lunes, 11 de diciembre de 2017

SANCHO CAMPOS - "THE LION AND THE HORSE" (GRUPPO UNGIDO; OU26, 2017)


Este mismo año os hablaba del tremebundo disco "Nemesis" que se habían marcado CONFABULATON QT con la formación de A.L.GUILLÉN / ANTONIO MURGA / SANCHO CAMPOS y ANDRÉS GONZÁLEZ. Creo que de cara al próximo texto que nos ocupa sería bueno que releyerais dicho texto antes de continuar para poner las coordenadas en un mapa percusivo particular en el que nos vamos a meter de lleno:


Pues bien, la Obleah Ungida titulada "The Lion And The Horse" ha sido editada por GRUPPO UNGIDO (Oblea Ungida#26/mónada ungida 20) en formato digipack con una preciosa portada de ANTONIO VIEIRA bajo diseño general de MARIPI RODRÍGUEZ. La duración del disco... la friolera de 9 minutos en total repartidos a lo largo de 8 cortes de minuto y pico de duración cada uno y que funcionan mejor en su conjunto; a modo de suite percusiva o algo así.

Sobre la biografía de SANCHO CAMPOS podéis consultar y leer en profundidad aquí. 


Si hace poco os escribía sobre un disco de percusión pura y dura ("Imatges" de JESUS GALLARDO), en esta ocasión el grado tribal y bizarro se acentúa en modo superlativo, consiguiéndose una suerte de viaje rapidísimo por una selva nocturna en la que sólo los más versados serán capaces de captar la infinidad de detalles. En este país tenemos grandísimos percusionistas dentro de la improvisación y el Free Jazz... el propio Jesús Gallardo, Avelino Saavedra o Javier Carmona son bastiones y columnas de un templo en el que SANCHO CAMPOS es otra de sus bases imprescindibles.


Una vez que le damos al play nos vemos metidos en una especie de pulso tribal constante y mantenido que no decae, reforzado por algunos punteados de platillos y los cascabeles en segundo plano. La caja hay ocasiones que suena marcial y militarizada, pero en otras adquiere la inmanencia de una vieja danza africana. Cuando uno cierra los ojos y se deja llevar por el acelerado tempo pierde pie y de tal forma que se alcanza una especie de drone percusivo muy curioso con pocas variaciones durante todo el disco. La técnica es contenida y abigarrada... barroca diríamos porque todo suena apretado dando la sensación de que si cogiésemos el disco y lo ralentizáramos se expondrían mil y un trucos de percusión difíciles de captar en las primeras escuchas. 

El detalle de sintetizador en "Mr Zam Zam" rompe brutalmente el disco dando un aire de rareza considerable al asunto (me hubiera gustado más momentos como este). Conforme nos adentramos en el tramo final los aires tribales y danzarines se tornan abstractos y ya un no sabe si está en África o en una Jam session con SUN RA en las estepas áridas de Plutón.

Disco bastante complicado de asimilar debido a su corto minutaje, que comprime en 9 minutos toda tribal danza ancestral que podría tener sus orígenes en cualquier parte del mundo. Su objetivo es comunicar, manifestar lo salvaje a este mundo mediante el exorcismo de lo percusivo. Al menos es lo que yo he captado.


DE OJOS QUE CRUJEN EN PATIOS POLIVALENTES...


Siempre al margen del circuito oficial de salas en Málaga tenemos lo que voy a dar en llamar "La Última Curva del Intestino", que es ahí donde nadie se fija (los grandes espectadores esperan detrás del boquete para adorar a la Hez). 

Es en ese remanso tranquilo donde las nutritivas aguas de lo creativo se desvían en una Fístula imposible mucho más interesante que el mismísimo underground, mientras hordas de idiocia zombie se dirigen a contemplar eso que se llama ESPECTÁCULO DE LAS LUCES (con dos cojones... ponerle "espectáculo" a eso), pues uno nada como una trucha para llegar al OJOPATIO donde NACHO JAULA, prácticamente entre amigos, el Viernes 8 nos presentó algunas de las piezas del excelente "La Violencia De Las Flores" que reseñé aquí hace unos días:


Cada trabajo de NACHO es distinto al anterior, y lo he visto tocar en directo tantas veces como para poder asegurar que la energía mana de sus manos haciendo magia. En esta ocasión armado sólo con 3 pedales (uno roto varios minutos antes de empezar) y la guitarra eléctrica sustituyendo a la acústica del disco, nos da un recital de pequeñas piezas de orfebrería donde destaco la última por su flotante cadencia oriental que induce al trance. Mientras otr@s necesitan de un arsenal de pedales y cachibaches, Nacho puede resetear tu existencia con dos potenciómetros, una cadena y una guitarra ya con un pie en la sepultura. En esta ocasión se pone su traje de Folk Drone y nos mete un enema de curare por el esfínter anal para que nos quedemos tranquilitos una buena temporada.



A continuación desde Madrid el dúo ATTHIS (Raquel Martínez al piano, monotron y delay//Desde Los Bosques a la programación y procesos) nos dieron un buen concierto de minimalismo y dark ambient casi rozando en algunos momentos el techno forestal alemán y algún que otro momento más ruidista. Los diálogos entre piano y electrónica estaban teñidos de una melancolía contemplativa que se sublima en su trabajo en cinta "Sentimiento Oceánico". Una verdadera lástima que vengan a tocar estos grupos y seamos cuatro gatos. 


Al día siguiente, Sábado, se cerraba el Ciclo Crujido, una de las iniciativas más interesantes que hemos tenido este año. 6 fechas en LA POLIVALENTE donde ruido, electroacústica y en definitiva, improvisación libre, se han dejado caer mediante solistas. Para esta última cita la propuesta era doble... por un lado, MÁGICOS CABRONES DEL RUIDO, grupo naciente en formato guitarra/batería con gente de TOM CARY, y luego el mismo PABLO GARRIDO haciendo valer el espíritu improvisador del ciclo.

En cuanto a MCR pues decir que nunca he sido muy seguidor de TOM CARY, la verdad, y este tipo de rock ruidista me gusta pero no me vuelve loco, aunque he de reconocer que estos MÁGICOS CABRONES DEL RUIDO son pegajosos como un baño de alquitrán en el Mar Muerto. Rock punkarra con trazas de shoegazing, pinceladas de PostPunk en pequeñas píldoras que me recordaban a ratos a una versión mas cruda de PENÉLOPE TRIP o incluso SONIC YOUTH. Estuvieron bien, pero no eran ni tan ruidistas como yo me pensaba ni son para nada cabrones, al contrario... gente muy decente con la que charlé a gusto sobre las psicomanías de DAMO SUZUKI y otras vicisitudes.



Mucho más interesante me pareció la cover de A LOVE SUPREME de GARRIDO marinada con el sustrato letárgico de CAN, el funk obsesivo de SUN RA en "Space Is The Place" y arranques de intensidad rockera a lo MC5. Para mí ese fue el plato fuerte de la noche y donde la energía fluyó a caudal abierto. Un puntazo.


Una lástima que la iniciativa CRUJIDO llegue a su fin. Ojalá tengamos una futura temporada porque me he quedado con ganas de más.

martes, 5 de diciembre de 2017

MIGUEL A. RUIZ - "EL NIÑO CARBURADOR" (EDICIONES TORACIC; 2017)


"El Niño Carburador" fue originalmente editada en cinta de cassette por el sello LÍNEA ALTERNATIVA en el lejano 1989. Ultra oscuro sello donde militaban gente como 32 Guájar's Fáragüit, Esplendor Geométrico, Víctor Nubla, Francisco López o el propio Miguel A. Ruiz. Inspirada en "El Libro De Los Seres Imaginarios" de Borges, es ahora que los que no pudimos acceder a la grabación original estamos de enhorabuena con la reedición en cd-r por EDICIONES TORACIC, que ya lleva un montón de joyas exhumadas. Quisiera citar unas palabras del libro de Borges porque me parecen totalmente reveladoras de la música que nos vamos a encontrar en el disco. El autor habla de lo caleidoscópico dentro del mito y la leyenda, e invita a sumar pesonajes de todas las nacionalidades a su bestiario. 

"El Libro de los Seres Imaginarios no ha sido escrito para una lectura consecutiva. Querríamos que los curiosos lo frecuentaran, como quien juega con las formas cambiantes que revela un calidoscopio".

