, conectados con SANDGRAIN y muchas más cosas que dejaré aquí de momento para no embarullar el texto.

Destacar el espectacular diseño de Jason Leontidis bajo fotografía de Sokratis Valeras formando un digipack de cartón tipo acordeón que bien merece la pena pillarse. Musicalmente CALF beben de las ponzoñosas aguas de alcantarilla que se vertían en Nueva York a mediados y finales de los 80 (y algo de los 90) en que la palabra "Core" empezaba a hacer mella en todo lo que tocaba. Desde el mismo Hardcore a Noisecore, todo ello con toques de experimentación y ralentizaciones que le dan al sonido una sensación de plomo fundido. 

El potente inicio de "Dorian Grey Killed the Last Vestiges of his Consciousness" quizás sea lo más Post Rock como definición que encontraremos en el disco, pudiéndose citar a MOGWAI aunque para mi gusto muchísimo más metidos en la lentitud acre de SLINT. El abordaje del tema bebe del Hardcore a raudales pero con incursiones preciosistas de la guitarra que no aburren un solo instante merced a capas de sonido que parecen dormir hasta que te estallan en plena cara y ya no hay vuelta atrás. La base rítmica resulta bastante cruda, retrotrayéndome a MELVINS por ejemplo. 

Es en los casi 9 minutos de "Ich Bebe" donde la experimentación comienza a hacerse dueña y señora del disco. Pasajes espectrales imbuidos del carácter de una nana, sobre todo por esos samplers de voces infantiles que ponen los vellos de punta. Lentamente las percusiones mínimas van dando cuerpo a un tema que parece adquirir la insistencia acústica de los NEUROSIS más espirituales e incluso la prestancia lisérgica de PINK FLOYD. Las pedaleras son usadas con maestría, distorsionando las guitarras justo lo necesario para que el tema no pierda identidad, y sin hacerlo Noise por definición.


En cierta forma se roza lo progresivo de PORCUPINE TREE en la larguísimamente titulada "My Untouched Heart is Less Despair than You are and Your Fucking New Living Room". Imposible no acordarse de Wilson tanto en su banda madre como en INSURGENTES aunque siempre dentro del espectro oscuro de CALF, pero no se me entienda mal, los pasajes instrumentales tienen un corpus propio donde el tempo principal es el lento (además del constante uso de bases drónicas de fondo) y las explosiones viscerales son guardadas para repuntar subidas álgidas de los temas en que las cotas de epicidad se subliman. 

Cierran los 10 minutos de la homónima "A Constant Loss Departs From the Sentiment of the Abandoned". Precioso trabajo de las guitarras, una llevando el peso de la melodía mientras la otra juega con la experimentación paisajística. La sensación es abotargada en un inicio, como si estuviésemos profundamente influenciados por benzodiacepinas, hasta que a mitad de tema la cosa se va recrudeciendo y se repiten esos ruidos de fondo en un clímax noise de órdago donde el término Noise Core se masturba a placer sobre el oyente.

Y no termino aquí. Seguiré relatando un poco la historia de la banda en próximas entregas con sus consabidas grabaciones, y es que el sonido de CALF ha ido mutando bastante con el paso de los años.






jueves, 15 de junio de 2017

SOBRE BROKE LORD, LUIS BOULLOSA, Y RETOZAR EN CAMPOS DE AMAPOLAS... (RESEÑA/ENTREVISTA)


Un bajo penetrante cargado del eco de espacios vacios, sin filo porque suena espacioso, con ganas de infectar y expandirse.... como una herida provocada por un arma roma, desgastada y vieja de las que invitan a no dejar cerrarse. Así suenan las notas del bajo que abre un disco teñido de la épica innoble de la contaminada urbe neoyorquina.

El espeso ambiente de "Through The Garden" se erige con el privilegio de abrir "Death Of a Flower", que he tenido el honor de ir oyendo cómo evolucionaba a lo largo de sus primeras semillas plantadas en forma de demos, y las mutaciones me encantan; no porque uno tenga alguna filia con lo teratogénico, sino porque se nos desvela un mundo que no está estancado, sino que parece imbuido de cierta cinética anómala y que no cumple con lo establecido. Para mí la clave de tal transformación ha sido el estudio La Mina de Raúl Pérez, pero no quiero adelantar acontecimientos que posteriormente podréis ir leyendo en la entrevista con el autor.

LUIS BOULLOSA, músico, periodista y persona barbuda (creo firmemente que tener barba es una profesión) se sale del molde más enquistado (entiéndase rígido, pero no falto de vida) de su otro proyecto GOG Y LA HIENAS TELEPÁTICAS para marcarse una cópula más intimista a caballo entre THE VELVET UNDERGROUND, el pesimismo hiriente de LEONARD COHEN (aunque lo niegue hasta la saciedad) y los procesos bíblicos inabarcables de NICK CAVE. Pero como todo Via Crucis emocional, lo intermedio define al conjunto, y podríamos hacer pausas reverenciales en el rock/blues oscuro del último LANEGAN, el más asfixiante (sin entrar en experimentaciones) SCOTT WALKER, o incluso los bíblicos ecos a WOVENHAND.

El caso es que la sensación que uno tiene es la de estar oliendo asfalto quemado, no bosques incendiados. Estamos en un entorno urbano y si se hacen excursiones al extra radio campestre serán para nunca perder de vista el humo de las alcantarillas gracias a canciones desarrolladas alrededor de hogueras, pero de las que se hacen con bidones de lata en los barrios conflictivos.

De esta forma, las embrionarias y preestructurales demos eran un híbrido entre el neofolk de DEATH IN JUNE y algún que otro retazo del SCOTT KELLY en solitario (más bien de su proyecto BLOOD AND TIME) que tras el tiempo necesario brotan de la crisálida con una consistencia y cuerpo que contradicen las declaraciones que me dio LUIS BOULLOSA en su día de hacer algo muy minimalista. Pero claro, ya se sabe que para bien o para mal, las células se reproducen.

Suenan en el primer corte coros femeninos a cargo de MACKY CHUCA, las guitarras pausadas y que quedan flotando en el espacio de ASIER MAIAH, percusiones de NOLI "RATTLESNAKE" TORRES y una guerra de bajos a cargo tanto del propio Luis como de MARCO SERRATO (bajo eléctrico y contrabajo). ¿Y la voz?. Porque este es un disco de voces y letras, sin duda. La voz grave adquiere tonos litúrgicos de homilías perversas sacadas de un libro que no debiera estar colocado en su púlpito; a veces las letras que contienen algunos libros quizás no sean lo que el pueblo quiere escuchar. 

Partiendo de la base de que creo que el disco gira en torno a las letras y la voz, esta se convierte en el instrumento más importante, y creo que sale airosa con creces de la afrenta. Un doble toque de bajos tanto eléctrico como en contrabajo tocado con arco, una guitarra crepuscular y neblinosa. ¿Es Folk lo que escuchamos en "Lost Groom"?... lo digo porque tengo los vellos de punta en la melodía de guitarra de este tema y me da la sensación que a estas alturas de la película no sé que es el Folk cuando pasa por el tapiz del Rock. Lo tengo clavado en la mente. Apuntalado en mi masa cerebral gris con clavos oxidados. Una pequeña perla de Spoken Word llena de las filigranas del contrabajo de Serrato. Haciendo una pequeña elipsis entronco este tema con "Dogs, Blooming" por seguir cierta línea sonora argumental de ingredientes similares. Fabuloso.


