martes, 21 de febrero de 2017

SANTO ROSTRO - "THE HEALER" (VARIOS SELLOS, 2017)


Vengo siguiendo la trayectoria de SANTO ROSTRO prácticamente desde que empezaron a anunciarse con un enigmático mensaje en el casi extinto foro DOOMSTONER COMMUNITY. Tras dos trabajos muy buenos, andaba con mucha curiosidad por cómo evolucionarían su sonido en un tercer trabajo. 

¿La razón?... pues creo que en sus dos primeros trabajos faltaba un elemento cohesionador que rompiese completamente con todo. Un puntito de llevar el sonido mas allá y hacerlo al más suyo.

En sus previos discos, el elemento MASTODON, los incesantes cambios de ritmo y unos ligeros indicios de adentrarse por terrenos más ambientales y jazzeros estaban ahí, pero no terminaban de cuajar aun siendo discos de notable alto. Sin embargo, con este nuevo "The Healer" me he quedado brutalmente sorprendido por la cohesión que han alcanzado. 

La evolución es simple pero tremendamente efectiva. El sonido se ha recrudecido, el tempo se ha bajado en algunos pasajes y los cambios de ritmo son medidos con más cuidado, resultando de todo ello un bloque mucho más oscuro y asfixiante. Las influencias son diversas, y así a vuela pluma podría citar a CANDLEMASS o KRUX, a los propios MASTODON, la espesura de SLEEP y la furiosa rabia de JUDAS PRIEST en algunos tramos (así como te lo cuento, con dos cojones). Diría también que el disco es más tradicionalmente Doom a la par que menos Sludge... pero bueno, cada oyente tendrá su opinión.


Cuando me encuentro el grandilocuente, níveo diseño de ANTONIO RAMÍREZ en un vinilo blanco perla (concretamente el dibujo LAS TENTACIONES DE SAN ANTONIO) tengo claro que algo ha cambiado en SANTO ROSTRO. El sonido de la producción es otro acierto (claro, se trata de RAÚL PÉREZ y LA MINA), quizás por la masterización de BRAD BOATRIGHT en AUDIOSIEGE de Portland (Oregón). 

Edición en vinilo y cd con los siguientes sellos implicados: Discos Macarras, La Choza de Doe, LaRubia Producciones, The Braves Records, Nooirax, Aladeriva Records and Música Híbrida... la crema y nata de mucha de la música del estilo que se está cociendo ahora mismo. La formación nuevamente en trío (los Santos Rostros del Paño de la Verónica son 3 debido al doblez de la tela) con ANTONIO GÁMEZ al bajo y vocales, C. ALEJANDRO a la batería y MIGUEL ORTEGA a las guitarras, voces y percusiones.


"One Small Victory" abre a todo trapo con el sonido de los SANTO ROSTRO de siempre. Stoner Psych donde lo primero en lo que me fijo es en que las voces están mucho más trabajadas y pulidas a la par que la instrumentación suena potente pero sin suciedades innecesarias. La distorsión y las especias picantes nos las dio el Todopoderoso para que no abusáramos de ellas... la primera porque da sordera, y la segunda porque te arde el culo. Un tema incendiario, con las cuerdas a punto de soltarse de los mástiles y una batería encabronada. 

Es en la siguiente "Cut My Hand" donde empiezan los cambios más evidentes. A la paquidérmica introducción le sigue un cortante riff de guitarra alucinante, y pronto el tempo se va aletargando. La base rítmica adquiere una consistencia brutalmente terrosa, y las voces si fuesen varias octavas más agudas casi me recordarían a Rob Halford (sí, estoy majara y de ahí lo que comenté de Judas Priest), especialmente en esos agudos coros (Dissapopinted, disrespected, I´m strenghless / away the sun fades / Hold my head up, lick my eyeballs, take your knife / and please cut my hand).