La portada original de la cinta era la obra "El Niño Carburador" (1919), óleo y esmalte en lámina de oro de FRANCIS PICABIA, actualmente en el Guggenheim de Nueva York si no me equivoco, y que cuenta con una reveladora inscripción: "détruire le future (destruir el futuro)". La obra está enmarcada dentro del Dadaísmo y para hacer más comprensible todo el asunto os pongo la maravillosa descripción del cuadro de la página del museo: La obra podría tratarse, tomando en cuenta el título del lienzo, de un niño que aún no ha llegado a la edad madura para desempeñarse sexualmente, hecho que se puede observar en la pintura como una analogía de sus órganos con objetos mecánicos que no funcionan a falta de un mecanismo que los junte. El tema de la obra también podría ser la "impotencia"

Otras obras del autor destacables serían "Edtaonisl", "Veo Otra Vez En El Recuerdo a Mi Querida Udnie", "El Bello Charcutero" o "Cortejo".


El apabullante uso de recursos en la grabación es demencial. Sintetizadores, samplers y manipulaciones de cintas construyen una fábula de otro tiempo donde uno pierde pie intentando averiguar qué sonido es real y cuál es sintetizado. El uso épico de instrumentos de viento y cuerdas (desde carillones a trompetas o arpas) le dan un cariz de tribulación a todo el disco en cada uno de los 18 cortes que a modo de bestiario sonoro quedan establecidos como un onírico safari por ese extraño y bizarro mundo de Borges. Desde Satán cabalgando las espumas noruegas a los andrajosos monstruos de la tentación que «sólo tienen un ojo, una mejilla, una mano, una pierna, medio cuerpo y medio corazón» en el Hadramaut

Pasajes muy de electrónica francesa a lo Jarre o Patrick Vian que parecen la sintonía de un viejo programa de misterios espaciales ("Maravillas De La Creación") se mezclan con marciales procesiones ciclópeas de sonidos industriales donde las criaturas bailan al son de un old school techno en las terrazas chill ciclópeas de ciudades que existen sólo en los niveles metafísicos como es el caso de la infecciosa "Entre Seres Térmicos". Cortes que parecen sacados de viejas grabaciones ("Un Monstruo Hecho De Ojos") mitad villancico, mitad documental... todo con un organillo espectral de fondo creando un clímax de irrealidad muy acusado. 

Lo realmente alucinante de este disco es que no sé discernir cuando los instrumentos de cuerda o viento son reales o no, porque en "Alegría De Las Serpientes" asistimos a un jazz rock de tintes electrónicos (muy cercano a lo que hace hoy día ANTONIO MURGA) que si son samplers están usados con una maestría que asusta... y es que hasta lo que yo sé, sólo en "El Cerbero Dantesco" hay una Tuba real a cargo del mítico Markus Breuss. "Los Fastos De Ovidio" o "El Cánon De Las Mutaciones" se abren con la arrobadora voz en inglés de un narrador que me recuerda muchísimo a las cintas de mantras del sello TIMES MUSIC INDIA que en cada inicio te explicaba el significado de la música que ibas a escuchar. Una voz con un timbre muy característico que juraría es la misma (para que os hagáis una idea, suena como la voz masculina o femenina de los cds limpiadores de la lente láser).

Cada corte es un mundo de posibilidades y estilos que lejos de acomodarse, muta. Miguel A. Ruiz es un carrusel de posibilidades imposibles si se me permite la redundancia (vuelvo a lo del caleidoscopio que citaba Borges). "El Segundo Interrogatorio" se mete de lleno en el Dark Ambient, la música industrial más marcial (ya quisieran la mitad de grupos tener en su discografía un tema como este) y con toques cinematográficos. Otros se mueven por una especie de cabaret fuera del tiempo, abstracto y lleno de polvo, como en "Oscuras Festividades"

Para más inri, el citado corte "El Cerbero Dantesco" con MARKUS BREUSS a la tuba parece un cruce entre la ART ENSEMBLE OF CHICAGO y un grupo Noise... así de avanzado sigue sonando "El Niño Carburador".

Esencial, irrepetible y de obligada adquisición.



lunes, 4 de diciembre de 2017

HELA - "DEATH MAY DIE" (LAY BARE RECORDINGS; DISCOS MACARRAS; COSMIC TENTACLES; MÚSICA HÍBRIDA, 2017)


Cuatro años han tardado los alicantinos HELA en darnos la continuación a su monumental debut "Broken Cross" que destripara por aquí cuando salió. El caso es que tras el split con LODO (que incluía cover de PENTAGRAM) allá por 2014 la banda cambia de vocalista incorporándose Mireia Porto de los acojonantes ROSY FINCH, cuyo "Witchboro" me dejó con la boca abierta. Con esta formación graban en 2016 "For My Fallen Angel", cover de MY DYING BRIDE para un recopilatorio de la insigne página doom-metal.com

Estamos en 2017 y Aquella que Vive bajo las Raíces de Yggdrasil se vuelve a manifestar en podredumbre con el novísimo "Death May Die", disco sacado por LAY BARE RECORDINGS en vinilo y por la misma mas DISCOS MACARRAS, COSMIC TENTACLES y MÚSICA HÍBRIDA en digipack cd. El fastuoso diseño corre a cargo de Deadsign.net y la formación establecida con JULIÁN VELASCO a las guitarras, TANO GIMÉNEZ al bajo, MIGUEL A. FERNÁNDEZ a la batería y MIREIA PORTO guitarras y voz.

Y vamos a meternos en materias musicales. El nuevo disco de HELA se aleja una pizca del Occult Rock de su primer disco para mezclarse sugerentemente con el rock alternativo de los 90 que tan bien le sienta a bandas como los citados ROSY FINCH. El doom plomizo de clásicos como CANDLEMASS se revitaliza en una genial maraña que lo mismo te puede sonar a los KRUX o PALLBEARER que a unos SONIC YOUTH sureños. La frescura de la mezcla es la vinagreta doom que querrás en tus funéreas ensaladas dominicales.

Pero claro, todo esto es hablar por hablar, porque siempre se nos escaparán matices como en el tema inicial "The Gateway", solemne procesión de Funeral Doom que me recuerda al "Call Of The Wretched Sea" de AHAB o los últimos EVOKEN recitando texto lovecraftiano y en esencia no representativo de lo que va a sonar a continuación, y es que las voces guturales le dan un toque muy distinto a HELA hasta el punto de casi convertirlos en una banda diferente. Curioso que han elegido un tema así para incluirlo en el disco a modo de intro.


Sigue "Mother Of Monsters" que es 100% Leif Edling tanto de sus discos en solitario como en los apabullantes KRUX. Ese juego de guitarras tan característico cede paso a un sincopado ritmo a lo YOB con los ensoñadores versos de MIREIA PORTO, cuya voz y timbre calza a la perfección en el contexto de la banda... digamos que sería la versión femenina de los 40WATTSUN si me pongo quisquilloso. El tema se disuelve en sí mismo en un ambiente Sabbathiano con ligeros y lejanos toques de teclados y los susurros atmosféricos de Mireia en clave mística.

Pero ojo, que todavía campan por ahí los ecos de JEX THOTH en la música de HELA, que por fortuna se ha vuelto más agria que antaño gracias a las pinceladas alternativas que se cuelan aquí y allá, magnificadas en "Touched By Evil", un temazo con un juego entre las guitarras alucinante repitiéndose aquí y allá como un estribillo perverso que subyuga a las letanías vocales dándole un curioso efecto casi litúrgico. Para la ocasión la voz se procesa a lo PORTISHEAD durante unos instantes pero el oyente, que a estas alturas estará cabeceando como un poseso, de seguro que no se fijará en esos detalles. Magnífico.

"Dark Passenger" empieza con una labor de batería y bajo descomunales mientras el tempo se mantiene flotante convirtiéndose el conjunto en una potente homilía sureña muy al estilo de SANTO ROSTRO. Especial atención a cómo muta el tema a partir del minuto 4 o así merced a un tramo instrumental de los que te cierran el esfínter hasta que tienes que pedir ayuda para volverlo a abrir; luego más y más lentitud abrazando el Funeral Doom de corte ambiental a lo MEGATON LEVIATHAN en un clímax enrarecido de voces espectrales y repuntes lisérgicos; y hablando de lisergia, imposible no volver a acordarse de JEX THOTH en el descomunal "Repulsion", con toques también de esa joya que es "Mahakali" de JARBOE pero sin perder el pulso de la ceremonial marcha paquidérmica a lo CANDLEMASS, muy presentes en general en "Death May Die".