Y justo cuando iba a tomarme el Prozack, atisbo un rayo de luz en el arranque country de "Life Of Saints", tema que parece totalmente sacado de un disco de COHEN pero con el punto de vista puesto en el Folk en esta ocasión algo más pastoral. La guitarra resulta incluso optimista, o todo lo optimista que se puede ser cuando te están dando una extremaunción.

Otra elipsis narrativa y el ambiente crepuscular  torna hacia un oscuro blues en "With Us". ¿O no es un Blues y será algo así como Surf Doom?... porque tanto en este tema como en "Liberator" la pausada guitarra está afinada con cierto aroma de slide, de wah-wah eterno. Y claro, te distorsionan las voces femeninas en un coro mal rollero mientras el tema se va desprendiendo de toda su vaporosa raigambre y uno no puede más que imaginarse una noche eterna en una playa. Observar la calma chicha del agua y esperar una segunda venida divina en forma de mujer emergiendo de unas aguas que se tornan Napalm.

Sin desvelar la temática de las letras para no estropear la entrevista que sigue con LUIS BOULLOSA, el homónimo "Death Of a Flower" tiene nuevamente esos fantásticos coros de MACKY CHUCA. La base rítmica es sencilla porque lo importante en este tema es la plegaria (Welcome home to the death of a flower / Are you sinkin´up? / Are you wakin´up?) que invita a unirse en compasiva comuna no sé si de Alcohólicos Anónimos o de Secta del Fin de los Días.

La muerte no tiene que ser tan triste como nos la pintan. Al menos si celebran tu funeral en "Chapel Within" en ambiente mínimo. Sin percusiones que molesten a los muertos y celebrando cánticos en honor de NADA, porque pueden existir cruces que sean simplemente un cruce casual de maderas que no quieran decir absolutamente NADA (o quizás TODO). Una letra y bajo hipnótico en clave de pequeña perla Folk (esta vez lo digo con rotundidad), quizás de base Pop aunque no me gustan las palabras que pueden leerse por los dos lados (creo que el fin del mundo llegará cuando se pronuncien en una misma frase diez de estas palabras juntas). 

Campan TOM WAITS, algo de DYLAN, un poco de CAVE.... da lo mismo. "Death Of a Flower" ha resultado toda una sorpresa para mí, y creo que es un grandísimo y arriesgado trabajo que se ha madurado en barricas aguardentosas, y ahí está la clave, en no precipitar nada. 

Sobre esta y otras cuestiones podéis leer el siguiente cara a cara con LUIS BOULLOSA. Podéis saltaros las preguntas e ir directamente a las respuestas:

***


Saludos Luis. Lo primero es agradecerte que contestes esta entrevista.  Parece una tontería, pero cada vez son más las entrevistas que veo y leo en las que los participantes no empatizan. Te doy la enhorabuena por el disco, que me parece fantástico, y directamente me pongo el pañuelo de Jesús Quintero y te pregunto: ¿quién es LUIS BOULLOSA?.

He tocado en nueve bandas distintas. He grabado discos con cinco de ellas: Master Disaster Gang, Molestones, 5 Cobras, Gog y las Hienas Telepáticas y ahora Broke Lord, proyecto con el que acabo de publicar el disco Death of a Flower (Discos Belamarh / Gog Artifacts). He escrito unos cuantos libros (mucha poesía, una novela, ensayos) y he conseguido publicar dos de ellos, “El puño y la Letra” y “Santos y Francotiradores”, dos ensayos sobre la relación entre música y literatura editados por 66RPM. 

He escrito como periodista en diversos medios, tan dispares entre sí como Ruta 66, La Razón, Fiat Lux o El Confidencial. He creado las revistas musicales Kaput y Karate Press. Tengo dos blogs activos, Kaput , que es más sobre música en sentido amplio y con el que llevo diez años, y Vuelva Usted Mañana , para todo lo demás, si es que hay algo más. 



Quién sea Luis Boullosa más allá de todas esas cosas, importa poco. Es cierto, y me lo han echado en cara a veces, que en mi obra crítica aparezco yo a menudo, pero es muy discutible que ese yo que aparece sea yo realmente. Por lo demás, a veces Luis Boullosa es Broke lord y otras no.

Tu proyecto BROKE LORD, corrígeme si me equivoco, parece coincidir temporo-espacialmente con toda la movida de KARATE PRESS y el desarrollo de tu libro SANTOS Y FRANCOTIRADORES, ¿es posible trazar un triángulo isósceles entre estos tres proyectos o son simplemente delirios míos?. Y ya que estamos, te prometo que no me importaría nada que me explicases qué se esconde detrás del nombre de BROKE LORD. Reconóceme que todos tendemos a ponerle la “N” y decir BROKEN.

Broke Lord arranca más o menos al mismo tiempo que empiezo “Santos…”, sí, y cuando la idea de Karate Press ya flota en el ambiente. Se puede decir que las tres cosas son la labor de unos tres años en los que además me largué al campo y a otro país. Demasiados proyectos juntos. Demasiado personales todos. Y todos menos Broke Lord, finiquitados ya. 

Broke lord seguirá muchos años precisamente porque nace en los ratos muertos, como una expresión natural; es una especie de fantasma que ha acabado por ser más real que todo lo demás. Ahora bien, es posible que haya una relación entre esos vértices, sí. En Karate hablaba mucha gente, pero hablaban en gran parte de las mismas cosas que yo trato en el libro. De la supervivencia del artista en estos tiempos, de la música como elemento complejo cultural más allá del tópico, de la canción como… ¿Qué es una canción? Cada uno tiene su respuesta. La de Luis Boullosa y otra gente está en esas cuatrocientas páginas del libro y en los cinco números de Karate. La de Broke Lord en su disco, que se tarda menos en leer.

Creo que de “Santos..:” he vendido un libro por página, aproximadamente. Visto así no es un fracaso. Una persona ha confiado en mí por cada página que di a la imprenta. Ahora se me han ocurrido otros tres libros que alguien debe escribir. No me apetece nada, en cierto modo, pero ¿Quién va a hacerlo si no?

Tuve la suerte y honor de escuchar aquel primer embrión que fue DEMO(N)S casi a la misma vez de publicarse en bandcamp. Recuerdo que hablamos de figuras como DEATH IN JUNE y algo de neofolk, pero escuchando el acabado del disco, sinceramente es increíble como el limado de los temas ha hecho que viren a algo más parecido a un pop folk oscuro. ¿Ha sido intencionado o producto de una evolución?. 

Gran parte de lo que sale en un proyecto tan extraño no puede ser intencionado. Lo que es intencionado es grabar una serie de canciones que te parecen buenas, primero en maqueta, luego con los mejores músicos que consigas, pero no hay tiempo, ni ensayos, ni dinero para demasiados planes más allá de eso. Tienes que trabajar en solitario todo lo que puedas, tener claros los temas y confiar en que la elección de acompañantes sea la correcta. 

