martes, 10 de enero de 2017

ORTHODOX - "SUPREME" (UTECH RECORDS; URCD103, 2017)


Desde Mesopotamia a Egipto, la figura del Grifo era venerada, encontrándose incluso referencias en la Vieja India. En Asiria se le relacionaba con la sabiduría, para luego pasar a la mitología griega (y posterior romanización y consiguiente dilución en la nada) hasta el punto de que la leyenda cita que Alejandro El Magno ató con arneses a 8 Grifos a una cesta con la que voló a los cielos y conquistó el resto de la Tierra (a estas alturas, la fama precedía a Alejandro, y puede suponerse que sólo los cielos se le resistían).

Alejandro III El Macedonio es también conocido en la historia como Alejandro Magno (Μέγας Αλέξανδρος o Mégas Aléxandros). SUPREMO es el atributo que Filipo le daría a Alejandro al nombrarlo Comandante Estratega de los Helenos... COMANDANTE SUPREMO

Partiendo de esta premisa conceptual, ORTHODOX publica con UTECH su sexto trabajo conquistando el ultramundo antropológico, quizás el sitio donde más a gusto se sienten, y coronándose por derecho propio en auténticos Reyes de Asfódelos. Destilados hace tiempo ya a formato dúo, y destruyendo completamente cualquier muro, barrera o reino que se les resista, cierran, comprimen o resumen etapa en esta grandiosa sesión que ha dado en llamarse "SUPREME"

El precioso diseño corre a cargo de DENIS FORKAS KOSTROMITIN, y el logo es de JAMIE LAWSON. Edición en cd limitada a 300 copias en bronce metalizado y 40 copias en rojo metálico (ambas ediciones con Obi), que invoco a los Dioses Primitivos para que tengan en su gloria de acordarse de su humilde servidor.

Así pues, MARCO SERRATO y BORJA DÍAZ nombran comandante en funciones al ínclito AQUILEAS POLYCHRONIDIS PÓ, que se suma con su saxo electrificado a las huestes de ORTHODOX en una representación mítica que disuelve el Ego y rememora las hazañas cósmicas de Alejandro en la Vieja Macedonia.


Pongamos como punto de partida el Jueves 25 de Junio de 2015, donde Orthodox visitan tierras malagueñas para traernos en directo "Crown For A Mole", el primerizo adelanto (diríamos que en "Raw Version") de "AXIS". La mañana previa al concierto se graba esta sesión de 36 minutos y posteriormente los sevillanos compartirían escenario con SKULLFUCK, la banda de Aki Pó, Daniel Vega y las percusiones de Asier Etxaniz (que por cierto darían un intenso y visceral concierto que me dejaría la mandíbula a la altura de los tobillos):


Orthodox por su parte iniciaban gira y proyecto. Días antes (creo que más o menos el 15 de Junio de 2015), grababan la cinta de culto "DEMONIO DEL MEDIODÍA" (Knockturne Records) con colaboraciones de Xavier Castroviejo (Blooming Látigo, Naja Naja, Pylar...) y el propio Aki Pó

Supongo que la idea de grabar una sesión de estas características partiría de esa vorágine creativa (además de la cara B de la susodicha cinta, que creo es un fabuloso preludio del trabajo que nos ocupa), en la que por cierto si no recuerdo mal, Borja Díaz acababa de adquirir una batería roja que de la forma que suena, puedo afirmar con rotundidad que se la ha comprado al propio primo hermano de Scott Columbus de MANOWAR. Muchos flecos creativos a partir de aquí, incluso con proyectos con ciertos paralelismos como el discazo "SPAIN IS THE PLACE" (Raw Tonk Record, 2016) con la formación añadida de Colin Webster y Ricardo Tejero como SPUTNIK TRIO.

Pero falta un dato en la ecuación. En "SUPREME", Orthodox han buceado al perverso pasado de "GRAN PODER" para empaparse de toda la angustia que destilaban sus ralentizadas notas; ese asfixiante, claustrofóbico y oleoso paso marcial tectónico en clave doom, es primitivizado al exceso mediante el Noise intenso del saxo de Akilleas Pó, de tal suerte que el rito de paso es realizado en el interior de una oscura cueva donde el Mito y el Logos se confunden, se aparean y dan como resultado una música cuneiforme, angulosa y pútridamente adictiva.

La gruesa, reverberante afinación del bajo de Serrato es el preludio de un auténtico viaje iniciático. Las cuerdas tortuosas remiten a "ARCONTE". Lentamente las percusiones marciales, hipnóticas y procesionarias de Borja dejan claro que el oxígeno que tenemos va a ser escaso. Lento, muy lento empieza el tema. El bajo bien podría tener una sóla cuerda electrificada pero del tamaño de la soga que ata a los barcos; una placa tectónica electrificada daría resultados similares. Serrato en su faceta más experimental siempre me ha recordado a los primeros discos de MANOWAR, cuando Joey de Maio sometía el instrumento a largas sesiones de apareamiento sin sobreproducciones.

Sin concesiones, el saxo de Aquilleas llama a la guerra a partir del minuto 4. En plena estampida paquidérmica, los tres instrumentos se aúnan en una siniestra jam de doom psicodélico que ríase usted de Electric Wizard o Sunno))). Si Basil Poledouris y Sun Ra hubiesen tenido un grupo de metal, habría sonado a esto. Un saxo que se retroalimenta, que está embebido de una mala baba asfixiante que casi se lleva al límite de sus posibilidades... impertérritos, la base rítmica continúa su endiablado diálogo admonitorio. 

Esta versión de Orthodox suena a tejido sonoro muerto y esfacelado. Como si interrumpiéramos el riego sanguíneo al sonido, y este estuviese agonizando y necrotizándose en una trama dantesca, asistimos a requiebros y estertores en los que nunca hacemos pie, aunque lentamente se configura una melodía de bajo mínima; pero el saxo se niega tres veces a sí mismo... es la luz de una estrella muerta y el sonido de los vientos sigue llegando e irrigando a la base rítmica; Aquilleas es posible que lleve 1.000 años enterrado y su espectro sonoro segue bautizándonos en mugre.

Alejandro El Magno cabalga sus Grifos a la conquista de la Eternidad y puesto de jodidos hongos en mal estado tiñe las nubes de rojo sangre. Serrato provoca una auténtica tormenta de Lo Fi que dialoga incesantemente con el anti-Jazz entrecortado de la batería de Borja, y la saliva dees lluvia ácida malsana en el tremendo clímax final del tema, que lejos de disminuir, tiende al infinito es una espiral creadora interminable.

La Guerra suena a esto. La sangre huele a metal; a cobre... y Orthodox en "SUPREME" se han bañado en la sangre de los Dioses de la Guerra. Cobrizos, ungidos, elevados a las nubes inmisericordes de una batalla que se libra en otro plano de la realidad. Si COLTRANE en "A Love Supreme" sufrió una revelación liberadora, aquí asistimos al proceso contrario.

Un Eterno Mahabharata; un atribulado Viejo Testamento, un elongado Gilgamesh... un Popol Vuh estelar que te empala cuerpo y mente y no te suelta hasta que no eres más que un trapo inane que barre el viento.







lunes, 9 de enero de 2017

108 VECES EN LA CÓPULA DE UNA ALONDRA (PARTE II)


“¡Oh! Dios mío, nunca me inclino a escuchar el grito de un animal, el sonido de las hojas de los árboles, el murmullo del agua o la salmodia de los pájaros. Nunca presto oídos al rumor del viento, al susurro del aliento o al estrépito del trueno, sin descubrir en ello el testimonio de Tu Unidad, y una prueba de que nada en el mundo puede ser comparable a Ti”

CAPÍTULO 1: ALONDRA SATORI

La sinapsis Cidrón-Guillén da como resultado la creación de ALONDRA SATORI, pongamos que oficialmente en 2007, donde el dúo realiza una extensa presentación o serie de conciertos que darían lugar a su debut discográfico en formato triple cd, recogiendo nada más y nada menos que casi 3 horas y media de música.