"Bodies In Hell" vapulea tu alma hasta montarla a punto de nieve... una nieve tan densa que no se derrite ni en el puto infierno. Un temazo titánico barroquizado por un etéreo doble bombo que te lleva de la mano por la misma escalera que siempre desciende hacia Hellheim... no importa si te das la vuelta y empiezas a subir porque es cuestión de tiempo y caigas en la cuenta de que esta escalera sólo conduce más y más abajo.




sábado, 2 de diciembre de 2017

BALLARD - "DEMO 2017" (AUTOEDICIÓN; CASSETTE, 2017)


El Sludge que nos viene del norte de la península siempre ha estado marcado por una mala hostia especial. Ahora que se llevan los zumos depurativos antitoxinas, yo creo que la banda que hoy vengo a presentar, los tremebundos BALLARD, hacen justo lo contrario. Acelerar tu proceso de envejecimiento a base de un insalubre cóctel.

Un smoothie de toxinas a base de virutas de óxido cargado de tetania, zumo de algas de cañería urbana, y toques de orín industrial... el resultado os lo podéis imaginar. Pasa por la acritud de todo lo que salía del Matadero de Azkoitia, y por ende AKAUZAZTE, gente como MEIDO, KILLERKUME y con una línea bastante evidente en su sonido de la escena de Barcelona donde reinaban LORDS OF BUKKAKE y los olvidados LLORD o del Sludge madrileño a lo MOHO o HIPOXIA. En resumidas cuentas, la cara menos amable de un estilo que huele a lo metálico de la sangre y sabe como la agridulce textura de la bilis.

En lo que es su primer trabajo autoeditado, la banda de Bilbao se marca una corta demo en cassette con dos temas separados por un interludio pseudo-industrial. "Huida" y "Regreso" son dos auténticos trallazos de claustrofobia Crust. Todo corto pero muy intenso.

Sobre estas y otras cuestiones hablo con una banda que estoy seguro que con su siguiente grabación va a dar un pelotazo. Tiempo al tiempo:

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1. Lo primero es de rigor. Me gustaría que os presentaseis a los lectores. ¿Cuándo se forma BALLARD y bajo qué condiciones? Tengo entendido que compartís al menos un miembro de los extinguidos BERUNA.

Bueno pues somos Ballard desde Bilbao y los integrantes que formamos esta banda somos Mikel, Ioritz, Gorka y Aitor. Todos venimos de formaciones anteriores, Mikel cantaba en I Killed Myself, Aitor tocaba el bajo en Beruna, Gorka era parte en Lines y Ioritz toca la batería en Ballard y el bajo en la banda de stoner Wreck Totem. La idea de Ballard empieza a cocerse hace un año aproximadamente; Mikel tenía intención de formar una banda encaminada hacia el post metal y nos fue reuniendo uno a uno. No obstante hasta finales de Diciembre del año pasado no nos conocimos y los ensayos con regularidad comenzaron en febrero de este año con lo que la banda es francamente joven.

2. ¿Por qué llamaros BALLARD?... ¿Es por el escritor o me estoy yendo por las ramas?

Pues sí que es por el escritor!!! Barajamos un montón de nombres al principio pero ninguno nos acaba de convencer del todo hasta que se nos ocurrió que Ballard tenía una sonoridad muy guapa; amen del hecho de que lo conceptos y distopías de sus historias casan a la percepción con el estilo de la banda.

3. Citando a BERUNA, este otro proyecto mantiene la visceralidad de las primeras grabaciones de la banda. Un primitivo y correoso Sludge Doom que coquetea con el Noise… está claro que todas las bandas vascas que conozco tienen una forma muy agria de tocar estos estilos que las aparta de las de otras zonas. ¿Creéis que estoy en lo cierto? ¿Hay una especie de escena/escuela desde la que bebéis o es todo puramente casual?

Yo diría que indudablemente algo nos echan en el agua o en el whisky aquí!!! Jejeje. Creo que los 4 nos sentimos super en deuda con el underground vasco y de la manera en la que aquí se desarrolla la escena del sludge, crust etc… tenemos una ikastola maravillosa de bandas en esta tierra que desde luego han marcado un camino que en el 2017 es imposible ni tan siquiera intentar empatar… Sí que parece común la característica del sonido aquí, más crudo, más directo… no sé muy bien explicarlo y no quiero desmerecer a ninguna otra ubicación… yo que sé, quizás estos sean de verdad los cojones vascos que aparecen en los chistes jejejje.

4. Vuestra primera edición es una demo en cinta muy cruda y tocada en vivo. ¿Qué podéis contarme de la grabación?.

La grabación se ha realizado este pasado verano del 2017 en el local de ensayo. Los temas que hemos recogido son casualmente los dos primeros temas que la banda compuso y quizás se nota un poco una composición menos depurada. Son dos temas que nos gustan mucho y que no queríamos perder y teniendo en cuanta que nos marcamos un plazo de tiempo bastante corto para realizar la primera grabación creímos que hacerlo con estos temas era adecuado. 

La grabación se hizo en nuestro propio local de ensayo el cual es un sitio con una sonoridad que se mueve entre los rangos Difícil y Puta Mierda. Se grabó en una tarde de agosto y se mezcló en un par de días diferentes. La grabación y el máster lo ha realizado Joseba (Pele) antiguo batería de Beruna el cual ha hecho un trabajo de la hostia teniendo en cuenta el factor de la sala y que el ampli de bajo (COMO NO!!!) petó el día de la grabación y se tuvo que hacer con uno que no es el habitual. Las voces fueron grabadas en un día siguiente cuando la mezcla de la música estaba ya más o menos hecha. 

Todo fluyó de manera muy natural y nos sentimos muy a gusto con Pele, el cual ayuda muchísimo a esta banda. Estamos contentos con el resultado de la grabación el problema es que el sonido ha cambiado mucho desde que registramos esos dos temas. Somos una banda muy viva en cuanto a trabajo en el local y hemos cambiado la afinación y los amplificadores y materiales varias veces desde entonces. El diseño y la maquetación ha ido a cargo de Mikel el cantante de la banda y la edición está limitada a 75 copias que salvo en casos muy excepcionales solo se distribuirán en los bolos.

5. Ya que estamos, ¿de dónde es el sampler de “Null”?... es verdaderamente acojonante y divide fabulosamente los dos temas principales de la cinta.

Pues es una de esas cosas que cuadran de una manera espectacular sin pretenderlo. Mikel sacó un par de capas de sintetizadores en casa y nos las pasó, sonaban guay. Un día estaba yo (Aitor) viendo "Psicosis" y de esto que te despiertas dos segundos antes de que acabe la película y recordaba el plano final y que la cámara se alejaba de Perkins pero no del dialogo interno que tenía y me pareció gracioso grabarlo con el móvil en castellano y en guiri. Teníamos muy claro que entre tema y tema queríamos un interludio, fuimos con esas tres pistas y lo montó Pele en 5 minutos en su casa cuando fuimos a grabar las voces y VOILÁ!! Queda guapo y separa los temas. Hay que decir que somos muy cinéfilos los 4 miembros de la banda así que este tipo de cosas tiene toda la pinta de que van a seguir pasando jejeje. 

6. En el segundo corte se os nota con ganas de bucear en las ingratas aguas de la psicodélica ruidista. ¿Hacia dónde tenderá el sonido de BALLARD en un futuro?.

Pues diría que se está desarrollando en parte más hacia facetas más industriales, más crust y más sludges. es decir, creo que estamos buceando más en cada uno de los tres ejes principales en los que giran nuestras composiciones en vez de quedarnos con el barco amarrado y fondeando en los géneros en sí. pero esto creo que es nuestra manera de ver, quizás para quien lo escuche no haya ningún tipo de innovación o cambio en absoluto y suene todo similar. No creo que estemos tampoco muy interesados en buscar ni  la gallina de los huevos de oro ni ese punto de romper con lo que exista. Estamos bastante más preocupados de hacer cosas que nos gusten a los 4 y que los 4 disfrutemos de ellas.