En este caso tuve una suerte enorme (y buen ojo). Ahora bien, esa gente que se incorpora aporta cosas, sobre la marcha, y eso modifica los temas. Tu capacidad de decisión es limitada. Puedes decir que quieres algo simple, minimalista, sin excesivos adornos. Puedes conseguir que todos vayan hacia una “atmósfera”, en sentido amplio, y eso ya es mucho. Puedes decidir cosas en la mezcla, también. Pero por el camino son todo desastres o milagros. En este caso milagros, aunque bordeando el desastre un par de veces.

Cuando Broke Lord empezó a hacer canciones -con una acústica zarrapastrosa afinada en re abierto en honor a Kid Congo Powers- estaba escuchando bastante a Angels of Light y a Death in June, y eso fue bueno, porque así entiendes que se pueden hacer canciones estructuralmente muy sencillas pero de gran profundidad (o empiezas a entenderlo, o te reafirmas en ello). Al final no creo que el resultado suene a nada externo. Bueno, excepto un par de temas que apestan a Lou Reed… Me decía alguien que sabe de esto que el disco tenía un rollo a lo Coney Island Baby. Me hizo gracia, porque debe ser el disco de Reed que menos he escuchado en mi vida. Ni lo recuerdo ahora. Y sin embargo, bueno, puede ser… 

En el ambiente flotaron también otros favoritos personales: The Fall, Lambchop, Joy Division, John Cale, Half Japanese... pero igual que flotan se disipan.


Hablas de la muerte de una flor, y leyendo las letras del disco creo intuir que hablas de una pérdida real, no algo alegórico… ¿posiblemente tal y como citas en las notas es Amapola?. Si es así, ¿quién es Amapola?.

Amapola fue quien fue y ya no es. Su muerte me permitió replantearme algunas cosas y discurrir sobre la narrativa con la que nos construimos y en base a la cual decidimos si hemos tenido una vida buena o no, y si la muerte es más o menos importante. Pero la muerte nunca es importante. Es y punto. Sin embargo los exorcismos con que la afrontamos tienen a menudo una extraña belleza. Es la belleza del ser humano pensando que puede ir más allá de sí mismo, supongo, y jodido porque no encuentra la llave de esa puerta. La belleza de la fatuidad y la tragedia en la que elegimos vivir. 

Decía un amigo que no se puede “estar” muerto, y es cierto. “Muerte morirás…”, etc. Mi querido John Donne y otros poetas metafísicos se ocuparon de ello hace mucho y mejor que yo. La muerte puede ser un halo que envuelva el disco, sí. Pero hay mucha vida, también. Leído en el orden adecuado (que no es el dado) el disco es un círculo de nacimiento, auge, caída, muerte y renacimiento. El ciclo del año, supongo, que para algo me fui al campo. El ciclo del año es hermoso, porque es a la vez metáfora y realidad. Es una metáfora de sí mismo, que luego puedes aplicar a otras cosas, si lo deseas. 

La tasca de mi pueblo portugués, he de reconocerlo, y el paseo de dos kilómetros que había que hacer hasta allí pasando por la iglesia, han tenido más influencia en este disco que todo el Rock&Roll de Nueva York. Eso y la vida misma. El Rock&Roll no es otra cosa que la vida misma.

Te habrán ya citado en algunos medios a LOU REED, algo de LEONARD COHEN (con los dobletes vocales femeninos todavía más) e incluso MICHAEL GIRA en sus proyectos más acústicos. Lo cierto es que el disco destila un sonido de Folk Urbano, no sé si me hago entender. Es ese folk unido con el pop oscuro que habla de rincones empapados de orín y vómito. ¿Consideras amarga tu música?. Yo optimista no la veo, la verdad.

No veo nada de Leonard Cohen, más allá de que mi voz sea grave y haya canciones narrativas. Aunque me gusta mucho. Puede que algo me haya quedado, quien sabe, esos resabios pararreligiosos aquí y allá… Pero creo que ya los tenía de pequeño, antes de saber quién era Cohen. Lo mismo es aplicable a Nick Cave. Y no creo que la música de Broke Lord sea amarga. Creo que es sardónica. En eso si puedo parecerme algo a Lou Reed, ¿ves? Siempre hay que cubrir los sentimientos con algo, si no, te electrocutas. Es una ley humana.

Me consta de que has movido mucho el disco buscando sello, y bueno, tal y como con GOG Y LAS HIENAS TELEPÁTICAS (aunque esto se trate más de una especie de banda o proyecto menos personal) como ahora BROKE LORD, ¿qué panorama discográfico te has encontrado en la península?. La verdad es que creo que BELAMARH ha hecho un trabajo encomiable y el acabado es perfecto.

Discos Belamarh ha pagado una parte de la edición y colabora por su lado en la promoción del asunto. El disco se puede pillar en su bandcamp (http://discosbelamarh.com). Es probable que haya enviado el disco a más de 100 sellos de todo tipo, grandes y pequeños, siempre buscando sitios donde lo mío pudiese cuadrar. He obtenido cinco o seis respuestas muy amables diciéndome que no. Para los sellos un poco más grandes no eres nadie, y los pequeños están ocupados sacando a sus colegas, porque no son exactamente sellos, son más bien grupos de amiguetes, lo cual me parece perfecto.

Podría haberme autoeditado y no creo que el resultado fuese muy distinto, pero bueno, encontré a Luis, de Belamarh, que fue muy entusiasta con el disco, y siempre mola que alguien colabore y que alguien valore lo que has hecho, así que estoy agradecido y contento con ello.

Si ya hablamos del entramado en España, creo que el problema de muchos sellos pequeños es que no son sellos de verdad, son simplemente utensilios para cubrir las vanidades propias, para poder decir “tengo un sello” y para que la banda de turno pueda decir, “me saca un sello”. Sellos de verdad, que tengan un plan de negocio serio, que sepan cómo moverse para colocar un producto, que es para lo que deberían servir, hay muy pocos. El mundillo underground es la gran feria de las microvanidades.

Lo digo por buscar la crítica, porque yo también defiendo que ahora mismo hay música alucinante por aquí, ya lo sabes, y gente muy válida. Pero la estructura no da para más, reconozcámoslo. Ni siquiera somos capaces de interesar a nadie fuera de nuestro microcircuito. Y casi siempre nos encanta ser así, cabeza de ratón. Es una forma de ver las cosas que no es la mía. Yo pienso en más grande, pero vivo encerrado en un mundo pequeño, así que a ese respecto, soy infeliz, jajajajajjaja…
El trabajo de diseño, edición, etc, es mío y the The MPress. 

¿De verdad crees en una segunda venida de Jesucristo en forma de mujer?. Porque yo creo que eso ya ha pasado y realmente vamos por la tercera venida…

Nadie dice que esa canción ocurra en el presente.