Con respecto al nombre del grupo, y haciendo extensible este a la filosofía propia con la que se crea el proyecto, es importante la figura del místico Dhû-l-Nûn el Egipcio, y por ende su discípulo Abu al-Abbas Ahmad ibn Muhmmad ibn Musa ibn Ata Allah al-Sinhayi, más conocido como Ibn al-Arif, Ben al-Arif o Abenalarif, padre de la escuela sufista de Pechina en Almería ( * añado en el anexo información extraída de la Almeríapedia y otros enlaces que esclarecen bastante el asunto). 

En suma, diríamos que el despertar, nacimiento (o bautismo) espiritual ritual entronca directamente con el monicker ALONDRA SATORI... pero esto es algo que dejo para el investigador concienzudo.

La edición del triple cd corre a cargo de EXTRARRADIO (EXT008) y como comenté previamente, se divide el trabajo en tres partes claramente diferenciadas. La portada y diseño corren a cargo de José María Jiménez y nos muestra una preciosa alondra con los ojos vendados a base de caligrafía árabe/persa. Podríamos hablar del carácter meditativo de la caligrafía a través de la simetría de los trazos, pero esa es otra historia.

CAPÍTULO 2: TRIMURTI


++ EN SOF ++

La formación en este primer cd es de J.M Cidrón (moog voyager, korg microX, rm1x, cuencos tibetanos, percusiones, samples, hammond, megáfono y radio), A.L. Guillén (guitarra eléctrica, kaoss pad3, rm1x, moog Lp, darbuka, percusiones, samplers, juguetes, mate, theremín, bajo, globos, bolas chinas y cacerola gnóstica) y Nusrat Cabrera Roldán (voz y percusiones).

Se recoge un collage de 6 sesiones de sitios como la Sala Malevaje, el Festival por la Libertad de Expresión (Escuela de Bellas Artes, Almería), la Sala Organ Jazz y el Festival Territorio Eléctrico

La música de ALONDRA SATORI transita a lo largo de 79 minutos por un hipnótico muro de sonido que disuelve al oyente y lo convierte en parte del momento (instante). 

Al igual que la repetición de los 108 nombres sagrados de cualquier deidad hindú, nos sentimos dragados a un bucle mántrico en el que lo electroacústico emula una cuenta de rosario que se desgastase cada vez que nuestros oídos la escuchasen. ** Sobre el Japa-Mala incluyo un enlace en el anexo para los que quieran investigar el tema.

A ratos drum´n bass, a ratos puramente experimental, estamos sin duda ante un arriesgado proyecto en el que se sublima la palabra "progresivo" llevándola a niveles de auténtico paroxismo sonoro. El kraut, la psicodelia o la world music en un compost macerado bajo un sol inclemente en pleno desierto almeriense....

Cada atributo de la deidad es nombrado de una determinada forma sagrada, y se convierte en avatar viviente de la divinidad. Curiosamente, en la cábala, del AIN-SOF emanan las Sefirot (ramas) para la formación del árbol abstracto de la Vida. El todo remite a lo individual en la Pléroma... pero ese es un tema que trataremos mucho más adelante.


++ LUX MAHABA ++

Con temas recogidos de 10 sesiones en sitios como Baños Árabes Almeraya, Lanjar de Andaran o Pub Zaguán, en este segundo cd la formación es nuevamente de dúo, añadiéndose bastante más spoken word y con un ritmo mucho más sosegado e hipnótico. Ritmos de xilófono, arranques de música sufí, electrónica de combate... todo con el espíritu de una Jam session kraut. 

Es difícil definir y etiquetar lo que hacen ALONDRA SATORI sin despegar su concepto de cierto aire comunal en el que puede pasar cualquier cosa. Maravilloso por cierto el clímax final del cd con aires a música japonesa.

Si alguien me pusiese una navaja en el cuello ahora mismo para definirlos con lo primero que se me pasase por la cabeza diría que suenan como si SUN RA y DON CHERRY se hubiesen unido en matrimonio, puestos hasta arriba de LSD y pasasen su luna de miel en el Monasterio de Petra. Hablando de Turquía, ALONDRA SATORI debe mucho a la figura del Derviche. La santidad monástica del Derviche (la iluminación mediante la ASCESIS), concretamente de la Orden de Mevlava (Yalal ad-Din Muhammad Rumi) en Konya podría emular al carácter giratorio de la música de ALONDRA SATORI... al igual que el derviche, la danza espiritual disuelve el EGO mientras alcanzan el éxtasis místico.

Pero claro, no sé si el lector avieso se ha dado cuenta pero el SATORI nos habla del budismo Zen, con lo que el carácter unificador del dúo almeriense se pone de manifiesto barroquizando todavía mas el asunto. 


++ UNIÓN ++

En este tercer collage de sesiones, J.M Cidrón y Guillén son acompañados por una pléyade de colaboradores: Nusrat CAbrera Roldán (voz, percusión, rababa), Florent (canto de tuva) y los Hermanos del Padre Eterno, Antonio The Young (piedras, Helter Koro-koro), Fran Segura (piedra), Angelina Olea (voz, percusión, piedras) y Angelina Guillén (voz, xilófono y latas). 5 sesiones en lugares como la Ermita del Padre Eterno en Granada o Las Menas-Calar Alto en la Sierra de Filabres

En este último cd el sonido de ALONDRA SATORI se ha regurgitado en sí mismo y convertido en una sublimación de Kraut Pastoral, electrónica lo-fi y Free jazz improvisatorio tocados en un elentecido pulso vibrátil. 

Místico, espiritual y ascético... un sonido depurado y mimado con un gusto exquisito por el detalle. A ratos parece que estamos en plena celebración o rito Bön tibetano, y en otras asistimos a toda una psicorragia en forma de vientos tratados, música sufí/persa e incluso ritmos africanos en el último tercio del cd (en esta parte estoy molecularmente disuelto en cánticos, percusiones e introeyaculaciones metapsíquicas).

Primeros Amon Düül pero con mucha más presencia de electrónica y aires religiosos, pero mezclados con los aires jazzísticos de CODONA, aquel maravilloso proyecto de Don Cherry, Colin Wallcott y Naná Vasconcelos. Retazos de Prog-Rock lisérgico, minimalismo ambiental y sobre todo, una poderosa imaginación rayana en la genialidad. Es verdaderamente difícil destacar un momento sobre otro, pero este tercer cd me ha parecido mucho más orgánico, dejándose de lado la electrónica de los dos primeros discos y haciendo mucho más hincapié en las percusiones o la improvisación libre, además de mucha más variedad y profundidad vocales (throat singing incluído).


Resumiendo, llega un momento en el que todas las caras del inmenso cubo rubik de la música de ALONDRA SATORI se cuadran y todo fluye en un brutal efecto elevador, disolutorio y auto-anatémico (en el sentido en que nosotros mismos los despojamos de cualquier credo). 

Estamos ante algo verdaderamente novedoso dentro del panorama musical, de índole universal y con un carácter tan caleidoscópico que es difícil no integrar la variedad en un todo. Este poderosísimo debut de casi cuatro horas de duración es una gema que curiosamente ya está pulida... aquí no hay que quitar esquirlas porque es oro todo lo que reluce.

(continuará)....