7. No me gusta reabrir heridas, pero los fans de BERUNA se han quedado con ganas de ver escuchar el disco inédito de la banda. ¿Hay posibilidad de que salga en un futuro?.

Pues quien sabe!!!! Las pistas estas ahí y de vez en cuando Pele mezcla algo y toquetea los botones y enseña lo que va saliendo. Es difícil que se llegue a un acuerdo por el cual las tres partes estemos al 100% de acuerdo, pero puede ser que sí que pase. De primeras Beruna es un recuerdo bonito y así creo que tiene que seguir para todos, los tres estamos en proyectos nuevos que nos motivan y a los tres nos va de maravilla y las asperezas por suerte con sentido común se liman y los entendimientos son posibles… de ahí a que vaya a pasar algo diferente al punto en el que estamos ahora, es decir ese curro publicado hay un abismo que veremos si alguna vez se salta. 

8. Ya para ir acabando, ¿cuáles son los planes de futuro para la banda?... de momento he visto que tocáis con EMBOSCADA, banda que también me gusta mucho y donde toca gente de DISPAIN.

Pues los planes son tocar y grabar. Después tocar y grabar y por ultimo tocar y grabar jejeje!! Somos una banda muy viva, este pasado fin de semana tuvimos nuestro estreno en la Orbeko Etxea de Laudio escudando a Maresti y Totengott y nos hemos quedado muy a gusto así que nos ha dado muchas alas para seguir. De primeras hasta que acabe el año tenemos 5 conciertos programados en Iruña, Teruel, Madrid y Gasteiz durante el puente de diciembre y antes de que acabe el año muy cerquita de casa en El Tubo en Barakaldo el garito con la mejor música de todo Bizkaia!!!.

En enero entramos a grabar un par de temas con intención de publicar un Split y hay más bolos planeados y más cosas. Y si entre las bandas con las que compartiremos cartel están los maravillosos Emboscada que son tres sacos gigantescos de amor y en los que milita el gran Edu, bajista en los tristísimamente extintos Dispain (2 tercios de ellos ahora en Simón del Desierto, bandaza) y que también es parte de los enormes Rizoma, probablemente la mejor banda del estado (pero no se lo digas a nadie que esto es underground!!!!)

9. Nada, despedíos como os apetezca.

Pues eso que somos Ballard y que estamos aquí para quien nos quiera!!! Que nos gustara mucho tocar en vuestra ciudad si nos lo ofrecéis y que esperemos que disfrutéis de esto como nosotros estamos haciéndolo. Muchas gracias también a ti Antonio!!

Aitor dice: Antonio que de verdad que sigas con esta joya digital que tienes en tus manos que desde luego es maravilloso ver a una persona que aún se toma su tiempo en estas cosas y que le pone sus ganas y su entusiasmo y lo que hemos dicho mil veces QUE LE DEN POR CULO A LA CRITICA Profesional!!!!!!

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jueves, 30 de noviembre de 2017

GOG Y LAS HIENAS TELEPÁTICAS - "TRIAD" (GOG ARTIFACTS 005; 2017)


"Ayer tuve un sueño realmente jodido. Estaba en una taberna añeja del norte con un ejemplar de "Choke/Drown" de GOG para dárselo a un conocido. En un momento dado, sin querer, el disco se me caía en una barrica de roble donde se aliñaba una extraña y desconocida para mí salmuera enólica. Justo después, intentando coger el disco, estallaba la tercera guerra mundial que como era por temas nucleares y eso había alterado el espacio/tiempo de tal suerte que me desperté unos cuantos siglos después en el mismo sitio pero con el mismo aspecto jovial de siempre. 

El disco de "Choke/Drown" de impoluta portada blanca había absorbido junto a la salmuera toda la negrura nuclear que se avecinaba y transformado en lo que hoy se conoce como "Triad", de portada negra y dibujo que refleja al recordado en su día como "El baño de sol menos gratificante que imaginarse pudieran". Los miembros de GOG, en este distópico futuro, habían adquirido en sus cabellos (si los hubiera) tonalidades platinas e incluso se habían vuelto ultra virtuosos de sus instrumentos, escribían los autógrafos sólo con unas desagradables letras mayúsculas y escupían una especie de pasta negra de regaliz a cada instante. Incluso les habían puesto una calle por la que no se podía transitar físicamente. Era una Calle Telepática e intenté entrar pero estaba petadísima y dolía la cabeza que te cagas. Justo entonces, desperté".

Aquí me encuentro escuchando el nuevo disco de GOG, expandiéndome de lo lindo y pensando que bueno, "Choke/Drown" estaba bastante bien, pero en mi humilde opinión con este lo han bordado. Nada más que hay que darse cuenta en el saxo que arremete en el primer e intenso tema "Needles" de que una de dos, o esta gente se ha ido a pasar unas vacaciones al balneario de COCCOON a coger fuerzas, o verdaderamente se han embrutecido un poco más de lo que se captaba en su anterior disco. El resultado es más complejo de lo que a priori pudiera parecernos y probablemente la gente que se pone nerviosa cuando no sabe definir lo que escucha tendrá quebraderos de cabeza.

El Rock´n Roll sigue ahí intacto, primitivo como siempre gracias a su esencia de Lo Fi (no creo que esta definición le guste a la banda) y la diferencia con "Choke/Drown" radica fundamentalmente en que creo que el anterior era un disco más polvoriento y de carreterra y este transita por ambientes más urbanitas donde se fuman pipas de crack mientras flota en el ambiente cierta neblina de Dark Punk o algo así (no me atrevo a decir After Punk porque me estaría equivocando).


Las influencias son varias, algunas más obvias, otras no tanto... desde el punk descacharrante de THE FALL al maremágnum noise de los STOOGES con unos JOY DIVISION en clave acelerada en el tratamiento de las guitarras. Al menos así lo percibo yo, que tampoco mi opinión sienta cátedra de ningún tipo, faltaría más. La base rítmica compacta mientras las guitarras crean una suerte de trama electrificada donde el saxo borda a placer sus incursiones (Eddy "Thunder" Ponce). Sobre otras influencias lo leeréis en la entrevista que publico un poco más abajo, que tampoco es plan de estar repitiendo cosas todo el rato. 

El siguiente "Prowler" es todo lo contrario. El bajo lleva aquí la voz cantante (anda, el bajista canta aquí, que suerte de frase más afortunada acabo de decir!!!). Un ritmo bailón a medio tiempo simple pero efectivo a la batería mientras las guitarras se dedican a labores rítmicas. Un saxo retocado un poco para parecer más guay se asoma dejando su impronta y se marcha como dándose cuenta de que el plan no le va a favorecer. Una de las cosas que más me gustan de "Triad" es que creo que con respecto al anterior las voces han mejorado bastante en los detalles, y "Angel" y sus extertores gorgoteantes podrían ser buen ejemplo de ello. Punk ralentizado y vuelve a aparecer el saxo procesado muy cercano a un Moog/Theremin dándole un aire marciano a los temas que hacen que me acuerde de (salvando las distancias) a una especie de hermano bastardo surgido del cruce de genes de CHROME y THE FALL.


"Crackpipe" es de los temas más rápidos y Crust. Un gustazo escuchar cómo sobresalen las cortantes guitarras sobre la machacona base rítmica para a continuación y al igual que al principio del disco, volverlo a hacer. Un tema rápido, otro más melódico con las voces de Cowboy Iscariot... el contraste es un acierto para mi gusto, y da un placer enorme tomar el sol en la playa radioactiva que habita en "Sunbathing", oda al tiempo que se detiene ("I´m a tedium addict") y otra vez esos fantásticos garabatos del saxo que si no rozan el Post Punk de cosas a lo THE WORK poco le falta... por cierto, maravillosos los coros en este tema. El tema más surfero y psicodélico hasta el momento de GOG Y LAS HIENAS TELEPÁTICAS

"Sepeliopolis" es otro guantazo punk cargado de una mala baba considerable y me reafirma en que los nuevos temas están marcados por el contraste. Sé que a ellos no les va a gustar, pero en el trasfondo de todo el disco y en la forma de atacar los instrumentos se insinúa una suerte de progresión que podría tener que ver con un (te lo dedico, Luis) VIRTUOSISMO INVERSO. Los temas suenan mucho más ácidos en esencia (digo ácidos porque la palabra psicodelia es peliaguda) y esto en "Jerusalem" se nota un montón. Si creéis que la distancia entre MOTORHEAD y cosas como LES RALLIZES DENUDES es muy larga, es que no habéis comprendido en verdadero significado de la palabra LO FI... es muy simple.