Uno de los aspectos para mí sobresalientes es la producción. Imposible no acertar con mi admirado RAÚL PÉREZ de La Mina. ¿Lo tenías claro desde el principio?. Ya que estamos si me cuentas algunos detalles del proceso de grabación y anécdotas varias tengo kleenex preparados para masturbarme. Por otro lado, en cuanto al proceso de composición  me imagino que grabas las bases y luego decides poner aquí y allá batería, guitarra y esas cosas. ¿Ha sido un proceso conjunto el acabado final con los músicos que participan, o todo ha estado regido por tu tiránico carácter de alabastro?. Dicho de otro modo, ¿qué han aportado el resto de participantes en “Death Of a Flower”?.

Bases de batería y bajo primero, con clac. Luego segundos bajos y guitarras, después voces principales, después coros. Después mezcla en la que yo decido qué se queda y qué no. Creo que Asier le aportó un toque muy distinto al original a muchos de los temas. Me gustan sus guitarras, muy comedidas, muy expresivas. Y muy personales. No fue por la vía indicada en las maquetas, en general, y fue un acierto. Tampoco es de esos a los que le puedas dictar las cosas, ni yo soy guitarrista (aunque una de las guitarras en el último tema la chapurreo yo, primera vez en mi vida). 

Los bajos y contrabajos de Marco dieron atmósfera y delimitaron una especie de “espacio” en el que se mueve todo lo demás, lo hicieron todo menos plano, y eso en un disco así es esencial. Los coros de Macky aportaron un elemento pop instantáneo, del que engancha, y algo de maldad subliminal. Si quitas cualquiera de esos elementos, el disco se resentiría gravemente, así que creo que al final todos fueron esenciales. Conseguimos un disco con ambiente, con emoción y con filo pop, y tener todo eso no es tan fácil. Si hubiese sido yo solo sería una salmodia monocroma muy apta para el suicidio. Así, es una delicia.

Es curioso porque son gente muy distinta… Asier venía de Vitoria y su bagaje está en el rock independiente y la música experimental; Noli es un bataca de jazz, aunque aquí su papel está en tercer plano; Marco viene del metal y del free nosequé, y del “Edipo Rey” de Passolini; Macky del ala romántica y pantanosa del punk y del rock&roll. Yo de una cueva en el bosque. La mezcla era por lo menos arriesgada. Cierto es que las raíces de todos ellos son profundas, que son gente que entiende las cosas, incluso las ajenas, y que probablemente todos comprendieron que había que hacerlo bien sin saturar. Es un disco donde mandan los bajos y la voz, y eso se ha mantenido, pero creo que cada ornamento ha sido colocado con sumo gusto, y ahí el mérito es todo de ellos y de Raúl de la Mina, que es un hacha. La importancia de Raúl no se puede pasar por alto.

Tocas el bajo, pero sin embargo manipulas mentalmente a mi admirado MARCO SERRATO para que participe en el disco. Los arreglos de contrabajo son especialmente sobresalientes. ¿No habéis tenido lucha de egos o algo así?... además, ambos tenéis barba y un aire a lo Chuck Norris.

Si fuera por mí Marco hubiese hecho todos los bajos. Yo no soy ni un aprendiz a su lado. Participo en lo que pudo y lo que quiso y creo que al final le gustó hacerlo. Marco es un creador importante en este país, aunque pocos conozcan su nombre. Y sí… si hacen otra de “Yo soy la justicia” tendría que salir él, sí, pero con una espada. 

Creo que lo que hay que hacer es un remake de Conan en andalusí. Y a ver si así sacan de una vez lo de Antequera… Yo me reservo el papel de elfo oscuro adorador de Robert Graves. Pero no, si algo no hubo en esa grabación fueron luchas de egos. En la casa sólo cabía el mío. Y ocupaba parte de la piscina también.


¿Qué tiene PLOTKIN que todo el mundo lo busca?.

Me gusta el nombre, Plotkin. Es hombre de pocas palabras, no es caro y, por lo poco que yo entiendo de esto, curra bien. Había masterizado a Cuchillo de Fuego y a Blooming Látigo. Esas son razones suficientes.

Las guitarras de ASIER MAIAH me parecen particularmente buenas. Hay partes que si no fuese por el carácter meditabundo de los temas, casi que parece imaginarme que tienen un toque a surf crepuscular de ese que se toca en playas donde ha caído una bomba atómica. 

Tendrías que preguntarle a Asier, pero probablemente le guste lo del Surf en Nagasaki. No sé si el resultado le ha gustado o no. Me dijo: “Está bastante bien”, jajajajaa… Es un gran guitarrista. Curiosamente las canciones más convencionales le cuestan más. Es lo que tiene ser un alma experimental.

Has escrito dos libros, y ahora publicas este disco. Para mí acabas de completar una perversa rueda que especialmente tras mi lectura de SANTOS Y FRANCOTIRADORES me lleva a preguntarte casi escupiéndote a la cara esto: ¿Eres un Santo o un Francotirador?.

Creo que en mi caso el underground es sobrevenido, para serte sincero. Yo querría ser millonario y adorado, aunque fuese para aborrecerlo. Lo de Santo y lo de Francotirador, tres cuartos de lo mismo. Hago lo que hago como lo hago porque es la forma posible. Cuando tenga pasta me llevaré a la banda (a esos mismos, si puedo, y a alguno más) a un castillo en Italia o a una mansión en el Tibet, o a un Burdel en ciudad del Cabo,  para hacer lo mismo pero entre borracheras e ingestas masivas de drogas a elegir. Mientras, esto es lo que hay, y no está mal. Siempre me ha apetecido meterme en un estudio sin límite de tiempo, pero eso queda lejos, así que por ahora toca grabar grandes discos en tres días.


Jardines, otra venida de Jesús, capillas… lo siento, pero no puedo evitar acordarme del submundo de NICK CAVE o en otra medida WOVENHAND. ¿Qué tratas de expresar con esa segunda venida de Jesús en forma de mujer?. A mí me parece que trae bastante muerte, no?.  

Yo nací y crecí entre jardines, capillas e imágenes, en un mundo antiguo que se desvanecía. Creo recordar que mi primera intuición de la sexualidad acaeció viendo el cuadro del martirio de alguna santa (de ahí el arranque de “Life of Saints). Vengo de otro mundo, que estaba allí antes de que el primer convicto pisase Australia. 

Mi imaginería no es prestada; es, en todo caso heredada. Y es natural que salga cuando uno se deja llevar. Por supuesto hay algo también de la contracultura, etc, pero no demasiado, en este caso, aparte de la referencia a Burroughs, que no sé si pillaste.

A lo mejor ando despistado, pero no sé a quienes te refieres con MPress y créeme, soy persona de obsesionarme bastante con los detalles.

The MPress es el nombre con el que Macky Chuca se presenta ante sus súbditos del bosque y otros R’n’R slaves. Os recomiendo que busquéis su excelente trabajo poético y musical a partir de su blog Últimos Días en Champawat  o del bandcamp de Macky O. 




El diseño del disco es parcialmente culpa suya. La foto interior la tiró ella y la portada, aunque manipulada por Broke Lord, se basa en sus collages. Digamos que expolié su talento para que sirviese a mi concepto. Soy un vampiro, si lo miras bien. 

Háblame un poco de proyectos de futuro en cuanto a BROKE LORD. Personalmente creo que sería fantástico que continuases el proyecto. Si es así, creo que verlo en directo podría ser interesante.