ANEXO:

* ENLACES DE INTERÉS SOBRE LA ESCUELA SUFÍ DE ALMERÍA: 



* TEXTO EXTRAÍDO DE LA ALMERÍA PEDIA SOBRE LA ESCUELA DE PECHINA: 

En el año 884 llegan a Pechina unos ‘marinos’ del norte de África, que junto con los yemeníes, judíos y mozárabes forman una pacifica población y constituyen una “república marítima”, rodeando a la población que se había ido formando en torno a la mezquita de Umar, de una muralla. Pechina se transformó en una ciudad floreciente donde la cría de gusanos de seda y los telares tomaron una importancia relevante, a sus muros se acogía cada vez un numero mayor de mercaderes y artesanos. Esta mezquita de Umar ben Aswad, según cuenta el historiador almeriense del siglo XI, el Udri, tenía 7 naves dispuestas en 2 alas y unidas en el centro por una gran cúpula levantada sobre 4 grandes columnas. Se cuenta que esta cúpula estaba construida de tal forma que parecía sujetarse en el aire y era tal maravilla que acudían a verla desde todos los lugares.

Almería, la Atalaya de Pechina, nació, según el geógrafo el Bakri, en el año 955, a partir de ahí Pechina fue reduciéndose a una población donde buscan refugio pensadores, filósofos y sufies. Estas gentes llegaban huyendo de la intolerancia y el peligro al que estaban sometidos en otras comarcas debido a la difusión de sus ideas. A muchos de ellos, refugiarse en Pechina, les suponía salvar la vida. Estos y sus descendientes fueron los llamados “locos de Dios”, las personas que tienen corazón, por eso se dice que la estación más elevada del alma no es la prudencia o la veracidad, sino que es el amor integral, la absorción completa de la voluntad humana por la atracción divina; es el estado del “loco de amor” cuyo prototipo humano es Abraham (Mucho tiempo y olvido, que es ignorancia, ha tenido que pasar hasta que las palabras “locos de Pechina” lleguen a parecer un insulto cuando originariamente fueron un honor).

La escuela sufi de Pechina tiene sus raíces en la escuela del cordobés Ibn Masarra. El recorrido de esta escuela es el siguiente: se remonta a las doctrinas de Dul-nún el egipcio (año 860) traídas por Ibn Masarra (883-931) fortalecidas por Ismail ben Adb Allah al-Ruayní, renovadas por Ibn al-Arif de Almería y llevadas de nuevo a Oriente por Ibn Arabí el murciano (siglo XIII). Ibn Masarra nació en Córdoba en el año 883. Los representantes de la ortodoxia externa que conocían las –según ellos- impías y heterodoxas ideas de Ibn Masarra, se sorprendían cuando sabían que también era fundador de un método de disciplina ascética, distinto de los orientales. No podían comprender como un hombre que atribuía a la libertad humana la causalidad de sus actos y negaba los castigos del infierno, pudiera hablar en serio de reglas y métodos para purificar el alma de sus vicios y obtener la perfección espiritual.

Muchas de aquellas reglas se parecían a las prácticas de Dul-nun el Egipcio y al-Nuhrayuri, sobre todo en lo relativo al examen de conciencia particular y diario, como medio de elevar el alma a la morada mística de la sinceridad y pureza de intención. (explicar este ejercicio) De toda la teología de Ibn Masarra, la negación de premios y castigos de la vida futura, fue seguramente la más grave piedra de escándalo. Sin embargo nada más grande y heroico que la persecución de un alma limpia de pecado que reflejara como en un espejo, las ideas divinas, la visión en sueños. Esta escuela interpreta en sentido espiritual y metafórico los dogmas de resurrección de los cuerpos, del juicio final y de los premios y castigos físicos del paraíso y del infierno. Ibn Masarra murió a los 48 años, el día 20 de octubre del año 931. No tuvo hijos y uno de sus principales discípulos fue Ibn Ujt Abdón el de Pechina.

En Pechina reconocen a un jefe o imám religioso, a quien el pueblo obedece como si fuese el verdadero califa, pagándole además el impuesto del diezmo o azaque y guardan entre ellos las relaciones esotéricas de una sociedad secreta (que aún hoy sigue existiendo).

Este imám es Ismail Adb Allah al-Ruayni que huyendo de la persecución se refugió en la orilla izquierda del rio. Una hija suya tenía fama de extraordinaria cultura, interpretaba por su propio examen libre, los sentidos ocultos del Corán y, merecía el título de teóloga dogmatica. Fue llamada la Ruayniya, pero su nombre al parecer fue Fatma. También fueron masarríes el esposo de la Ruayniya, Ahmad el médico, y su hijo Yahya, así como otro hijo de Ismail, llamado Abu Harun.

** SOBRE EL JAPA-MALA O ROSARIO DE CUENTAS ORIENTAL: 





miércoles, 4 de enero de 2017

108 VECES 108 EN LA CÓPULA DE UNA ALONDRA (PARTE I)


 “¿Cómo hay que cantar?; La rana y la alondra no están de acuerdo” Masaoka Shiki

CAPÍTULO 0: INTRODUCCIÓN

En la Cenestesia (del griego κοινός /koinós/ "común" y αἴσθησις /aísthesis/ "sensación", "sensación en común") el ser humano rompe lazos con los órganos de los sentidos y se aboca a un viaje de conocimiento interior en la que cada corpúsculo, víscera y célula se convierte en una antena receptora de sensaciones. 

Los antiguos Vedas hablan sobre la observación atenta, la ruptura del velo de irrealidad de Maya y cómo derrocar las barreras de la percepción que condicionan al Ser Humano. Shiva, tercer ente de la Trimurti (tres-formas) hindú, depura el saber, lo licua y transforma abocándolo al cambio. Como Natarash el dios de la danza, su intención última de acondicionar al Universo para la gran venida de Brahmán o el conocimiento contrasta con su baile sobre el enano que representa la ignorancia del hombre. También representado en estado de meditación profunda en una mezcla de energía masculina (lingam) y femenina (ioni) para crear una única célula hermafrodita a partir de la cual nace todo lo que nos rodea.

La mística Sufí nos habla de la mente del que cree (otra vez ilusión), en Wahdat-ul-Shuhud, donde toda experiencia de unidad con dios está filtrada y separada por nuestra psique, que busca el estado de unión o Wahdat. La aniquilación del yo o Fanaa entroncaría directamente con conceptos como Nirvana o Moksha del esoterismo religioso hindú o tibetano.

En el Satori japonés, pasado, presente y futuro se funden en un instante revelador en el que atisbamos en formato ultraterreno la “razón del ser”… y es quizás la consecución de ese instante supremo lo que mueve a los músicos en ALONDRA SATORI, un proyecto meditativo/trascendental de implicaciones acrognósticas, patagnósticas y psicoactivas dirigidas a lanzar un misil que destruya el estado de inopia en el que vivimos.

Un todo musical que a pesar de estar compuesto de muchos tentáculos, su objetivo primordial es alcanzar un grado de unión y purificación comunal usando todo lo que esté a su alcance; desde la ancestralidad de lo acústico a la tecnología del EBM. 

Alrededor de la siempre interesante figura de A. L. Guillén, nacido en Granada, pero ciudadano del mundo, se van a ir moviendo una serie de músicos y colaboradores en un complejo pero apasionante ajedrez musical que iremos desgranando en sucesivos capítulos de este dossier seriado.


No es nuevo el concepto de “Comuna Mística” que use la música como forma de comunicarse con lo elevado. Podríamos hablar de YAHOWA 13 y Father Yod, cuya secta religiosa de carácter musical y kitsch ha llegado hasta nuestros días con un fondo de catálogo realmente espectacular (se rumorea que hay cientos de grabaciones por ver la luz); o los activismos políticos de decenas de agrupaciones (sobre este particular añadí un apartado en el artículo sobre GRUPPO UNGIDO que se publicó en KARATE PRESS) como THE PLASTIC PEOPLE OF THE UNIVERSE (con una pase activista bastante importante fruto de la represión cultural a todos los niveles).