GOG Y LAS HIENAS TELEPÁTICAS ralentizan el tempo pero dejan flotando las guitarras como un sustrato eléctrico; mientras tanto, el bajo bordea una melodía hipnótica y repetitiva hasta la extenuación. "Scream", tema que cierra el disco, podría durar un minuto o 3 días... da lo mismo, porque es lo que hacía LES RALLIZES DENUDES... establecer una base sobre la que meditar y volar con la música que lejos de progresar, se mantiene siempre perpetua en su Péndulo de Foucault. Para otros esto lo hacían las bandas de Post Punk pero siempre, siempre hay alguien antes y los japos eran especialistas en esto.

Resumiendo. "Triad" es un monstruo de disco a años luz del anterior según mi tragicómica opinión, que o la tienes en cuenta o no (poesía/poema o lo que sea). Se incluyen como bonus los covers de CAVE y DESASTRE pero para saber más de ellos compra el puto disco.


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A continuación charlo con Joao Avalanch y Cowboy Iscariot sobre algunas cosas que quizás os parezcan interesantes y que os ayudarán a comprender mejor las psiques de los músicos de mediana edad.

1. Me gustaría que pusieras en contexto a Gog. ¿Cuándo nace la banda y qué te lleva a juntarte con tipos de mediana edad tan asiduamente?. Tampoco está de más que me hables de la línea genealógica (si es que existe) de la banda para bucear un poco en grupos pasados porque sin buscar mucha información por la red me parece recordar que os conocéis de hace bastante.

JOAO AVALANCH. - Gog nace en 2011 a raíz de un ritual satánico que salió mal. Un grupo desconocido de gente oriunda del extrarradio pontevedrés trataba de invocar el espíritu de Robert Johnson y abrieron una grieta en el espacio/tiempo abisal de la que emergió Gog. Por casualidad, cierto día Joao Avalanche y Cowboy Iscariot trasegaban licores en una tasca de la costa del Morrazo cuando Gog se les apareció, trastocando sus mentes para siempre y obligándoles a montar una banda que les llevara al mayor de los fracasos conocidos, para su mayor gloria. 

Lo de juntarnos con tipos de mediana edad no lo veo. Suena algo raro. Lo que pasa es que los tres somos de esa edad que tu llamas mediana. Cuando éramos jóvenes también nos juntábamos con jóvenes. Otra cosa sería juntarnos con medianos, seres de la tierra media, panes élficos y urukhais, cosa que ya hacemos a diario.

En cuanto a la línea genealógica, procedemos de la misma estirpe que Rodolfo Lasparri que, como es sabido, pertenecía a una conocida familia. Su madre fue una célebre barítona y su padre fue el primer hombre que rellenó los macarrones con bicarbonato de sosa, lo cual causa y cura la indigestión.

COWBOY ISCARIOT. - Si abres cualquier revista de Rock&Roll y calculas las edades del personal te darás cuentas de que somos unos chavales. Y si vinieras una temporada a Pontevedra entenderías que montar una banda es un ejercicio de supervivencia plenamente justificado. No en vano, piénsalo, una gran parte de las mejores bandas de la historia vienen de lugares inhóspitos. El aburrimiento aniquilador que reina en esos lugares es la gasolina y la causa. Una banda de ese tipo es siempre una familia electiva y defensiva, aunque como todas las familias, por desgracia, es disfuncional.

2. Escuchado ya una docena de veces, “Triad” me parece un disco que tiende más a la expansión que “Choke” en el sentido de que es menos rígido y se disfruta con un grado de coherencia mayor. Los temas, sin seguir una línea idéntica, sí que son más coherentes y compactos, primando además los medios tiempos. ¿Es todo esto premeditado o sólo casualidad?. ¿Acaso ya no sois punk?...

J. A. - Te agradezco que hayas escuchado una docena de veces el disco. Quizás tengan más unión y coherencia entre sí los temas, aunque creo que “Sunbathing” y “Scream” están un poco fuera. De todas formas, siempre solemos hacer lo que nos sale, creo, y eso lleva a que a veces haya canciones muy distintas entre sí. A mí eso me gusta. A los puristas de los estilos supongo que no, lo cual no es ningún problema

C. I. - Depende de lo que se entienda por medio tiempo, depende de lo que se entienda por punk y depende de lo que se entienda por coherencia. Los dilemas dos y tres son eternos. Uno: nunca fuimos rápidos en exceso, y creo, por ejemplo, que no teníamos ninguna canción tan rápida como “Crackpipe” hasta ahora. Dos: si entendemos punk como la capacidad/necesidad para hacer lo que consideras correcto a despecho de lo que piense el personal, este es el disco más punk que hemos hecho (pero “Punk” es una palabra trampa y puede significar muchas otras cosas). Tres: Realmente creo que partiendo de ese “hacer lo que te da la gana”, de esa libertad, la coherencia se va obteniendo poco a poco. Nuestro reto es empacar de modo unificado un sonido que va en varias direcciones. Lo conseguiremos algún día de estos, y entonces seremos muy aburridos. En el proceso está la gracia.

3. Hablemos también un poco de la composición. ¿Cómo se compone un tema en GOG?... ¿sois de ensayar mucho o lo dejáis todo para el estudio?. Lo digo porque reitero que me parece un disco más trabajado en los detalles aunque sin perder la esencia de la banda. Si se me permite la osadía hasta casi que hablaría de evolución. 

J. A. - La composición, en mi caso, me viene directamente de una especie de escritura automática al rasguear la guitarra en mis turbios y frecuentes momentos de soledad. Lo grabo en plan boceto tal cual va (si no, se me olvida). Después balbuceo una línea de voz. Luego le pongo una letra o si tengo suerte, la escribe Cowboy Iscariot con su mágica pluma. El título sale en los primeros momentos por transferencia telepática directa de Gog.

Ensayar la verdad no mucho. Las canciones se van completando en ensayos y bolos. En el estudio es mejor llevarlo más o menos claro por cuestiones de pasta. Ya nos gustaría podernos pasar meses en un estudio y sacar algo de la nada sin problemas de tiempo o dinero, entregándonos al hedonismo. Supongo que nos acabarían echando a patadas.

C. I. - Creo que he compuesto la mayor parte de los temas que he aportado a Gog (y a otras bandas cuyos nombres no recuerdo) en el rato que va desde que los otros dicen “ya llegamos” y el momento en que llegan de verdad al local, que como todo el mundo sabe oscila entre diez minutos y cinco horas. Si trabajas con gente con la que te entiendes, de un embrión, de una línea, surge un tema rápidamente.

4. Pasemos ahora a la producción. En este caso en vez de La Coruña y masterización de James Plotkin tenemos grabación en Portugal y masterización de Marco Lima; qué pasa, ¿ha subido el precio el Plotkin?.

J. A. - Queríamos probar otro estudio. El primer disco lo grabamos con nuestro admirado colega Castro (5 Cobras) y luego lo mezcló y masterizó Astray. Con el material que les dimos hicieron un gran trabajo. El de Coruña (Estudios Montealto) fue realmente cojonudo y recomendable al 100%, suena muy potente. Estamos también igualmente satisfechos con el trabajo de Marco Lima (Hertzcontrol Studios). Nos dio muchas ideas de producción y arreglos. Fue hilarante verlo trabajar con Eddy "Thunder" Ponce, y finalmente nos regaló la masterización, así que prescindimos del afamado Plotkin.

5. El uso del saxo puede tener dos motivos. Viendo en las fotos el prototipo de hombres que sois, o bien lo habéis usado por sus similitudes con la palabra “sexo” o es que realmente queríais un nuevo sonido en la banda. ¿Qué opinas al respecto?

J. A. - El saxo ya lo habíamos usado en la banda que teníamos antes en Madrid con el legendario y milenario baterista Mule (Los Cavernícolas, Los Molestones), que se llamaba "Master Disaster Gang", en aquella ocasión sopló el saxo el excelso Justo Bagüeste y le dio un toque distinto a un par de canciones. En este último caso, fue Eddy "Thunder" Ponce quien insufló sabrosura cubana en cinco temas. Nos gusta el saxo para ciertas pinceladas. ¿Por qué el saxo? Supongo que porque el saxo siempre ha sido considerado como la flauta del diablo y antiguamente se decía que sus tonos bajos y seductores provocaban comportamientos inmorales. También llegamos a barajar en el anterior disco el violín y la tuba. Y en algún momento se nos puede ir la pinza y meter algún teclado.