El proyecto sigue y está más que vivo, aunque por el momento no veo posible hacer nada en directo. Para hacerlo bien, al nivel de lo que hay en disco, habría que involucrar a bastante gente y currar mucho, y eso no se puede hacer para patear garitos pequeños y ganar diez pavos por noche. Punto. Ya tengo muchos modos de perder dinero y no necesito otro. 

Si en el futuro hay alguna posibilidad de hacer algo bien montado, lo pensaría, pero probablemente implicara crear una banda nueva, porque toda esta gente tiene proyectos propios con los que van a muerte. Mi idea es sacar un disco al año durante los próximos veinte años y luego trascender este plano de Oblivion y vivir en Portugal bajo nombre supuesto.

Ahora quiero cambiar un poco de tercio. Conforme estoy madurando me estoy dando cuenta que mis bolsas escrotales se van pareciendo a la masa encefálica del cerebro. Parece que las arrugas son similares. ¿El periodismo musical en España es lo que le sale de los cojones cerebrales a unos cuantos patriarcas masculinos que llevan revistas de renombre?. Lo digo porque misteriosamente ese submundo se parece cada vez más al catolicismo en cuanto a estructura subyugante. 

Mhhh, ya que te pones así, te diría que falta de ambas cosas, cerebro y cojones. Pero no es por las individualidades, es por el entramado. Si vas uno por uno, hay grandes periodistas musicales: Estás tú (discrepo, verme al lado de los nombres que vienen a continuación me hacen pensarme si borrar automáticamente el blog y mi cuenta de facebook), Esteban Hernández, Jaime Gonzalo, Hector Barnés, David Bizarro, Emilio Cascajosa, Carlos La Peña… y muchos más. 

Cuando hicimos Karate Press descubrí a un montón de gente con ganas y con visiones personales, que en muchos casos escribían de puta madre. El material humano está, y viene gente nueva por detrás pisando fuerte, como siempre. Cómo teniendo ese material de primera hacemos el periodismo de mierda que hacemos es un misterio. Bueno, no lo es, pero ya me cansa hablar de ello.


Es que conforme uno se adentra más, se va dando cuenta de que harían falta más y más anexos a SANTOS Y FRANCOTIRADORES. Yo creo que la razón es que existe un acomodo brutal y los paquetes de información son los que mueven el cotarro. Sin embargo, una de las cosas que me encantó de tu libro pese a ser de lectura algo complicada, es que resulta a la vez instructivo y con cierto cariz biográfico. La pregunta es: ¿habrías hablado de BROKE LORD si el proyecto no fuese tuyo?. Es rara la pregunta, lo sé. Contesta lo que te salga de la barba.

Sí, habría hablado de Broke Lord. Me hubiese sorprendido encontrarme a un gilipollas tan parecido a mí y le hubiese enviado un mail, fijo. Si la pregunta es si considero mi proyecto al nivel del trabajo de la gente de la que hablo, bueno… el que crea y expone lo que crea tiene la obligación de creer que eso que muestra es válido. Si no, mejor en casita. Cada creador debe considerarse el mejor, o al menos el mejor en algo. Tendrías que preguntarme en qué, exactamente, jajajajaja….

Bueno Luis, ha sido un placer y un honor, y me gustaría que me hicieses un favor. ¿Podrías despedirte con letras mayúsculas?.

MANDAD MIS RESPETOS A CORONEL MORTIMER Y EL RESTO DE SUS PERSONALIDADES Y DECIDLE QUE POR FAVOR, ALIMENTEN AL GATO. BROKE LORD IS BROKE.

martes, 13 de junio de 2017

EDITH ALONSO - "COLLAPSE" (AURAL TERRAINS TRRN1034, 2016)


COLAPSO

1.
Paralización o disminución importante del ritmo de una actividad.

2.
Destrucción o ruina de un sistema, una institución o una estructura.

3.
MEDICINA
Síndrome que se caracteriza por una bajada repentina de la presión arterial acompañada de una insuficiencia circulatoria aguda.

COLLAPSE es el nuevo trabajo de la artista madrileña EDITH ALONSO, que tras completar sus estudios académicos de piano pasa a terrenos más ásperos guitarra y saxofón, añadiendo a su extenso currículum la militancia en bandas de Punk Rock de los 90 y posteriores biotransformaciones en Música Concreta, Improvisación LibreElectrónica anómala. Sobre el resto de su biografía (y galardones) no voy a ahondar porque sencillamente podéis acceder fácilmente a su web donde se cuentan todos estos detalles, aunque sí que me gustaría recordar que EDITH ALONSO, junto a ANTONY MAUBERT y KUMI IWASE edita "Le Jazz Non Plus" a través del sello BRUCEFINGERS de SIMON H. FELL hace un par de años. 

Un trabajo que me dejó totalmente noqueado y que tuve el placer de reseñar por aquí:


COLLAPSE es grabado en Mayo (2014) en Zaragoza y masterizado por la propia autora en INTERFERENCIAS STUDIO de Madrid, para posteriormente ser editado por AURAL TERRAINS, un sello/plataforma dirigida por la batuta de THANOS CHRYSAKIS que bien merecería un capítulo aparte. 

Siguiendo con el trabajo de Edith, su disco resulta un arriesgado viaje en forma de suite no apto para todo tipo de oyentes. Compuesto y tocado para bajo eléctrico preparado (para los no iniciados diré que básicamente es distorsionar, mutar y reconvertir el instrumento mediante pedaleras y mil artilugios que transforman el sonido madre en cualquier cosa que se os pueda ocurrir) estamos ante una manipulación de auténtico orfebre en puro óxido y podredumbre existencial, como así demuestra el nihilista, devastador vacío de las fotografías de  GEORGE ZAHARIOU que conforman el artwork.


Los lugares abandonados suelen ejercer una atracción especial en mí porque parecen guardar ciertos ecos (secretos) de una vida pasada que se resiste a desaparecer hasta que los últimos átomos de escombros no son barridos de la faz de la tierra. "Je Suis Perdue",  reza una pintada en una de las paredes interiores del libreto, y tal y como se desarrollan los 37 minutos de la larga pieza (dividida en cuatro cortes), uno tiene la sensación de estar siendo dragado por una inmensa espiral absorbente cargada de objetos cortantes, putrefactos y probablemente infectados en tetania. 

Salir ileso es tarea inútil.

Una obra eminentemente abstracta, enclavada en lo eléctrico pero coqueteando con lo electroacústico. Regurgitaciones ásperas donde cada roce en la cuerda es captado por el oyente en un modo personal, único y sobre todo, demencial. No existen resquicios de luz y mientras partes del bajo son rasgadas con objetos y las cuerdas tocadas en notas átonas, punzantes y geométricamente dispersas. Más Noise que Jazz o improvisación en algunas partes, y más Industrial de lo que a priori pudiera parecer.