Pero si hay un sitio donde el formato Comuna se usó hasta las últimas consecuencias fue en la Alemania de los primeros AMON DÜUL, en plenos años 60; donde surge el concepto de Jam Session interminable donde se alteran los estados de conciencia. De esta primera etapa de la banda saldrían “Psychedelic Underground”, “Collapsing Singvögel Rückwärts & Co.” y “Paradieswärts Düül”, discos que necesitan de la complicidad del oyente para revelarse en todo sus esplendor.

Evidentemente, hubo más grupos de este estilo, Alemania era un auténtico hervidero; los primerísimos EMBRYO o AGITATON FREE, pasando por los locos de RADIO NOISZ ENSEMBLE. Citaré un par de ejemplos más. Por un lado tenemos a los SILOAH, tribu urbana de músicos adictos al LSD, el misticismo y el sexo que editarían dos discazos como fueron “Siloah (también conocido como “Säureadler”, 1970), y el brutalísimo “Sukram Gurk” de 1972. El otro grupo en cuestión fue KALAKACRA, que a pesar de ser sólo un dúo, mantiene el espíritu hippiesco de este tipo de combos y usarían el hinduísmo y tibetanismo en el genial “Crawling to Lhasa” (1972).

A modo de pasada he contado todo esto porque creo que ALONDRA SATORI comparte algo de ese espíritu comunal que existía en la década de los 70 en Alemania, donde los músicos destruían sus egos y se disolvían en puro sonido para crear auténticas gemas sonoras libres de prejuicios de ningún tipo. Está claro que todo esto es una opinión mía particular, una forma de entender la música de un grupo adecuándola a mi contexto particular, y vomitar en palabras mis reflexiones, mejores o peores, pero en ningún caso deshonestas.


La primera encarnación de la banda parece ser de 2007 o 2007 y se compone de A.L.Guillén y J.M. Cidrón. Sobre el primero he escrito mucho, y Cidrón necesita pocas presentaciones. Veterano ya en la música electrónica patria (de escuela Berlinesa) y con toques al minimalismo de Reich o Glass, es todo un referente musical en nuestro país y os invito a investigar sobre la su figura.

Qué mejor forma de debutar que con un triple cd montado a partir de más de 30 conciertos que dio la banda, y encima, cada uno de ellos con un leit motiv que lo cohesiona todo. El primer cd es EN SOF, el segundo LUX MAHABA y el tercero UNIÓN. Desde la electrónica de combate, la improvisación libre, el folk, la world music, el krautrock o incluso el RIO, pasando por el Noise, el EBM más discotequero o la música sacra.

Sin temor a equivocarme tengo que decir que estamos ante una de las más grandes joyas musicales que se han grabado en este país de incultura musical. Un torbellino de sensaciones indomeñables en el que nos vamos a subir como invitados de excepción…. De la electrónica a la electroacústica, para terminar copulando con el Noise o la música contemplativa. Son las 108 veces en la cópula de una alondra...

...el resultado es el mismo, habrán orgasmos para todos y todas. (continuará....)


ANEXO: 

CUADERNO DE BITÁCORA RECOGIDO EN LA PÁGINA SEFRONIA.NET y donde he ido escarbando para traeros una especie de diario sobre acontecimientos de la época; la autoría evidentemente no es mía, sino de A.L.GUILLÉN y me ha parecido ilustrativo traerlos aquí para vivir la experiencia "en vivo y en directo". 

Iré dividiendo este cuaderno en sucesivas entregas para no hacer tediosa la lectura, pero es muy recomendable por el carácter histórico de los textos.

* 27-1-06  Doble sesión ritual con Javier Carmona, miembro de la Orquesta de Improvisadores de Londres, y batería del grupo Akafree, en las Ramblas de Lanújar y Tabernas; excelentes resultados.

* En conversaciones con Juan Manuel Cidrón , el rector de la música planeadora de Almería , para llevar a cabo una improvisación ritual, dentro del proyecto de improvisaciones en el Desierto de Tabernas ("Abba"); probablemente se manipulará sampler, harmonium, theremin , todo frente a la Serrata del Pueblo, en  Tabernas.

*21-5-06 Podríamos decir muchas cosas sobre la impresionante sesión ritual con Juanma Cidrón ayer en Tabernas: baste decir que estuvimos cerca de recuperar la memoria única de la primera partícula del big band.

*26-8-2006 A.l.Guillén une fuerzas con J,M. Cidrón en una sesión improvisada en el hermoso local La Fiebre del Oro, de Rodalquilar, Cabo de Gata. Un gratificante descubrimiento mutuo en directo que tendrá continuidad.

*17-11-2006 La empatía musical de A.L. Guillén con J.M.Cidrón ha solidificado en el proyecto de música contemplativa ALONDRA SATORI, nombre que homenajea a Dulnún El Egipcio, padre espiritual de la Escuela Sufí de Almería, cuyo máximo representante fue Ben Alarif, y significó la Antena Noética del mundo en Pechina , en el siglo VIII; según la leyenda Dulnún fué esclarecido en el desierto al contemplar a una alondra ciega procurarse el alimento. El dúo se estrenó  en Almería en los Baños Arabes Almeraya.

*13,14-12-2006 De nuevo funcionó la magia Cidrón-Guillén; esta vez el segundo acompañó al primero en el tema "Ishtar", durante la doble presentación de J M Cidrón en el hermoso Teatro Cervantes de Almeria. A.L. tocó su nuevo Moog LP, Les Paul y theremin, junto a la colección de sintetizadores analógicos VIVOS de Juan Manuel. Axioma propuso un ártico montaje escénico. El sonido cuadrofónico arropó al personal durante el viaje. Una experiencia cósmico-expansiva imposible de enterrar en el olvido. Una satisfacción poder acompañar a un buen amigo intuidor de lo eterno.

*13-1-2007 Primera intervención luminotécnica en la Tetería Antahkharana con Alondra Satori; para jugar con el arquetipo cósmico del Aire, Cidrón portó Roland D-50 y botellas de vino semi-vacias; A.L: flauta, armónica, radiotransistor, tape, theremín.

*19-1-2007 Siguiendo la provocación arquetípica de la madre tierra, Alondra Satori desarrolló una improvisación especialmente percusiva (Cidrón:ocarina, bongos, rana ritual, tape, carimba, sonajeros, piano eléctrico; A.L. Guillén: sonajero rana, darbuka, tambor infantil, tambor tibetano, cucarachas imantadas, bajo y otra tape). Un hermoso contrapunto de microgamelán ritualistico y microgamelán post-patagnóstico.Todo ello mixtificado con un terrúñica-telúrica proyección. Niveles altos de satisfacción de público y mediadores.

*26-1-2007 Cuando media provincia almeriense era cubierta por la nieve, la teteria Antahkharana se convirtió en una cueva para una danza ritual del fuego; la Alondra Satori la acompañó con secadores, rm1x y synth(JM Cidrón), y toy-organ, xylófono, rm 1x(AL Guillén).

*2-2-07- Alondra Satori cerró el ciclo de los cuatro elementos pancósmicos con un sencillo homenaje al agua: una les paul jugando de manera infinita en los dos espejos paralelos de la tetería Antahkharana de Almería; un si-pussyfooting sureño, y una auténtica realización, acompañada de las proyecciones acuáticas de Eduardo.