C. I. - No sé cuál es ese prototipo del que hablas. Somos seres de la gran hendidura provincial, también conocida como “Abismo de Gel”, que es un lugar donde el sexo no existe (al menos no en la manera en que Gog lo creó en los años 80, que es cuando crecimos). Aquí sólo hay nacimiento, escuela, trabajo y muerte, como bien avisaron los Godfathers. El saxo de “Thunder” Ponce fue casualidad, en realidad; lo propuso nuestro batería y nos decidimos a probar, un poco sobre la marcha. Al contrario que tú, pienso que el saxo añadido en bandas que no lo usan normalmente suele terminar en desastre, sobre todo porque la mayor parte de los saxofonistas no saben cuándo tienen que callarse. Así que era más bien un flirteo con el desastre. Creo que no nos desbarrancamos de milagro, pero que al final ha quedado interesante. 

Algunos pensarán en los Stooges, otros en “Vacaciones en el Mar”. Todos se equivocarán y al tiempo acertarán. A unos les encantará, otros lo odiarán. Nos da igual, es el riesgo que hay siempre. En todo caso, el saxo es por definición un instrumento invasivo que hay que dosificar con cuidado. Te pongo un ejemplo para amantes del pop inglés: sin saxo “Sunbathing” recordaba bastante a Jesus and Mary Chain, con él, en cambio, parece casi un tema de The Jazz Butcher (circa Fishcoteque).

6. Me resulta muy curioso que temas como “Sunbathing” en el que cantas tú contraste tanto con otros como “Angel”. Dicho de otra forma, a veces parecéis dos bandas en una con dos estilos totalmente distintos hasta el punto de que este “Sunbathing” podría haber entrado perfectamente en tu otro proyecto BROKE LORD.

J.A. - Supongo que será porque en "Sunbathing" canta Cowboy Iscariot y en "Angel", Joao Avalanche. A veces se puede notar más de donde viene cada canción, aunque, sea de quien sea, siempre se transforma en lo que finalmente es al tocarla en conjunto y darle cada uno sus matices.

C.I. - Estamos madurando en direcciones opuestas. Es parte del encanto de todas las bandas que tienen dos compositores. Pensemos, por ejemplo, en mis queridos Hart / Mould

7. Soléis cuidar mucho el artwork en vuestras ediciones lo cual me parece bastante curioso sobre todo porque bandas de vuestro estilo tienden a tirar de cosas cutres y la portada de “Triad” me parece maravillosa. ¿Qué grado de importancia le dais al diseño?.

J. A. - Gracias por los halagos ya que esta última portada y artwork fue totalmente ejecutada por nosotros. En los otros discos tuvimos la suerte de que la portada la hiciesen dos grandes artistas: la de Gloat es un magistral cuadro -según ella inacabado, para nosotros no- de Constanza Boullosa. La de Choke/Drown (incluida la contraportada) es de la grandiosa Alba Fernández. En el caso de Triad, teníamos prisa y tiramos para adelante nosotros mismos. Otra de las paranoias que te puedo contar es que nuestros álbumes siempre tienen palabras de cinco letras en el título, en una especie de homenaje velado a uno de nuestros grupos de referencia, The Jesus Lizard, que siempre usaban palabras de cuatro letras en sus títulos.  

C. I. - ¿Cuál es nuestro estilo? Me gustaría saberlo. Existe, pero creo que la tarea de definirlo en palabras es tuya. Si pienso en bandas que me gustan no encuentro ni una que no haya cuidado las portadas y la “estética”, que al final, es una parte del mensaje, y una parte muy divertida de hacer. La estética es siempre parte de la “ética”. Por ponerte un ejemplo, todo el hardcore americano de principios de los ochenta cuidaba extraordinariamente los “envoltorios”, aunque fuera a su manera feísta, en ciertos casos, eran indudablemente parte del mensaje. El post punk y el ala siniestra, que algo tiene que ver con nosotros aunque sea lateralmente, también lo hizo siempre. El anarcopunk y aledaños (Los Peni, Crass, etc) tenían conceptos estéticos poderosos y muy definidos. No se me ocurre una sola banda decente que no haya tenido un concepto de la imagen que quería proyectar. Incluso considero que elegir “cosas cutres” a propósito puede ser una elección hasta cierto punto refinada, igual que puede serlo el sonar voluntariamente “mal”. El Black metal es un buen ejemplo de eso.

8. Vuelvo al sonido. Te lo he dicho en unas cuantas ocasiones ya y sé que probablemente no estarás de acuerdo, pero capto ciertos atisbos de psicodelia lo-fi (algo así como en WAVVES pero sin surf, que la osteoporosis no perdona). ¿Os estáis volviendo virtuosos de vuestros instrumentos? (no sé si eso sería bueno o malo para GOG). 

J. A. - Creo que virtuosos no encontrarás aquí, al menos en lo que a mí se refiere (aunque hay que decir que Noli “Big Papi” González tiene una gran técnica y bagaje como baterista y músico, y que Cowboy Iscariot tiene un idilio permanente con las musas de las letras). Yo apenas sé ejecutar una especie de punteos y soy bastante mediocre como guitarrista.

El sonido está más hilado, en el caso de la guitarra, fundamentalmente porque le metí tríadas y acordes traspuestos como colchón y algunos rasgueos adicionales sugeridos por Marco Lima en algunos temas.

C. I. - No conozco a ningún virtuoso, aunque conozco mucha gente que toca muy bien. Con los años aprendes a eliminar las cosas que no sabes hacer, supongo. Eso es todo, en mi caso. Por otro lado, aprendes a cargar el peso en las canciones. Para una banda como nosotros ejecutar es importante, pero lo esencial es componer temas que sean buenos y estén dentro de nuestras posibilidades. Dicho esto, es cierto que somos capaces de hacer cosas que hace años ni hubiésemos imaginado, pero más a nivel de concepto que a nivel técnico. La progresión puede no ser muy evidente: seguimos facturando temas de dos, tres o cuatro minutos bastante cañeros, igual que hace quince años (con otras bandas que compartíamos), lo que pasa es que ahora son mucho mejores.

9. Titular un tema “Sepeliopolis” me lleva a “Funeralopolis” de ELECTRIC WIZARD. ¿Estoy decayendo como entrevistador o algo hay de paralelismos entre los títulos?.

J. A. - Me fascina que alguien se de cuenta de estas cosas. En efecto, Sepeliópolis está ligado en su nombre a Funeralópolis de Electric Wizard, que es una canción hecha para sonar cuando alguien entra en el infierno. La nuestra es más de rutas suicidas por carreteras del inframundo.

10. El uso de tempos más lentos podría acercaros a una suerte de Post Punk como en el maravilloso tema “Scream”, que cierra el disco con afiladas guitarras flotantes y una base rítmica muy a lo LES RALLIZES DENUDES (vuelvo a eso de la psicodelia lo-fi). Aprovechando esta mierda de reflexión que acabo de hacer, reitero… ¿Ha cambiado el sonido de GOG?. Y anda, estírate y háblame de qué grupos, sonidos e influencias tenéis.

J. A. - El sonido de Gog puede cambiar en todo momento. Así es como nos gusta, aunque siempre con el concepto claro de abollar la cabeza, ya sea con temas más oscuros, agresivos, melódicos, expansivos, absurdos o lo que salga y nos guste.

Influencias de hoy, de ayer y de siempre, muchas: Jesus Lizard, Unsane, Poison Idea, Stooges, Edgar Broughton Band, Dylan, Young, Hüsker Dü, The Minutemen, Orthodox, Motorhead, Propagandhi, Suicidal Tendencies, Rafa Berrio, Seminal Rats, New Christs, Ben Salter, Antiseen, Andrew Jackson Jihad, New Bomb Turks, The Pogues, Rudimentary Peni, The Cure, Rites of Spring, Swans, Suicide, Dinosaur Jr., Bad Brains, Royal Trux, Body Count, José Alfredo Jiménez, Hank Williams III, Howe Gelb, High on Fire...