Cuesta pensar que todo lo que escuchamos en los cuatro cortes es un bajo eléctrico dada la maestría del procesamiento que hace que captemos detalles más propios de un contrabajo, o incluso algún tipo de instrumento con sordina. Quizás los leves toques reverberantes que abren "Collapse I" sean lo más cercano a la cordura que tendremos en todo el minutaje, porque a partir de aquí la tónica general es un in-crescendo que alterna pasajes netamente ambiguos y secos (como inhalar polvo de metales) con fieras sibilancias y estertores apocalípticos. 


Creo que si una ballena se tragase un bajo eléctrico y consiguiésemos capturar el sonido resultante del viaje del instrumento por su aparato digestivo, obtendríamos algo parecido. Las texturas agrias se acentúan en "Collapse II", donde se maltrata el instrumento a niveles agónicos, pasándose luego el sonido por necropedaleras que lo vertebran en algo levemente antropomórfico en su primitiva esencia. Alucinante el jugueteo a mitad del tema fundiendo electrónica y bajo en una curiosa gema engarzada que me retrotrae a esos pequeños experimentos de ZORN en COBRA o HEMOPHILIAC e incluso las primeras piezas experimentales de IKUE MORI antes de engancharse al portátil.

Un soliloquio a cuatro cuerdas se enmarcan en la tráquea imaginaria de "Collapse III", falsamente tranquilo porque es posiblemente de los temas más amenazadores del disco. Imaginad el diálogo entre el Universo y su hermano teratogénico que yace en una especie de realidad paralela. Si no lo escucháis sois afortunados y estáis mentalmente cuerdos.

Una cierta melodía coquetea con el espectro Doom de la música, al menos en lo que a Drone se refiere, mientras burbujeantes incursiones de metal fundido le dan cierto cariz acuoso al último tema, reforzado por la sensación de asfixia o apnea (¿se me aceptaría un concepto tan raro como pudiera ser APNEA ESPIRITUAL?). Puro aroma de los experimentos industriales de finales de los 80.

COLLAPSE es por y para uno mismo. Para establecer misantrópicos diálogos con nuestro otro yo, y en ningún momento algo lúdico o multitudinario (al menos a mí me jode mucho ir a algún lugar abandonado y encontrarme gente). 

Un perverso tratamiento contra la pluralidad de masas que afortunadamente disfruto hasta con sus efectos secundarios.




viernes, 9 de junio de 2017

MONO CANÍBAL - "MONO CANÍBAL" (AUTOEDITADO; 2017)


Cada vez me resulta más frecuente encontrarme con proyectos de músicos que hastiados del rock (especialmente diría que del metal extremo), abandonan sus guitarras, bajo o batería para mutar su forma de expresión en la electrónica. 

Por eso, cuando me encuentro en algún que otro debate de puristas del rock que dicen que todo esto es ruido y el que toca no sabe lo que hace, no tengo más remedio que o bien meterme la lengua por el culo en el ejercicio de yoga más intenso que conozco, o bien entrar en debates sin sentido. Y de debates sin sentido ando más harto que cuatro Ouroboros puestos como ruedas de un coche.

Hay un submundo electrónico en Valencia, pero no voy a entrar en estudios sociológicos que no viene al caso, pero sí diré que uno de los miembros de los death metaleros MUERTE POR MIL CORTES, que por cierto reseñé por aquí cuando sacaron su disco homónimo de 2012, e integrante también de más proyectos hardcore y de metal, acaba sufriendo esa transformación/conversión a la electrónica de un modo gradual, viéndose así esto en su siguiente proyecto, BUIO MONDO. Por cierto, todo un éxito de ventas su "Italia Violenta" y del que espero desesperadamente la continuación.

BUIO MONDO mezclaba trazas de drone ruidista con los aires musicales giallescos, y di buena cuenta de ello en este artículo que salió en KARATE PRESS, que para los interesados todavía tiene que andar disponible si no me equivoco. 

El caso es que si BUIO MONDO es o era un dúo (ahora mismo no lo sé), el siguiente proyecto del críptico músico que lleva todo esto es MONO CANÍBAL, que a propósito de su primer trabajo en cinta de cassette por el sello CRANEAL FRACTURE hablé hace poco en una infame entrevista que podéis recordar aquí:


El siguiente trabajo que es el que ahora nos ocupa rompe un poco con todo lo anterior. Titulado simplemente "Mono Caníbal" y editado en un ultralimitado Cd-r numerado a mano y con magno diseño de PROCESONEGRO ART STUDIO, el resultado es muchísimo más profesional que la anterior cinta, masterizándose el disco en RED RECORDS y para mi gusto cambiando ostensiblemente el sonido hacia algo más pegadizo y claustrofóbico donde las referencias cinematográficas son ya claramente sublimadas resaltando sobre cualquier otro atisbo de ruidismo o impro. Si sois muy jóvenes podéis poner el punto de mira en ZOLTAN, UMBERTO o CALIBRO 35 entre otros y si peináis canas pues más adelante encontraréis cositas con las que meteros en un universo apasionante.

Aunque algunos no quieran verlo, el espíritu del DIY de los ochenta está aquí también. El uso del portátil es desdeñado por el uso de los potenciómetros, secuenciadores y sintes, de tal suerte que visualmente todo este asunto me provoca erecciones que (dentro de mis posibilidades) resultan aterradoras. Es lo que siento cuando abre la "Intro" con un cante flamenco distorsionado a niveles de Muazzin y recubierto de un espectro ambiental acojonante y que sirve de introducción al larguísimo tema "Conejo a La Tumba", donde los minimalismos ambientales y acampanados de los sintes me meten de lleno en mi juventud de "sintonías" y "scores" cinematográficos. 


El fantástico italiano con sus FABIO FRIZZI, sus MORRICONE, RIZ ORTOLANI o los HERMANOS DE ANGELIS y tantos otros entronca directamente con el urbano CARPENTER, quizás el más presente a lo largo de todo el trabajo. Alcantarillas humeantes por donde salen criaturas mitad mierda, mitad antropomórficas, todo adornado con la oscura ambientación electrónica de MONO CANÍBAL. Maravillosa la espectral melodía que irrumpe en el tema en el minuto seis, que me lleva inevitablemente a grupos de la escudería BLACK WIDOW italiana, donde milita desde casi 1969 entes tan bizarros como JACULA o ANTONIUS REX (dejo todo esto para la investigación del oyente interesado). 

Cortes como "El Extraño Viaje Que Nunca Haría Con Él" siguen cierto patrón similar a Giallo italiano o fantaterror hispano, aunque sin llegar a esa profunda bizarrez de WALDO DE LOS RÍOS en sus colaboraciones con CHICHO IBÁÑEZ SERRADOR... es decir, MONO CANÍBAL respira muchísimo aroma a vinilos podridos de envoltorios de viejas cintas de VHS y BETA en los videoclubs de barrio.

Uno ha mamado mucho cine de terror, de Serie B, Z y todas las letras que se te ocurran del abecedario (por ejemplo Cine Clasificado S) y es ese ponzoñoso ambiente de medianoche en "Vil Teletexto" lo que me pone la carne de gallina. Soberbios golpeteos percusivos muy, pero que muy propios de las BSO de las pelis del grandioso DON COSCARELLI. Hay cosas más modernas que podríamos sacar a colación, como ese experimento brutal de BROADCAST en "Berberian Sound Studio", y especialmente la BSO imaginaria "Drokk" sobre la ciudad Mega-City One en la que reparte su violenta ley JUDGE DREDD

Cortes como "Ta Calcinao El Señor" son más experimentales/industriales en algunas partes, y tirando de cierto toque Dark Ambient en otras, aunque su tempo lento es la principal característica. A propósito de esto... AMO los tempos lentos; tengo un cierto íleo paralítico cerebral que hace que todo lo lento y repetitivo me vibre en el interior. 