A partir del minuto 7 cambia el sonido. Se vuelve más ambiental; un poco a lo CANDLEMASS del "From the 13th Sun" o los propios BLACK SABBATH. Una desoladora, cuasi jazzística línea de guitarra adorna el lento tempo y unos muestra como digo a unos SANTO ROSTRO capaces de mantener un ritmo lento y pesado hasta que el jodido mundo se acabe. Sin prisas que ya saldrá el semen por donde reviente. 


Tremendo el anti clímax ambiental que se marcan, reforzado por una batería y bajo sublimes que se llevan de calle todo el peso del tema. Reitero lo dicho... esta nueva versión de SANTO ROSTRO es más visceral, doom y coherente que todo lo que han grabado con anterioridad. 

Si no es así, que venga Dios y que lo vea.

"Born Again" es otra píldora sureña para mojar bragas y calzoncillos. No hay descanso en cada uno de los tres minutos y pico del tema, donde además de recogerse ese Stoner característico de la banda, se hacen incursiones en sonidos psicodélicos setenteros en versión ultra cruda y rápida, haciendo un contraste tremendo con los progresivos sonidos que dan inicio a "The Healer"


Lo primero que llama la atención es el abordaje del tema, algo así como el "Planet Caravan" de los SANTO ROSTRO, pero con un pie en "Jerusalem/Dopesmoker" de SLEEP, el primer disco de NAAM o los AQUA NEBULA OSCILLATOR. El tema es correoso, lento... desenrollándose como lo haría una serpiente hasta que en el minuto 4 ya están todos los ingredientes puestos y entra la voz jodidamente cazallosa a lo AL CISNEROS

Ecos a ANCESTORS y en general a toda la escudería de TEE PEE RECORDS, al Stoner espacial americano y con letras mántricas. Nuevamente otro bizarro, cósmico interludio instrumental que vuelve a conectar en bucle con el riff principal del tema... bestial. Suenan adornos de lo que parecen teclados de fondo (aunque no sé si es la propia guitarra o la pedalera), las voces se encabronan cada vez más y la procesión parece dirigirse al centro mismo del Cosmos, enarbolando a un empalado Carl Sagan como si fuese una especie de tributo que hay que arrojar por cualquier agujero de gusano. 

Para terminar "Hylonome", otro temazo a lo SANTO ROSTRO, con un desarrollo instrumental encomiable y que viene a redondear lo que para mí es uno de los discos del año. Una banda en plenitud de facultades, capaces de contenerse cuando hay que hacerlo y de explotarte en la cara a las primeras de cambio, borrando tu cara del mapa en lo que se va a patentar como el jodido mejor tratamiento para el acné.






SIGNS OF THE SILHOUETTE - "NU" (BAM BALAM RECORDS, 2016)


"NU" es técnicamente el quinto trabajo de la banda de Portugal SIGNS OF THE SILHOUETTE, de la que hablé en profundidad en una reseña de hace unas semanas con motivo de su penúltimo trabajo "Spring Grove", y que recomiendo leer antes de continuar porque complementa bastante esta reseña:


Si "Spring Grove" era una vorágine de electricidad desatada, este nuevo trabajo "Nu" aborda su cara más experimental, minimalista y con incursiones en el Free Jazz gracias al piano de Rodrigo Pinheiro y el bajo de Hernani Faustino, que se añaden al habitual dúo de Jorge Nuno a las guitarras y Joao Paulo Entrezede a las percusiones. 

El voluminoso, pétreo muro que levantaba SIGNS OF THE SILHOUETTE en trabajos previos se mete en terrenos más ambientales, con una facilidad tremenda para pasar de un estilo a otro y seguir licuando el sonido para obtener un zumo mucho más depurado y vitamínico que el más ácido y cáustico de "Spring Grove"

"NU" es un trabajo en cierta forma conceptual (el primero de una trilogía), basado en el libro DUNE de HERBERT, y durante los cuatro cortes del disco asistimos a un itinerario inverso en el que el conocimiento se obtiene del pasado. Nuevamente editado por BAM BALAM RECORDS, y grabado, mezclado y masterizado por JOAQUIM MONTE en los NAMOUCHE STUDIOS de Lisboa, la edición es en cd y en doble vinilo limitado.