C. I. - Post punk… ¿por qué no? Psicodelia… De aquella manera, podría ser… Etimológicamente, parece, “psicodélia” viene a significar “manifestación del alma”, así que gran parte de la música y las demás artes son finalmente psicodélicas. En lo musical, por otro lado, la adición del saxo provoca un nivel de saturación informativa que puede confundirse con lo que algunos llaman “psicodélico”. En cuanto a la idea de “lo-fi”, personalmente me gusta como oyente, y la entiendo como creador, pero cuando se generaliza y se convierte en un canon, me carga.

Entiendo que la cultura pop desafía a una cultura anterior, que gustaba de las cosas perfectamente acabadas; y también entiendo que pertenecemos a un mundo de información múltiple y fragmentada. Así que, por lógica las expresiones de los últimos veinte/treinta años han tendido en muchos casos -tanto por reacción como por ósmosis cultural- a lo casero, lo fragmentado, lo feista y el collage. Nosotros hemos superado todo eso, o quizá es que somos de otra época. En lo que se refiere a crear música, somos más de la canción que de la divagación. 

En este proyecto (en otros quizá no tanto) somos más de Poison Idea que de Pere Ubu, si lo quieres ver así. Más de Dr. Feelgood que de Liars. Eso probablemente se considerará “viejo”, mientras las bandas que plagian a Stooges o a Suicide malamente siguen considerándose innovadoras. Hay un debate interesante ahí, para ti que eres periodista. 

En cuanto a influencias, me valen todas las que cita Joao. Podría añadir otras tantas, pero no hace falta: “Abre los ojos y serás influido”, decía Dylan

11.  Bueno, este es vuestro espacio. Os podéis despedir (o no) como os apetezca mientras no me dejés la habitación llena de basura, que la aleación músico/periodista suele traer consigo arranques de violencia telepática.

Un rasgo de Gog que se podrá analizar cuando ya no existamos (pero para eso falta mucho y no sé si alguien se molestará en hacerlo) es que hemos funcionado siempre al margen de escenas, modas y grupúsculos. De algún modo, sencillos como somos, parece que nadie tiene ni el interés ni la capacidad de entender lo que hacemos, excepto gente concreta, aquí y allá, que a su vez no está “alineada”. Unos piensan, creo, que somos demasiado brutos, poco “cool”. Otros, quizá, que somos demasiado ambiciosos y pretenciosos. El clásico “síndrome Motörhead” actualizado al rural galaico.

Por un lado, esa indiferencia o incomprensión (o ambas) hace el trabajo más difícil, porque aquí todo funciona por “padrinos”, desde la trama Gürtel al patio del parvulario. Por otro lado está muy bien, es casi un honor. Sin desearlo –pero sin rechazarlo, es como es- nos hemos convertido en la típica pandilla que va por libre, al margen. En consecuencia, nos es más fácil aún hacer lo que nos da la santa gana. Por suerte o por desgracia, somos una banda marginal para gente marginal, y hacemos Rock&Roll. 

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martes, 28 de noviembre de 2017

NACHO JAULA - "LA VIOLENCIA DE LAS FLORES" (EMR STRANDED; EMRS003, 2017)


Bajo el auspicio EMR STRANDED, subsello de EL MUELLE RECORDS, se edita uno de los trabajos de electrónica más acojonante que me he topado en mucho tiempo. La virtud camaleónica ya conocida de NACHO JAULA es uno de los atributos que para mi gusto lo convierten en figura destacada del movimiento avantgarde electrónico de este país... sus discos están perfectamente medidos y ajustados. Si tiene que durar una hora dura una hora, pero si el motivo a expresar requiere de 3 segundos, Nacho usará 3 segundos. Ni trampa ni cartón, máxime cuando lo he visto tocar en directo en multitud de ocasiones bajo varios proyectos.

Guitarra acústica, grabaciones de campo y procesos son la tríada constructora que graba durante el mes de Septiembre de 2017, masterizando Pepo Galán. La flor en sí son el maravilloso artwork a base de un collage del propio Nacho Jaula adornando de forma sublime el digipack en cuestión. 

En "La Violencia De Las Flores" hace toda una coda sonora a la Flor Simbólica, que acaba convirtiéndose en suerte de espejo grotesco sensorial (me atrevo a decir autobiográfico) del propio Jaula. Si la estructura morfológica de la flor parece emular simétricos estratos olvidados y existen en la naturaleza flores que no parecen seguir estas características, la mayoría sí repiten motivos tanto radiales (cada trozo de la flor imita al trozo grande del que proviene) o bien bilaterales (una mitad es igual a la otra).


Las hay radiadas, polisimétricas, monosimétricas y hasta dorsiventrales... el caso es que si pudiera cortar en trozos iguales y reunir las piezas de este disco, de seguro el resultado serían piezas musicales distintas pero en cierta medida seguirían conservando la estructura de la base original. Pero siento ser tan críptico y no explicarme bien. JOËL FAJERMAN compuso aquel maravilloso "La Aventura de las Plantas" en 1979 sirviendo de melodía para la serie documental "L'aventure des plantes" de sonido a lo JARRE pero dándole un toque someramente bucólico.

Sin embargo JAULA planta un jardín simbólico y cría sus bulbos sónicos con la hiel devastadora del Noise electroacústico para contarnos relatos cotidianos que si tuviésemos la oportunidad de vivirlos sin vista, gusto, olfato y tacto... sólo sonido, pues quizás se acercarían bastante a "La Violencia De Las Flores". Es cierto que el luminoso "29 De Agosto" abriendo el disco podría caber en ese tipo de electrónica a la francesa a base de sus soundscapes abrasados por un sol de justicia. Toques a la Kosmische de escuela Berlinesa tornándose más agria en el homónimo "La Violencia De Las Flores" merced a un un grandioso uso de la guitarra acústica tanto de forma tradicional como procesando sus resultados hasta conseguir acercarse y copular con el Folk Drone de experimentos a lo BLOOD AND TIME o los inclasificables y recomendadísimos FURSAXA.


El minimalismo acuoso de "La Hoja Dormida" se construye con un pulso mistérico y parece en sí misma una melodía hidrosoluble disolviéndose en la nada de la lluvia, cualidad mucho más acentuada en la abstracta "Danza De Las Espigas", corte inclasificable que recuerda a una canción ancestral (verdiales noise?) procesada hasta el infinito mientras la atraviesan grabaciones de campo de regusto rural. Sigue una vieja tonadilla de xilófono emulando una caja de música en "Una Sirena Tatuada", que nos llega lejana y oscura como un trozo de astilla de madera que se nos hubiera podrido en el alma. Corta pero intensa, sirve de puente a "Donde Nacen Los Geranios" que usa nuevamente una suerte de percusión acampanada arropada por idas y venidas de pianos ensoñadores. Difícil que no se te pongan los vellos de punta.

"La Lluvia Descalza" es de una belleza difícil de describir con palabras. Aquí prima el ambient y la melodía y me gustaría darles una hostia con un guante de espinas de rosa a todos los críticos que dicen que esta música es ruido. Acariciarles los genitales con mi guante para aunar placer y dolor, que al fin y al cabo es lo que construye la música de alguien como NACHO JAULA. Si tenéis los oídos afilados os costará no captar toques pastorales y folk (de cadencia pseudo orientalizante) a lo POPOL VUH o WITTHUSER AND WESTRUPP pero tapizados en musgo hasta la asfixia gracias a un órgano catedralicio cerrando el tema de modo sublime.

"El Balanceo De La Ropa Tendida" cierra el disco con casi un cuarto de hora de música meditacional al modo de las Shruti Box, tamburas y harmonio en las Slokas hindúes. Psicodelia folk neblinosa induciendo induce al trance.

Otra obra maestra de NACHO JAULA, y ya van unas cuantas:

"Herido por los claveles de la mañana, 
me sané con el veneno de la noche".






sábado, 25 de noviembre de 2017

PYLAR + GRAJO en Sevilla (SALA X, ‎Pabellón Sølar)


La espiral puede que no tenga principio ni final, pero os puedo asegurar que uno de sus ramales pasó ayer por Sevilla, donde los amigos de Pabellón Sølar organizaron un cartel grandioso. PYLAR con su "A Ella Te Conduce La Sagrada Espyral" bajo el brazo y GRAJO con temas nuevos de su inminente "Slowgod II". El caso es que no puedo ser objetivo cuando algo me gusta, ni suele gustarme serlo, no en vano, no hablo nunca de cosas que no me gustan. 