JOHN CARPENTER hace acto de presencia en toda su mayestática plasticidad en la ultradivertida, pegadiza melodía arrastrada de "Tragicomedia De Una Cena Baile", pero no se me entienda mal... hay un hilo conductor original y característico en el estilo de MONO CANÍBAL a lo largo de todo el disco, y cuando cito comparaciones es simplemente para contextualizar el momento. Prueba de ello es la transformación pseudobailable del tema. 

Del mismo estilo es ese entrecortado uso obsesivo de los patrones rítmicos de "Mucha Muerte En Jon Cong", todo un clásico homenaje a la CANNON FILMS y sus infames producciones de acción, que lo mismo te rodaban en Filipinas una peli de Ninjas que un clon de Mad Max. Hasta películas tan extrañas como ese híbrido de thriller psicológico, peli de artes marciales y terror de FURIA SILENCIOSA (1982) que protagonizaba CHUCK NORRIS contaba con esos toques inmundos de teclados. Hay que tener cierta edad para apreciar esto.

Termina esta auténtica locura una colaboración maravillosa entre URANO Y PUTÓN (otro que tal baila y del que os he hablado por aquí también) y MONO CANÍBAL en "Susto o Muerde" que no voy a definir mas allá de que resulta una colaboración explosiva, ruidista y brutal. Que sea el oyente el que tenga su última palabra.

Para mí, si te has sentido identificado con al menos un 80% de lo que aquí se habla esto es un MUST-HAVE en toda regla.


miércoles, 7 de junio de 2017

SCHOBER´S CABINET - "IT IS IN THE WRONG ENVELOPE" (BAM BALAM RECORDS; 2012)


Cuando comienzan los primeros compases de la larga "It Is In The Wrong Envelope Suite" tengo que pellizcarme varias veces para ver si estoy soñando, porque sería posible que DAEVID ALLEN hubiera colaborado en este disco en las voces y yo no me hubiese enterado. Ese brutal inicio al más puro estilo GONG me pone los vellos de punta y hace que un ramalazo eléctrico recorra mi espina dorsal. Son sólo unos momentos pero para mí ya justifican esta reseña.

El fantástico sello BAM BALAM RECORDS de Burdeos, gestionado por J J ARNOULD y que lleva desde el año 1979 repartiendo mugre psicodélica y experimental, es el encargado de la edición; no en vano es hogar de proyectos de KAWABATA MAKOTO, algunas de las ediciones de ACID MOTHERS TEMPLE, e incluso un grupo del que os hablé hace poco, los portugueses SIGNS OF THE SILHOUETTE.

El caso es que ahora quisiera traer a la palestra una edición de 2012, el disco "It Is In The Wrong Envelope" del alucinante combo SCHOBER´S CABINET, capaces de sonar tanto a PINK FLOYD como a la época más psicodélica de THE BEATLES, pasando por cosas más machaconas como HAWKWIND y retazos en el insistente órgano a VANILLA FUDGE.

Nueve temas que vertebran la larga suite inicial y que son un poderosísimo ejercicio psicodélico absolutamente apasionante, donde las guitarras y el bajo juegan un importante papel estableciendo las coordenadas sonoras en el sonido de finales de los sesenta. La batería es salvaje, de esas que no tienen trampa ni cartón, y los adornos de teclados ácidos como chupar un zumo de pilas de reloj.

SCHOBER´S CABINET se compone de DENIS STOCKHAUSEN VON ULM (precioso nombre) a las guitarras, bajo, órganos y voces, mas ZACH RYL a las percusiones. La edición es tipo cardboard, así que no encierra mucho más datos. Un proyecto misterioso donde los haya, y del que la verdad poca más información he conseguido, salvo que tienen otro disco posterior también en el mismo sello titulado "Term I" y que de momento no he podido catar, pero que investigando he averiguado que cuenta con una vocalista femenina e incluso toques de Surf y cabaret.

Las palabras Proto, Garage, Barrett y Lo-Fi Psicodelia serían las prohibidas si estuviésemos jugando a las adivinanzas del Tabú. El aroma que se respira en todo el disco es al de algo retro, añejo pero a la vez fantásticamente fresco, como en los delirios lisérgicos del órgano Farfisa en "Peach Preserves", capaces de volarte la cabeza si no te andas con cuidado. 

También hay arabescos pseudo Hawkwind como en "Assaulted Styrofoam Peanouts" donde nuevamente tengo que acordarme de DAEVID ALLEN y sus particulares letras de cabaret ácimo; repeticiones mántricas de guitarras y bajo hasta el infinito como "A Single Greasy Spoon" y un sinfín más de detalles, como un segundo tema de más de diez minutos de Space Rock con toques de Garage Surf de altísimo nivel que no hace más que añadir el carácter de obligado si te gustan estos sonidos (atentos al experimental clímax final del corte).

Para mí un discazo y por cierto, tanto este como el posterior pueden conseguirse por 5 euros envío incluído por la página de BAM BALAM RECORDS.



lunes, 5 de junio de 2017

GRABACIONES AUTOBOMBO/ "QUEBRAES" de YUNCLA´S


GRABACIONES AUTOBOMBO es un sello de ASTURIAS que en cierta medida me recuerda a esas efímeras pero transgresoras escuderías que en las postrimerías de los 80 ejercían su particular labor DIY en clave terrorista. La primera de las razones es el formato elegido, el cassette, tan vilipendiado por muchos pero clave esencial en eso que se llamó Barcelona Experimental y que tan bien trató JAIME GONZALO en el indispensable libro LA CIUDAD SECRETA, editado por MUNSTER RECORDS en los capítulos dedicados a la música electrónica, industrial y el experimentalismo (que por cierto se autofagocitó la misma ciudad demostrando una vez más que una "escena" a veces es algo que no llegamos a comprender realmente). 

Pero ojo, todo esto no fue exclusivo de una sola ciudad, y existía esa maravilla que se llamaba TAPE TRADING con la que sobrevivían proyectos tan interesantes y a reivindicar como TORACIC TAPES, CASSETTES PROCESO UVEGRAF y una larguísima lista de sellos que no voy a poner aquí para no hacer esto interminable.

La segunda de las razones es que GRABACIONES AUTOBOMBO se dedica a la música electrónica, old school techno, las texturas industriales, el ambient y en definitiva esos sonidos que tan bien le sientan al formato cassette. Sobre los debates del formato ya se han vertido ríos de tinta, así que lo único que me gustaría apuntalar es que me parece maravilloso que los tres soportes clave (cd, vinilo y cassette) convivan hermanados cada uno dándole cuerpo a lo que la grabación en sí precise. Hasta el momento tienen editadas seis referencias dividiéndose entre YUNCLA´S, COMANDO OSCURA y KOYAZIU.