El tema "Tent" (curiosamente los cuatro temas del disco comienzan por T) abre el trabajo con una suerte de marasmo ambiental, etéreo y meditabundo reforzado por los repiqueteos del piano. Desde estos instantes ya nos queda claro que la propuesta de la banda es bastante distinta, y estos largos pasajes instrumentales remiten claramente a Pink Floyd en su época intermedia. La guitarra y el bajo no se dan prisa y suenan contenidos, y aunque los pétreos riffs de su anterior trabajo no estén presentes, el espíritu cósmico sigue presente en la música del grupo.

La percusión lentamente va haciéndose notar y la música va in crescendo, dibujando paisajes preciosistas, bucólicos y con cierto deje Kraut, aunque conforme avanza el tema el Jazz hace acto de presencia (y algo del Rock en Oposición también). La labor del piano es tremenda, y a los que quieran profundizar les dejo el siguiente enlace: http://rodrigo-pinheiro.com/

Algunos tramos del corte me recuerdan a MATTHEW PARMENTER en su disco "Horror Express" de 2008 (pero sin las características interpretaciones vocales del ex-DISCIPLINE), y por ende, a KING CRIMSON evidentemente pero en una faceta más jazzística. En la misma línea sigue la corta "Tame", un poco a modo de epílogo de la anterior y con las características que he citado pero añadiendo cierto cariz de música de cámara en los desarrollos en cascada del piano.


"Throw" empieza con unas líneas de guitarra y batería ambientales y desérticas. El énfasis sigue en la atmósfera (podríamos hablar de Post "lo que sea"). La producción del disco es en cierto modo distante, lo que refuerza el carácter espacial de la música... un poco a lo OZRIC TENTACLES. El piano, y aquí quizás voy a decir una barbaridad, tiene esa forma de flotar que tenía ALICE COLTRANE, hasta el punto que parece que en cualquier momento va a irrumpir el saxo y tragárselo todo. 

El bajo de Faustino suena grueso, reverberante, y con escalas jazzeras dialogando con el piano en un fabuloso interludio del tema en el que la guitarra se retira a un segundo plano... tremendo. Se rozan las matemáticas de una enconada CECYL TAYLOR UNIT y cosas por el estilo mientras la guitarra distorsionada machaca un riff detrás de otro (esta vez sí acercándose a la mala baba Psych de "Spring Grove"). 

Como colofón la amenazadora "Thyself", con endiabladas percusiones de Joao Paulo, el seco y cortante bajo de Hernani Faustino y los tapices eléctricos (casi fusioneros) de Jorge Nuno, todo ello remachado por las rápidas y cortas notas del piano de Ribeiro. Un tema que bebe a partes iguales tanto del MILES más eléctrico (y funky) como del amenazador R.I.O. Una pasada...

Creo que SIGNS OF THE SILHOUETTE pegan un subidón tremendo coronándose como una de las bandas clave a seguir en el mundo de la improvisación y el avantgarde. Sus dos discos en BAM BALAM me han dejado totalmente noqueado por su variedad de estilos y su potente propuesta. ULTRARECOMENDADO.





sábado, 18 de febrero de 2017

AKIPO TERROR SAX (WILL NEVER PLAY THIS TOWN AGAIN)....


Ayer en el Experimenta, Petit Impro SOPA Presenta 
Saul Wes representa y que se jodan, 
los que pudiendo se ausentan...

Gente conocida, y muy aguerrida
Nacho, Manolo, en la cultura anidan.
Tras rojos cortinajes, Pó se manifiesta
con saxos, pedales, y artefactos anales...

Sobria perilla / en la puerta una silla
parece cerca, pero calculo una milla.
En solitario sopla tres cortes / utiliza boquilla
qué hambre, ¿tendrán en la barra rosquillas?...

Free Impro Ambient Noise es lo de hoy
y suenan chirridos con otros pitidos
saltan empastes, y muchos silbidos.

AkiPó Terror Sax es lo más
te hará eyacular, segregar mucho más
es el Sexy Saxo / de gran talante
un tipo galante / un jazz galopante.