Llegar a Sevilla y encontrarte con tanta gente conocida y admirada, ponerle cara a otras tantas que conocías de las redes... bueno, eso no tiene precio. Llegada surrealista a las cercanías de la sala donde pedimos un montadito más grande que un trailer y dejamos en el guardarropa un recipiente de esos de pollo asado lleno de patatas fritas que luego olvidamos recoger (ruego a la organización nos perdone); en el bar un sujeto nos interpela diciendo que era amigo de los MOJINOS ESCOZÍOS y que nos conocía de algo (será porque somos tan guapos que meamos colonia), y casi que PYLAR empezando cuando la Sala X nos acoge por ósmosis.



Una pieza introductoria en clave de Kyrie Eleison plagada de una cualidad reverberante que rozaba el drone da comienzo al espectáculo de la creación. Una tema del Renacimiento con ecos extraños a la música oriental (no soy un experto, pero su origen parece ser las liturgias sirio-bizantinas y a poco que se escarbe, como todo en la doctrina cristiana, parece robado/permutado de otros ritos musicales mucho más antiguos y remotos) mientras los integrantes se van subiendo al escenario y cabalgan la estática... es decir, mantienen su férrea inmovilidad como símil del primer instante de la creación, que lejos de lo que te digan, yo estuve allí y te puedo asegurar que el comienzo de todo fue de esa forma... primero nada se movía, luego ya se movía todo. Así de simple.




Lingua Alaudae con golpes mecánicos y robóticos va creando una base envolvente brutal ayudado por la trompa de Trarames. Un sutil fondo de teclados y es difícil no acordarse de joyas ocultas como ORGANISATION, aquel combo de locos pre-KRAFTWERK donde en "Tone Float" hacían uso del apareamiento entre electrónica y rock y que flotaba en el aire gracias a esa sutil mezcla entre instrumentos de viento y cuerda huyendo del canon de la música popular alemana (Schlager) y del aséptico virtuosismo del progresivo. Esos que citan a PYLAR como ProtoKraut me imagino que se referirán a algo así, a no ser que usen el término a las bravas, lo cual no creo porque de buena fe os digo que todavía amo al ser humano... Florian Schneider con su violín y flauta eléctrica mientras un collage de cosas van pasando alrededor podría ser un perfecto símil de Lingua Alaudae y Trarames, aunque también podrían meterse por ahí toques al rocambolesco mundo de FAUST. ¿Sabéis por qué todo el mundo da palos de ciego para definir el sonido de PYLAR?... pues porque las fuerzas de la naturaleza son difíciles de definir. Explíqueme usted qué es el viento o el fuego despojándolo de la definición científica y haciendo hincapié solo en el aspecto sensorial.




Cuando arranca la guitarra de Bar-Gal sabes ya que MANOWAR lo dijeron simple y efectivamente ("In The Beginning There Was Silence And Darkness / All Across The Earth /Then Came The Wind") y esa forma de mantener el pulso eléctrico en el aire será lo que los periodistas ultraespecializados de la Spanish Harvard School of Ultra Academic Rock Letters llaman "ecos a SWANS". Yo prefiero definirlo de otra forma. Creo que si DEAD CAN DANCE hubieran dedicado su carrera al metal habrían llegado a lo que hoy día están haciendo PYLAR... así de simple. Por cierto, hoy no voy a irme por las ramas porque me he propuesto hablar sólo de música hoy y si alguien echa de menos lo mitológico/ancestral todavía puede consultar la No Reseña/No Entrevista que hice de su último disco. Hay gente que me reconocen (gracias por la sinceridad) que ni han podido terminar de leerla (búsquese en la Rae la palabra "coñazo"):


Lo que me gusta de la guitarra en PYLAR es que está ahí siempre; mantenida, pulsátil y vibrante como en EARTH pero gracias a los cielos huyendo de ser algo así como solista y si asoma algo parecido a un solo, siempre es con la complacencia del resto de miembros... es decir, en PYLAR todo se hace en una inmensa hormigonera que crea un cemento sonoro donde todas y cada una de las partes de tiene la misma importancia y si me apuráis, el instrumento más salvaje en el grupo es la batería de Gamaheo, que ayer para la ocasión y mediante el uso de ritos prohibidos se transformó en sombra de humo negro (quien estuvo allí sabe a lo que me refiero).

Una percusión seca, dura, pétrea... tanto que venga, me voy a inventar una etiqueta a ver si algún día me la encuentro por ahí: PYLAR tocan "DOOM NABATEO".






Todavía no he hablado de las voces de Lengua de Carpa. Sus "glosolalias", "ecolalias" o como queráis llamarlas vuelven a ponerme en mis trece. La señora LISA GERRARD probablemente enfundada en sus sobrios ropajes y de haber asistido ayer, habría acabado revolcándose desnuda en el escenario tocando sus partes bajas para lúbrica y gozo del público asistente. Una forma de cantar que viene más de la intuición y la rítmica del Sur del Bronx y lo afroamericano que otras cosas que puedas pensar... y si me ponéis una navaja bajo el cuello, sigo en África con el Griot, suerte de bardo narrador de historias (tradición oral) tan característico de Senegal o Gambia. El caso es que también le da al throathsinging en algunos tramos con excelentes resultados y canaliza su fuerza vocal pseudo-improvisada convirtiendo su voz en un instrumento más.

¿Quién hacía esto a la perfección?... pues vuelvo a Alemania con el japonés DAMO SUZUKI que acabaría recalando en CAN y formando parte de la historia. El concierto se va desarrollando inexorablemente sin ángulos. Todo es curvo en la música de la banda y cuando te quieres dar cuenta se van disolviendo en un inmenso alambique que te deja en la boca el regusto de un embriagador licor destilado que lo mismo podría ser SOMA que un puto CARAJILLO.



Casi sin darme tiempo a recuperarme de la experiencia que acabo de vivir salen a escena GRAJO, que vi en Málaga en la Sala Velvet (los cortaron en pleno apogeo sin causa aparente). Afortunadamente aquí se los deja explayarse y vaya que si se lo merecen. Creo recordar que comenté que les faltaba un pelín de escenario y puesta en escena en su día, cosa que los de Córdoba sabiamente han sabido ir trabajando. Fantástica introducción con los espaciales toques simples pero efectivos al theremin (digital), algún que otro momento teatralizado como las velas y las flores y el buen juego de luces le dan otro nivel a su música que gana muchos enteros cuando uno se mete "dentro de la historia". Han cortado mucho en el tema de la interactuación con el público con respecto a la última vez que los vi y creo que es todo un acierto... dejar hablar a la música y que sea la putrescente masa oleosa de riffs heavies los que se presenten por sí mismos.




Liz completamente enfundada de negro (como debe de ser) y desarrollando sus virtuosas liturgias que rezuman tanto del Occult Rock de los JEX THOTH o BLOOD CEREMONY, pasando por cositas de Svart Records como SABBATH ASSEMBLY. Pero ojo, no me entendáis mal... los riffs de guitarra a cargo de Josef y la base rítmica Pistolo/Félix pueden recordarte en ocasiones tanto a las cabalgadas paquidérmicas de REVEREND BIZARRE como a CANDLEMASS y el retro Doom o como se llame es un término algo ambiguo. Es curioso como sigue sonando fresco algo que ya lleva tanto tiempo en el candelero y si no que se lo digan a los BLACK SABBATHGRAJO son básicamente una banda de thrash lento que se han liado un inmenso canuto con "Planet Caravan" y algo de los ELECTRIC WIZARD menos distorsionados para acabar copulando en el espacio exterior un grandioso Heavy Psych que tiende a la expansión.

Os dejo un enlace a la reseña que hice de su primer disco por si todavía no lo tenéis claro y un puñado de fotos para que os hagáis una idea de su directo:











Y sutilmente y sin darme cuenta mis compañeros de viaje me arrastran al exterior de la sala mientras me despedía de la gente de ABUSIVE NOISE TAPES y Pedro de ‎Pabellón Sølar (para cuándo el flexi perdido de MONKEYPRIEST?) que me recomendaron un par de cintas que les pillé. Tanta prisa para acabar dejando las patatas fritas en el guardarropa...