La referencia que os presento es la primera edición del sello, "Quebraes" del críptico combo techno industrial asturiano YUNCLA´S. Lo primero que me llama la atención es que gracias a los cielos es una cinta fabricada profesionalmente, porque últimamente me están llegando algunas cosas en TDKS y similares grabadas de forma putrefacta que son un despropósito considerable en cuanto a sonido. Si uno pilla una cinta, ya sabe que quiere un objeto para poner en los altares de su discoteca y espera que esté cuidado tal y como lo están las referencias de GRABACIONES AUTOBOMBO.


Vamos a entrar en materia. "Quebraes" es una grabación dirigida directamente a dinamitar el estado capitalista con lo que la vocación antisistema es elevada. A propósito del asunto, el libreto interior incluye un discurso que daría en 1937 JUAN GARCÍA OLIVER, prominente anarquista español, que junto a la figura de DURRUTI y LOS SOLIDARIOS protagonizarían el intento de asesinato de ALFONSO XIII. Estamos hablando de épocas de sindicalismo, hordas policiales, lucha antigobierno y en definitiva prácticamente terrorismo proletario. 

A mí me importa un carajo. Todo esto es HISTORIA, y me encanta aprender con la música... pero claro, estamos hablando a veces de cosas tan dolorosamente polémicas que uno no sabe cómo reaccionará la peña. Pero vamos, que la gracia radica en que luego te viene cualquiera y basa sus discos en algo tan jodidamente perturbador como La Inquisición española y todo el mundo se queda tan pancho. También escucho y he reseñado cosas de cristianismo extremo esotérico, refundadores de una europa ultracatólica fundamentalista, black metaleros y death metaleros cristianos, obras conceptuales sobre asesinos en serie.... y siempre lo hago desde el mismo prisma óptico: LA MÚSICA.

Tal y como he dicho una y mil veces, me limito a hablar de música y establecer contextos, tanto si un grupo como YUNCLA´S usa el marco de la lucha obrera como si se trata de cualquier agrupación de NeoFolk que coquetee con la extrema derecha, al fin y al cabo la serie CURRO JIMÉNEZ la vio todo el mundo y hablaba del bandolerismo, del que también podemos recoger cántaras de sangre. A mí me la suda olímpicamente estas historias, pero me empapo del submundo contextual de cada edición que escucho para sacarle el alma porque si uno se lee (cree) las letras de BURZUM o estudia el contexto espiritual de WAGNER en la clásica se sentirá en un dilema profundamente desesperanzador. 

Y es el momento de volver a esas grabaciones de industrial y electrónica de los 80... ¿qué hacían esos grupos sino intentar provocar y salirse de la línea/tónica general? (y si no que se lo digan a grupos como LAIBACH o en otro contexto THE PLASTIC PEOPLE OF THE UNIVERSE). Se publicaban polémicos pasquines y fanzines de lucha (poética, armada, no armada, cultura, no cultura.... de todo hubo) bajo cuyo leit motiv incluso se organizaban festivales en casas okupa o asociaciones de toda índole. Lo importante es la provocación, ya sea con portadas ultra salvajes que coquetean con el sadomasoquismo extremo como áridos pasajes de un nihilismo herrumbroso fotocopiados en blanco y negro. 

El caso es que YUNCLA´S (creo que el nombre hace referencia a los yunques afila guadañas y martillos de los herreros) hace lo que hacían esos grupos de música industrial en los 80, provocar intencionadamente y crear un ambiente opresivo en su música. La única información al respecto que he podido averiguar es que tras este "moniker" se esconde un guitarrista de bandas hardcore, punk y rock y tras una reconversión abrazó la música electrónica (esta historia últimamente se repite con diversos proyectos tratados aquí como URANO Y PUTÓN, MONO CANÍBAL... quizás es el amianto que respiramos del ambiente).


"Guerra Social" abre la Cara A con el exclusivo objetivo de inducirnos y llevarnos de la mano a través de un mántrico, hipnótico y repetitivo patrón musical. Curiosamente, las bases rítmicas parecen estar imbuidas de cierto cariz tribal que hace muy cercano el sonido y lo aleja de patrones digitales para abrazar más lo genuinamente analógico (con esos ruidos de cascabeles seudo africanos). Quizás los que conozcan discos como "Sheik Aljama" o "Arispejal Astisaró" de ESPLENDOR GEOMÉTRICO sepan a qué me refiero, sobre todo cuando el tema va mutando volviéndose más ruidista y espacial pero con toques techno que lo hacen bailable.

"Bailando Cola Star" empieza con el consabido sampler de lucha obrera al más puro estilo Dark Ambient y Martial (un sampler que si no me equivoco es del grupo LOS SOLIDARIOS (también conocido como "CRISOL") que mutaría a NOSOTROS, grupos armados que existieron en Barcelona contra la represión gubernamental. Techno anarco sindicalismo sonoro que se bailará en discotecas ocultas por pátinas de orín, jeringuillas de agujas romas y restos de cristales rotos. 

El proyecto ASSASSANI de VÍCTOR DUNKEL podría ser también una referencia a citar en todo este asunto de techno de combate. Sobre el sampler van creciendo las bases rítmicas en un tempo lento que se va haciendo correoso e hipnótico en sus 13 minutos de duración, sobre el que se van elaborando minimalistas recursos de electrónica recordando al primitivo techno que se hacía en Berlín pre caída del Muro. 

La cara B empieza con "Ensin Autoridá Too Ye Más Fácil", con minimalistas patrones rítmicos pero con un fondo mucho más variado que va creciendo hacia el ambient y el electro. El objetivo es claro, inducir al Trance... está claro que no se trata en ningún caso de música comercial y se disfruta preferentemente con auriculares. Sigue "L´akelarre d´Orsini", en clara referencia al invento explosivo de Feline Orsini (1857) y que al fin y al cabo es el sistema común usado como artefacto explosivo por los grupos anarquistas, exponiéndose algunas de ellas en museos nacionales y que GAUDÍ esculpió en la fachada de La Sagrada Familia:


Musicalmente un tema mucho más variado y con más de Industrial y Martial que de Techno, plagado de ruidismos juguetones casi cinematográficos y que muestra a las claras a un proyecto todavía en vías de desarrollo pero con detalles muy interesantes (me consta que el sonido de YUNCLA´S ha evolucionado bastante en otros tres trabajos editados). 

Cierra "Los Pensamientos de Nechaiev". El ruso Serguéi Gennádievich Necháyev (1847 - 1882) estuvo asociado a movimientos nihilistas, revolucionarios y bastante polémicos, llegando incluso a ser vilipendiado por Marx o Engels, además de ser fundador de la sociedad secreta Naródnaya Rasprava ("La Justicia del Pueblo"). Otro de los temas más experimentales, con toques incluso de guitarra procesada y que está dotado incluso de una cierta vertebralidad psicodélica muy interesante (pero sin perder el techno por bandera), convirtiéndolo en mi tema preferido de la cinta.

Poco más que añadir. Espero que hayáis disfrutado con esta incursión de periodismo maldito por el underground sonoro de la península.