* 4-2-07 Alondra Satori sigue experimentando, esta vez durante 1 hora sobre las tablas del Zaguan de Almería, sobre la exquisita selección de emotrónica de DJ Cul Pitas, Ramón Uceda, en la presentación de nuevo número del fanzine que dirije (Cul Pitas), y sobre las proyecciones naturales excelentes de Jesús M Contreras (suyas son las fotos que mostramos); bonita tarde de post-chill out pechinero.

martes, 3 de enero de 2017

HAU - "EP II" (AUTOEDITADO; 2016)


HAU son un combo dúo anarcotecnológico que parte de la escena más underground de Grecia para joder al mundo en una abrasante lava de techno analógico, tribalismo electrónico de combate y una actitud pseudo-bailable que ríanse ustedes del EBM. Un Noise distorsionado a niveles "Core" que los convierte en una especie de hermanastros de un Cronemberg sonoro (no sé si se entiende el símil, pero a estas alturas poco me importa ya), y un Rap subsónico no apto para cardíacos.

Todo ello mezclado en una hormigonera industrial en la que se sustituyese el cemento por un Dub libre de prejuicios de cualquier tipo. No en vano las guitarras incendiarias remiten al Hardcore Punk y las percusiones en modo Lo-Fi casi bordean el funk insano de Tack Head pero distorsionado hasta niveles dopaminérgicos.

Formato dúo formado en 2012 en Creta, estamos ante su segundo Ep, aunque realmente prácticamente excepto dos temas los demás salían también en su primer trabajo de 2014 que no he tenido oportunidad de escuchar. El formato es un cd-r envuelto en un digisleeve fabricado a mano, en el que la única información que encuentro es que los temas están grabados por John Pratikakis en los Groovest Studios y que el artwork es obra de WVD y HOSNI, que son los integrantes de la banda si no me equivoco.


"Under The Immovable Charm" es uno de los temas nuevos. Cargado de una mala baba considerable, estamos ante un zumo purificador de Old School Techno puramente analógico, sin trama ni cartón, y que provoca en el oyente un estado de lubricación mental que como no me ande con cuidado, el cerebro se me resbala por las fosas nasales. Voces marciales, percusiones tribales y un vertiginoso ritmo de base en espiral que te hacen puré. 

Oscuro como la mierda con sangre digerida, el otro tema nuevo es "Slice Class",  drum and bass con una batería tocada en directo al lado de tus orejas. Mucha baja frecuencia y ya estoy empezando a disociar la realidad (recomiendo el uso de auriculares a todo volumen, en contra de lo que te diga tu otorrino, que realmente no está verdaderamente informado de las propiedades curativas del Tribal Techno). 


A partir de aquí, si no me equivoco, estamos ante material del primer Ep. "Pattern 5" tiene una poderosa base metalera que me remite irremediablemente a los primeros Fear Factory en "Soul Of A New Machine", pero mucho más enfermo y Noise. "Pattern 7" sigue la misma estructura con un rapeo que parece venir del inframundo Griego (la morada de los muertos o Prados Asfódelos, sección Érebo, Báratro y Tártaro, arriba a la derecha). 

Asfixiantes, claustrofóbicos... como tragarse virutas metálicas y recorrer el tubo digestivo a la inversa con un potente imán para volver a sacarlas por la boca. Llevo bailando un rato en bolas y creo que me he quebrado un huevo... joder cómo suena la batería... joder qué ritmazo tienen... joder cómo me ponen los putos griegos estos. 

"Get Out Of This (Norma´s Intro)" me da un respiro porque tengo los escrotos que me llegan a los tobillos. Minimalismo instrumental con algo que parece un instrumento de viento tipo digeridoo, acoples, chirridos, empastes disueltos, inhalación de Amianto... hasta que estalla "Norma" con el ritmo electro/tribal más jodidamente perturbador que he escuchado en mucho tiempo. Enfermos como ver TETSUO puesto de LSD.

Noise malsano, enfermo, no euclidiano.... joder cómo me han gustado estos HAU. Por favor que alguien les edite algo a esta gente YA.





THE RARE SOUND MACHINE - "PHYSICAL RELEASE" (NOOIRAX PRODUCCIONES, 2016)


THE RARE SOUND MACHINE vienen a formarse en Madrid allá por 2008 o así. Sus inicios son como los de cualquier banda; graban unos temas que conforman un primer Ep ("Beauty Machines", 2009) que se distribuye por internet, ganando diversos premios en concursos como X Edición del Concurso de Rock en la Gruta y  II Fase del Concurso Villa de Bilbao.

A partir de ahí, pues graban un segundo Ep titulado "Upcoming: Next Fall" grabado por Harim Burkhatter y Luca Petricca en los Reno Studios de Madrid, y posteriormente masterizado por Jens Bogren en Fascination Studios de Suecia. A partir de aquí un importante parón y en 2015 vuelven con un tercer Ep llamado "Music For The Masses", esta vez grabado por Pablo Díez en Xtudios y mezclado por Carlos Santos en Sadman Studios (con posterior masterización de Brad Boatright en Audiosiege de Portland). Vaya, que viendo el currículum de esta gente se ve que el gusto por los detalles es importante.

Si bien el proyecto parece inciarse como cuarteto, quedarían pronto establecidos como power trío con Álvaro Diez (Guitarra), Jorge G. Gombau (Bajo) y Karim Benaissa (Batería), y es NOOIRAX PRODUCCIONES quien les edita sus dos últimos Eps en un precioso digisleeve con un espectacular diseño de María Durán Montes, aunque dentro se conservan las portadas originales, que se da en titular "Physical Release" (por cierto que la fotografía de la banda es obra de Rubén G. Herrera de la Revista Rock Estatal).

El sonido de la banda es enteramente instrumental, lo suficientemente arriesgados para considerarlos avantgarde o experimentales, pero sin el tedio técnico de estos grupos, que acaban aburriéndome hasta la saciedad. 

Al contrario, The Rare Sound Machine saben medir perfectamente los tiempos y cambiar fluidamente de una melodía a la otra sin resultar excesivamente virtuosos pero sí muy adictivos, especialmente en los retazos cuasi Psych de algunos tramos, y la oscuridad manifiesta en otros, que me lleva a pensar en una especie de cruce entre Crippled Black Phoenix y las jams desérticas de El Páramo (por hacer una comparación arriesgada).

Abre el cd el Ep "Music For The Masses" (portada de Sebas Bautista) con el corte "Noix de Cajou", un temazo a caballo entre el rock progresivo de índole más metalera y la psicodelia de nuevo cuño. Entrecortado, con predominancia del bajo y cierta forma de abordar la melodía a lo Cuzo. "Stonaco Minamata" es más fuerte, mezclando genuinamente Post-Rock con Stoner pero con cierto toque progresivo en las guitarras y los cambios incesantes de la base rítmica. No sé, quizás citar a los Yawning Man sea algo manido ya, pero si los mezclas con algo de los primeros Tool la cosa empiece a acercarse un poco a lo que hacen en este tema.

"Ander Over The Toundra" cierra el Ep con un punteo de guitarra acústica sobre la que se dobla la eléctrica hasta que la pus estalla... algo así como lo que hacen los Marasme (sobre todo por la biliosidad de los riffs). Quizás el mejor piropo que se les puede echar a The Rare Sound Machine es que no aburren un sólo instante; las canciones parecen destilados de canciones más largas... es decir, concentran lo que tienen que decir sin dejar huecos sin sentido y no paran de reinventarse continuamente. No hay más que escuchar la forma en la que terminan el tema (véanse últimos Opeth o los propios Crippled Black Phoenix). Curiosamente es un tema compuesto por Ander Carballo de Jardin de la Croix (y sobre el título del tema creo que no hay que comentar nada).

El segundo Ep, "Upcoming Next Fall" (el más antiguo de 2010, con portada de Rubén García López) tiene un sonido algo distinto. "Paramoed Zepp" es vicioso, enrevesado y con toques de Math Rock (especialmente destacar la batería, que no falla un solo compás), aunque la producción me suena mucho más orgánica y real. 