Eh, es el Terror Sax, man
you better run.
Eh, yah, es el Terror Sax, buey
Aquí no hay más ley...

Aki Terror Sax in Town
Petit Impro SOPA Sound
Saul Wes is down
a knife in his mouth...
Violent People fighting for Po
Greek Mafia all around, bro!
People have fear, but jazz never stops
eh, yah... Aki Terror Sax in Town,
He´s the Man / You better Run.

Rojos cortinajes arropan a Pó
una luz mortecina buena elección, chapó
al final MC CM no rapeó, no señor
una silla le dejaron preparada, pero se rajó...

Acoples, notas agudas / la melodía se la suda
cables, pedaleras / samples de melodía ruda
micrófonos, feedback, reverb en alto volumen
los vecinos llaman pero la policía no acude.

Toca tres temas, exuda la flema
piloerección en acción
suena drone con swing, nena,
Griegos, Turcos, Hispanos unidos en Sión.

Eh, Ya... Is the Terror Sax 
People now, that is fucking good.
Only Saul Wes Blood / The Killer understood
that was a question of Mood
And the sound baby oh... was so Rude...

EXPERIMENTA, caramelos de menta
Ahora EL OJO PATIO, te das cuénta?...
la gente se sienta / al griego se enfrenta
melodía abstracta intensa / la lógica afrenta
en la barra las cervezas se agotan / quien lleva la cuenta
deja el saxo, se agacha al pedal... de forma lenta
y hace ruidos, drone que gusta, para nosotros es Néctar.

Eh, yah... Aki Terror Pó, is Killing your friends
Saul Wes is lying on a bed
a big fire of sound, that never ends
was a mistake, to invite the Greek Men.









viernes, 17 de febrero de 2017

JAULA - "MACETAS" (EL MUELLE RECORDS; EMR010, 2016)


La electrónica rural de JAULA es servida en las macetas de patios encalados. Macetas de barro o metálicas (preferentemente fabricadas con antiguas latas de pintura) donde habitan claveles, geranios y otros ecosistemas fecundados por tábanos, cochinillas y lombrices de tierra. Es la electrónica de nuestros abuelos, que cantaban nanas a sus nietos... oscuras canciones de cuna cuyas letras se tragó el tiempo. Murmullos del hombre del saco, de vírgenes empotradas en gruesas paredes, de exvotos de familias que ya no existen y de placas que ya no conmemoran nada porque el lazo que las une a lo vivo está roto. Yermo y muerto. 

JAULA dice que "Maceta" es una colección de canciones infantiles, pero yo creo que es un mapa sonoro para viajar entre pueblos supersticiosos. Lugares imaginarios (o no) en los que al caer la tarde te llega el aroma del brasero y el sudor de la mano al mover las fichas de dominó; lugares donde la cerveza se sirve en botellas que hay que retornar y la Mirinda es el producto estrella. Ventanas enrejadas a pie de calle, caras con ojos que son capaces de seguirte en 360 grados, bares donde se toma el aguardiente en cantimploras y esquinas amarillentas del azufre que atosiga a la orina del perro.



Nueve cortes minimalistas que suben desde las paredes de un pozo; una garganta eventrada a la tierra que se abre con la nana espectral "Eco", que huele a procesión de hormigas huyendo del Zotal. "Caballito" sigue la cadencia de un juguete de cuerda que se hubiese lanzado al vacío desde una misión Sputnik... el espacio es directamente proporcional al zumo de tu cerebro pasado con un colador.

Un piano triste evoca imágenes antiguas en "Apaga la Luz del Bosque". Las notas se doblan y requiebran adquiriendo el espesor del aceite. Si esto son canciones de cuna, están tamizadas por el filtro de la nostalgia y "El Ratoncito Pérez Sólo Quiere Dientes de Oro" con esa melodía extraña (en algunos momentos me parece estar escuchando algo parecido a Zorn en su proyecto COBRA) lo atestigua.