Sigue el temazo "Intrañable" con base thrashera en el arranque y constantes cambios de ritmo muy a lo bandas como Phonocaptors, Kaufer... realmente difíciles de etiquetar. Tramo final con la más sosegada "Avo Hicker", interesantísimo tema con un bajo haciendo ecuaciones imposibles y una forma de tocar de la banda alucinante. Cierra "Masquerade Carnivale" en una suerte de thrash progresivo (como si a los Mekong Delta les quitases los pasajes más rápidos y se quedara uno sólo con las melodías más arriesgadas de aquellos).

Sin ser el rock instrumental de esta índole mi estilo referencial, estos THE RARE SOUND MACHINE me han dejado con la boca abierta, especialmente en su primer Ep de 2010; ya no sólo por la versatilidad sino por lo bien compuestos que están los temas que al fin y al cabo viene a ser lo que importa. 

Para mi gusto, la inclusión de algo de electrónica los llevaría a un nivel distinto y posiblemente todavía más interesante, aunque esto son opiniones personales. Me hubiera gustado que se incluyese el primer Ep, que dándole una escucha por encima no desentona nada con el resto de temas y hubiera sido una buena forma de reunir todos sus trabajos. 

Por lo demás, hay que seguir la pista muy de cerca a esta gente porque visto el potencial instrumental que manejan, su obra maestra está por llegar. Gustarán tanto a los amantes del Math como del Metal Progresivo o el Post Rock instrumental que se está haciendo en nuestras fronteras.

(FOTOGRAFÍA: RUBÉN G. HERRERA)



domingo, 1 de enero de 2017

EDITH ALONSO/KUMI IWASE/ANTONY MAUBERT - LE JAZZ NON PLUS... (BRUCE´S FINGERS; BF131, 2015)


La primera reseña musical del año se va a este interesantísimo proyecto de electroacústica y jazz abstracto a cargo de un trío de jóvenes músicos que se mueven sobre todo en la escena de la improvisación europea. Editado por el referencial sello BRUCE´S FINGERS de SIMON H. FELL, estamos ante ocho cortes a modo de suite que deconstruye en 54 minutos la electroacústica en jazz y viceversa. 

Dicho con las palabras de ellos, "Non Jazz Trio Improvisations".

La formación en formato trío está compuesta por EDITH ALONSO (prepared piano, objects), con un currículum impresionante a nivel europeo (ganadora de premios como el Madrid Abierto, nominaciones en el Prix Europe Competition, menciones honoríficas en Pauline Oliveros Prize o Hablar en Arte....), además de representar a España en el TIME (International Tribune of Electroacustic Music of UNESCO). 


Por su parte, KUMI IWASE (saxophone, clarinet) hace sus estudios en el conservatorio de Evry en (Francia), componiendo bandas sonoras para los films de Man Ray, además de estar inmersa en multitud de proyectos sobre literatura japonesa y danza contemporánea. 

ANTONY MAUBERT (electronics) lleva el CNSMDP en París y los cursos del Iannis Xenakis´Atelier UPIC; enseña música electrónica en el conservatorio de Niza y organiza festivales y eventos en España (Radical dB, Campo de Interferencias, La Zona, Undae!, Punto de Encuentro...). Una versatilidad que difícilmente puede recogerse en unas cuantas líneas.

La sesión es grabada en el Auditorium Conservatoire Iannis-Xenakis (Evry, París), entre el 13 y el 15 de Septiembre de 2013. Difícil destacar un corte sobre otro, además de que carecen de títulos y el nivel de abstracción es bastante considerable. 

Se alternan pasajes donde predomina la electroacústica de corte más terrorista con capas y pasajes más enclavados en un ambient orgánico y profundamente analógico, siendo la principal baza del disco la poderosa fusión que se ejerce entre la electrónica, el piano preparado, los objetos percusivos y los vientos (clarinete y saxofón). 

Si bien es cierto que predomina la electroacústica, el jazz también está muy presente en algunos tramos, llegando al nivel de minimalismo de un Sun Ra primitivo (en su época quizás de los "Heliocentric Worlds") cruzado con la Cámara matemática de Xenakis... aunque incluso en algunos detalles el trío se acerca a la música tradicional japonesa (con emulaciones del Koto en las cuerdas), probablemente influencia de Kumi Iwase.

Como digo, la forma de separar molecularmente el jazz y usar sus partículas para recomponer una suerte de suite camaretística (y a ratos étnica) es lo que eleva este disco al nivel de obra imprescindible para los amantes de los sonidos más arriesgados. La música fluye con una facilidad pasmosa transgrediéndose estilos y formando una paleta musical desde la cual se dibujan paisajes de una belleza enorme, que en puntuales ocasiones también me traen a la mente al Don Cherry en la etapa en la que ya estaba coqueteando con la world-music y el jazz más hipnótico.

Para mí una obra de arte.


lunes, 26 de diciembre de 2016

LUIS BOULLOSA - "SANTOS Y FRANCOTIRADORES" (EDITORIAL 66RPM)


Acabo de terminar el libro SANTOS Y FRANCOTIRADORES de Luis Boullosa y voy a intentar convenceros de que os compréis el libro... así, por la puta cara. 

Luis hace extensible una especie de proyecto catártico personal en el que entrevista a una serie de personajes del más soterrado panorama musical patrio, y lo hace elegantemente, sin el corsé del formato pregunta-respuesta que tan anquilosado resulta a día de hoy. Luis no se anda con contemplaciones y no se corta un pelo en dar su opinión (que no siempre comparto) y su punto de vista, porque básicamente, SANTOS Y FRANCOTIRADORES pertenece a un mismo proyecto personal que se inició con KARATE PRESS y que de algún modo culmina en un nuevo inicio que es este libro. 

En cierta conversación con Luis llegué a decirle que creía que su libro iba a ser el nuevo número de KARATE... un número hipotético en el que habría mandado a la mierda a los colaboradores y se hubiese puesto él solo el traje de predicador dominguero. Tampoco sé si esto es algo demasiado aventurado, pero cumple una premisa que me contó un librero a propósito del día en que compré EL PÉNDULO DE FOUCAULT de UMBERTO ECO. Me dijo: "si logras pasar del primer capítulo, vas a disfrutar muchísimo y vas a tener una experiencia totalmente distinta a lo que estás acostumbrado; no te arrepentirás del esfuerzo".

Y dicha premisa se ha cumplido totalmente en el libro de Boullosa. Sin comulgar con todos los artistas (algunos directamente he de reconocer que no los conocía siquiera), el libro (que no es de lectura fácil, ni falta que le hace) tiene la particularidad de "filosofar" sobre la escena musical en nuestro país, y de algún modo resultar a la vez muy autobiográfico. De tal suerte, nos encontramos en una especie de viaje en el que acompañamos al autor por sus filias y obsesiones, entremezclándose pasado, presente y futuro de los artistas con notas, divagaciones, y un sinfín de recursos estilísticos que si a priori era demasiado escéptico de que funcionara, tengo que dar mi brazo a torcer y decir que me ha resultado precisamente la principal baza de las prácticamente 400 páginas que componen el tomo.

Luis Boullosa pone sobre la palestra a una serie de personajes como son Rafael Berrio, Xavier Castroviejo, Josele Santiago, Marco Serrato, Javier Colis o Mursego.... y muchos más (no voy a ponerme ahora a dar datos estrictos, pillad el libro) y los convierte en personajes de una Coda; una Ópera dramática en clave de Rock en el que se debate sobre muchísimos aspectos. Y claro, uno puede preguntarse cómo puede tal conglomerado a priori distinto de músicos aglutinarse bajo un mismo leit motiv y convertirse en un todo; dicho de otro modo, ¿cómo coño es que realmente funciona lo que Luis quiere transmitirnos?...

No es SANTOS Y FRANCOTIRADORES entonces un libro al uso, pero sí que es libro al fin y al cabo (vaya, que no es una silla, ni un destornillador ni un supositorio), compuesto de letras que HAY QUE LEER, y digo esto porque estoy hasta las narices de gente que habla sin leer o escuchar algo; gente de postín y rancio abolengo que vive del cuento; gente que vive y debería morir (culturalmente hablando). Conforme la lectura avanza, mi curiosidad es multiplicada exponencialmente y voy picoteando discos, artistas, referencias... y tengo la sensación de estar creciendo y aprendiendo, y que en contra de toda apuesta, no es otro libro más de música de corta y pega. 

Es algo distinto, te guste o no. 

Recuerdo que hace años postulé la posibilidad de una escena sevillana de artistas experimentadores, y que sus protagonistas (en un extinto foro ya), negaban mi afirmación. Dije que alguien tendría que hablar de todo aquello algún día... convertirse en bardo de una escena (sí, lo siento, pero para mí es escena) y ahora cuando leo sobre Serrato, Castroviejo, Orthodox o Pylar en un libro, casi que se me escapa una lágrima y me digo: MALDITA SEA, ES QUE SE LO MERECEN

He vivido y mamado desde los mismos inicios a Orthodox, Blooming Látigo o Pylar, hasta el punto de que podría contar aquí algunas anécdotas (o incluso poner grabaciones que dudo nadie que se lea el libro de Boullosa sepa que existan). Leer sobre el via crucis personal de gente que tiene tanto que decir como Marco Serrato o el siempre interesante Xavier Castroviejo es un auténtico LUJO, y si es dirigido por una batuta que separ orquestar, el éxito está asegurado. El maremágnum vitae de Javier Colis, el malditismo ahora domesticado de Alfaro, el pus acumulado de Emilio Cascajosa de Miraflores o la militancia político/kraut del renacido Niño de Elche

Pero hablemos de éxito. Los artistas mueren, y los libros sobre ellos aparecen de la nada. Seamos coherentes porque hay demasiada morralla en las estanterías y mientras estas palabras están vomitándose digitalmente aquí, alguien estará en una buhardilla copiando y pegando información para hacer el último bestseller de Bowie, Ozzy o qué se yo. Pero es que la clave está bajo nuestras narices... el subtítulo del libro es SUPERVIVENCIA, LITERATURA Y ROCK&ROLL, así que como si se tratara de un nuevo paradigma, esa tríada se convierte en el nexo de unión de la disparidad estilística tratada. 


Son estos músicos, pero podrían haber sido muchísimos más, y enroco directamente con el capítulo final del libro, que para mi gusto se convierte en prólogo y si quisiéramos, podríamos leer en bucle SANTOS Y FRANCOTIRADORES. Estoy convencido de que en cada lectura le sacaríamos algo distinto.

Realmente me importa poco que te lo pilles o no. Yo le he disfrutado mucho y lo que cuentan son las experiencias así que borrad eso que he puesto de convencer y haced lo que os de la gana. Yo advierto que el libro es más que interesante. 

Es una joya del periodismo musical; distinto, visceral y arriesgado como lo es KARATE PRESS.



miércoles, 21 de diciembre de 2016

CANCIONES PARA BRENAN VOL. II (CASA GERALD BRENAN)


Alrededor de la figura del ensayista, escritor e historiador GERALD BRENAN se presenta este segundo volumen de CANCIONES PARA BRENAN (el primer volumen no he podido catarlo, así que invoco a los habitantes del subsuelo Churrianesco por si descubren alguna copia en cualquier catacumba). 

Un selecto grupo de artistas adapta sus poemas en un cancionero particular que en contra de los prejuicios que tenía, me ha dejado con los escrotos invertidos. La iniciativa corre a cargo de Silvia Grijalba de CASA GERALD BRENAN (bajo los auspicios del Ayuntamiento de Málaga), y se realiza una presentación el 1 de Diciembre, distribuyéndose el cd a los asistentes del evento, mas un buen puñado de copias que vuelan a filas de coleccionistas internacionales. 

Antes he nombrado la palabra prejuicios, cosa que tengo que aclarar. Los recopilatorios suelen ser retazos puntuales con bastantes altibajos y que no suelen seguir una misma línea argumental, máxime cuando los participantes son músicos diversos que evidentemente aportan su estilo al asunto. Pero claro, me llega el cd (gracias a Julen, Silvia y Manolo Luque por hacerlo posible), hago una primera escucha y me tengo que tragar mis pensamientos (que por otro lado son sólo eso, pensamientos), pues no sólo hay una coherencia, sino que parece flotar una especie de hilo crepuscular sobre todo el disco que sin saber si ha sido o no premeditado, le sienta de maravilla.

Lo primero que te encuentras es el diseño. Precioso digipack de Xavi Rubiras de La Nevera Comunicación con unos colores pastel muy deudores del mundo del fanzine (véase Vacaciones en Polonia o esas delirantes ilustraciones de Mondo Brutto). Sencillo, elegante elección de colores y con ese toque de la publicidad de los años 60 y 70.


Danielle de Picciotto abre con la lunar "The Forest". Sobre Picciotto sobran las presentaciones... desde sus incursiones en el spoken word y las artes plásticas hasta su paso por Crime And The City Solution o su último disco con Alexander Hacke de Einstürzende Neubauten. El tema es una nana opresiva llena de sonidos ambientales sobre los que se desarrolla el violín, autoharpa y la preciosa voz de Danielle

Teatral y fantasmagórica, la canción se mueve entre el Dark Folk y el Spoken Word más experimentador, siendo de largo uno de los temas más oscuros del disco. Como tornar bello el bosque más ominoso en el que puedas pasear en plena noche (Now the forest´s very dark / It is just before the dawn / Hark, is that the soaring lark / Singing on this early morn? / Sure it is, so let us listen).

En el mismo tono pero algo más juglar Jowe Head (ex Swell Maps y Television Personalities) se marca el temazo épico "Blondel´s Last Song", con una banda de auténtico lujo como son los Infernal Contraption. Como mezclar a los primeros Pentangle con el Post Punk, la mezcla resultante es surrealista y podría ser tanto la banda sonora de un Spaguetti Western como una canción de hoguera en el campamento de unos Scouts puestos hasta arriba de psicotropos y LSD.

Pero claro, los maestros del western australiano teñido de Lo-Fi son los Tupelo Bound. "Before The Funeral" y sus aletargados guitarrazos escupen arena y una suerte de surf ralentizado al extremo... no sé por qué, pero este tema es como mascar un chicle sabor bilis. No es el sabor más vendido, pero cuando lo pruebas te enganchas y si no lo encuentras en tu kiosko habitual puede correr la sangre.

"The Cracked Record" es el tema de unos más oscuros de lo habitual The Black Lennons, que lejos de sonar como en su disco debut "Querida Lógica", se enfundan su traje a lo The Fall con tropezones de Julian Cope en esa maravilla psicopómpica de "Autogeddon". Julen Palacios (ex Los Cuantos o La Familia Atávica) y Juanillo Lee Pierce le dan un toque mucho más siniestro y punk a su propuesta. Un temazo eléctrico, punzante y muy lisérgico que se te enrosca y no te suelta hasta que te deja electrocutado con esos arranques de sintetizadores primitivos, cascabeles y la voz a lo Mark E. Smith

También de Los Cuantos o Ginferno, Kim Warsen es conocido sobre todo por su faceta cinematográfica y su militancia en el underground musical patrio, habiendo participado en un sinfín de proyectos. Un piano ensoñador y unos soundscapes de electrónica ambiental a lo Eno sirven de base para el recitado en "Cockcrow", tema minimalista y profundamente desgarrador donde se notan la labores de Warsen en el mundillo de las bandas sonoras (O bird awake / In your distant farm / Raise your long voice for me / And make the night electric). 

Menos funestos resultan Alfred Larios en "Death In Covin Woods", tema mucho más espacioso que bebe de la neopsicodelia, el post rock menos oscurantista o el pop luminoso pero elegante. Formato cuarteto y una demo editada hasta el momento, estamos ante una banda a la que hay que seguir la pista.

Entramos en el último tramo con Trío Mudo y "Pensaba Que Era Joven". Banda de la que he hablado largo y tendido en el blog a propósito de su TRÍO MUDO - "VOL I: POEMAS MUSICALIZADOS DE LEOPOLDO MARÍA PANERO, ET ALTER" 

Correoso, inteligente rock de navajas automáticas que se baten en duelo en esquinas marcadas por orín de perro. Las percusiones de Damián Fernández son hipnóticas (conchas y cascabeles incluídos) y la guitarra de Antonio Acién es deudora de toda una época a reivindicar (713ºAMOR o la primera encarnación de Trío Mudo). Único tema en castellano de una de las bandas más subterráneas, subversivas y atrayentes del underground musical castizo. Poesía musicalizada dirigida como una jodida bala al tronco del encéfalo.

Marintencionados rompe un poco el sonido del disco con "The Engine Driver", suerte de Soul Blues apoyado por órganos hammond y arreglos algo más grandilocuentes de lo que es la tónica general del disco. Puedo aportar poco aquí porque no es un estilo que yo frecuente demasiado y creo que no soy el más indicado para hablar de ellos. Destilan frescura y buen rollo, eso sí.

Para cerrar repiten Jowe Head and The Infernal Contraption. "The Fish Spearer´s Song" es un sinuoso, lento y descendente viaje de bases rítmicas, post punk cacharreril con toques Dub, un bajo taladrante a lo Bill Laswell y en absoluto nada que ver con el otro tema que aportan al disco. Como unos Pere Ubu más Reggae de lo habitual. 

Colofón brutal para un disco e iniciativa que me han dejado sorprendido por su coherencia, frescura y buen hacer. Ojalá este tipo de iniciativas corran la suerte que se merecen.











viernes, 16 de diciembre de 2016

SKULLFUCK - "FIREFLIES & MOSQUITOES" (RAW TONK RECORDS; RT021, 2016)


La tercera obra del combo dúo SKULLFUCK se asienta como una verdadera bestia carcinógena en tus entrañas. Con una verdadera inquina personal, Aquilleas "Akipo" Polychronidis y Daniel Vega se marcan como objetivo sacarte de tus jodidas casillas a base de un Noise Jazz crudo, visceral y eminentemente agresivo. No en vano Colin Webster de RAW TONK RECORDS los ha llamado a filas para engrosar un catálogo que probablemente el ejército esté investigando para usarlo como arma de destrucción masiva.

Básicamente hablamos de Free Jazz, de improvisación y Noise, pero todo ello tapizado con los espasmos de una Tetania y las convulsiones de un síndrome febril sin foco. Las raíces del sonido en SKULLFUCK son difíciles de escarbar, y si bien su base podría ser el afrojazz a lo New Thing de un John Coltrane casi póstumo (véase "Interstellar Space"), por una extraña jugarreta del destino la violencia del Thrash primitivo parece haber retrocedido dos décadas en el tiempo y haberse apareado con el jazz de finales de los 60. Pero claro, la mala hostia que se gastan los europeos en el mundo del Free está ahí (véanse gente como Evan Parker o Peter Brötzmann), pero también explosiones de Downtown puramente Neoyorquino (ala Knitting Factory y John Zorn). 

La forma de tocar la batería de Dani Vega no invita a la amistad precisamente, y habla de una especie de turbulencia tribal netamente africana que por cuestiones de globalización acaba emparentándose con la sequedad postindustrial de Einstürzende Neubauten. Algo así como Rashied Alí debatiendo personalmente con Christ Cutler sobre la conveniencia de golpear de frente o de lado una vieja caja abombada por la humedad. 

Sobre Aquilleas "Akipo" he hablado anteriormente bastante de sus trabajos, y al final de la reseña incluyo algunos enlaces sobre los anteriores discos de SKULLFUCK y en solitario. Su visión del Jazz es personal y (puedo equivocarme) catártica. El instrumento se funde con su tráquea y tanto viento como instrumento se convierten en un todo biológico que emula a un insecto agresivo. Sus demonios personales hablan del extremismo Noise japonés (sólo los japoneses pueden extremizar todavía más algo ya tan rudo como el Free o el Noise) o el Heavy Jazz de unos Dead Neanderthals llevados a un paroxismo destructor.


Los dos temas que componen este trabajo se complementan en cierto modo. "Fireflies" toma como base un insistente y agudo chirrido que se repite a modo de bucle durante toda la duración del tema. Planeando por encima, Akipo alterna saxos tenores y sopranos para crear un asfixiante nudo con la batería que no se deshace mas que por unos breves segundos en los instantes finales. Netamente deudor de cosas como "Ascension" o el propio "Interstellar Space", el tema disuelve y traga el aire que te rodea hasta que te encuentras hiperventilando, viendo visiones atávicas y casi cagándote encima. 

No hay espacio ni descanso, porque cuando batería y saxo se detienen, el bucle agudo continúa de fondo a modo de torrente que se repite una y otra vez... una marea endiablada en la que Daniel Vega parece una auténtica apisonadora humana (creo que produce más serrín de sus baquetas que en una carpintería en hora punta). Cuesta definir el sonido orgánico de la producción en Krakensound Estudio, pero básicamente se asemeja a una sesión en directo, sin trampa ni cartón. 

El fin último de SKULLFUCK es disolverse en sonido, buscar el estado de máxima intensidad que virtualmente produciría un estado de miedo parecido al silencio absoluto. Para mí, el silencio extremo es la forma más agresiva de Jazz y sólo es posible alcanzar ese estado (samadhi) a través del ruido y la sobreestimulación. El saxo (creo que soprano, o al menos alternándose con el tenor) casi bordea la melodía en los últimos minutos del tema, a partir del minuto 12 o así, para posteriormente volver a arrancar en una cabalgada extenuante.

En "Mosquitoes" ocurre algo similar pero abordado desde otro prisma. El chirrido se sustituye por una suerte de loop vibrante que emula a un mosquito cojonero; electrónica y manejo de pedales distorsionan una nota de saxo produciendo un efecto similar a masturbar un diapasón, y metiéndonos de lleno en el minimalismo de la improvisación europea. El corte respira cierto aire ponzoñoso que me habla de mosquitos claro... pero también de ciénagas en plena selva. No hay más que escuchar la forma tribal en la que Daniel Vega mete las percusiones a partir del minuto cinco, momento en el que saxo y batería empiezan su particular diálogo primitivo. Algo así como lo que hicieron Don Cherry y Ed Blackwell en las dos partes del iniciático "Mu" pero mucho más extremo.

Los vientos aquí son mas agrestes y cuando el saxo de Akipo descansa, surge una melodía selvática de fondo que me hace mirar a los lados a ver si estoy en plena carrera de elefantes a los pies del Kilimanjaro. Es una melodía de saxo distorsionada y pasada por cierto tapiz de digeridoo que me pone los vellos de punta. 

Esto es una argamasa tan perfecta entre lo africano y lo europeo que cada molécula casa con la otra como un tetris sonoro. Un pan primigenio a base de jugos espermáticos y vaginales que son calentados en un horno que no distingue de sexos... unos potenciómetros sagrados que modifican los vientos hasta que la mente confunde los puntos cardinales... una danza ebria que celebra la íntima comunión entre extraños insectos... mosquitos que son atraídos por la luz de las luciérnagas y se aparean hasta que implosionan en fogonazos de sonido. En palabras de la banda:

"KEEP YOUR LUNGS ALIVE, KEEP YOUR MUSCLES STRONG"