"Trastos" suena como si metiéramos una sonda sonora por el inodoro e intentáramos hacer rimas con la cisterna a la vez que se nos cae el móvil al agua, mientras que en "La Edad del Plástico" nos asisten recuerdos de un tiovivo que ya no rota; una psicofonía de algodones de azúcar pútridos y corruptos. MACETA se estructura con el marchamo de lo infantil, pero catalizado a través de la amargura del adulto. Así me suena el ambient noise de "Los Labios Pintados con Mercromina", donde algo que se asemeja a un instrumento de cuerda teje una funesta melodía, o la caja de música anómala de "Madremapa".

"Estrella Fluorescente" es el cartel de salida del pueblo de tu vida. Tu nombre en un cartel a pie de carretera tachado con una línea roja. Puedes volver cuando quieras, pero no en forma Mamífera. Acordeones electrónicos despiden nuestra niñez y nos emplazan a recibirnos en la vejez, donde todo vuelve a adquirir el cariz juguetón de nuestros primeros años. 

 https://elmuellerecords.bandcamp.com/album/maceta

jueves, 16 de febrero de 2017

MICRORESEÑAS DE A DURO (28)


LA CARROÑA ESTÁ SERVIDA - LOU CARRIGAN (SELECCIÓN TERROR BRUGUERA 344, 1979)

Antonio Vera Ramírez, alias Lou Carrigan, no deja títere con cabeza en este sádico y brutal bolsilibro de terror. Cruel, descarnado y con un particular gusto macabro que sólo Carrigan puede alcanzar, el autor nos lleva en 96 páginas a una auténtica pesadilla dantesca. 

Miembros de una asociación criminal son encerrados a la fuerza en una mansión rodeada de matones mientras uno de sus ex asociados (que sufrió un atentado en un helicóptero y quedó cruelmente deformado) los va sometiendo a las más crueles vejaciones. 

El estilo descriptivo de Carrigan siempre ha sido cacharreril, pero cuando está inspirado es letalmente imparable (léase por ejemplo "A Solas Con Charly"). No puedo quitarme de la cabeza al fallecido autor americano Richard Laymon por su adictiva desfachatez a la hora de mostrarnos escenas bizarras y rozando el gore. Hacía mucho tiempo que no me leía una novelita de estas tan bien tramada y desarrollada, pero por el simple goce de pasarlo bien. 

Ya sabemos todos cuáles son los defectos de este género, pero aquí Carrigan directamente no muestra respeto por ninguno de sus personajes y los somete a una excesiva violencia física y mental. Sublime bolsilibro que demuestra una vez más que había joyas entre estos autores. Portada de Salvador Fabá que nada tiene que ver con la trama, eso sí.


martes, 14 de febrero de 2017

PERENNIAL ISOLATION - EPIPHANIES OF THE ORPHANED LIGHT (DARKWOODS; FLAMMA XI CDX, 2016)


Tremendo salto cualitativo el que ha pegado la banda de barcelona PERENNIAL ISOLATION tras sus previos trabajos "Conviction Of Voidness" (2014) y "Astral Dream" (2015) que tuve el privilegio de reseñar por aquí: 




Tras algún cambio de formación (atrás quedan los interludios acústicos y orientales) vuelven con su nuevo trabajo en DARKWOODS. Digipack con artwork de PuertaOskura como es de rigor y una edición simple y otra con un cd extra de música ambiental a cargo de Ivan Ferrús que durante 70 minutos nos sumerge en su particular mundo instrumental. A ratos recuerda a la Dungeon Music de Mortiis, para luego pasar a los orquestales pasajes de Elend o incluso la World Music... un disco para escuchar con auriculares y en soledad.

Si los anteriores trabajos eran buenos, este nuevo "Epiphanies Of The Orphaned Light" te lleva a otro nivel en lo que a Black Metal atmosférico se refiere, puliendo enormemente las similitudes con otras bandas para crear un sonido mucho más personal y trabajado. 


No se me entienda mal; para mí, cada uno de sus trabajos anteriores rozaban el sobresaliente, pero es que este nuevo me ha sumergido en una auténtica niebla helada que empapa y pudre mis mucosas hasta el punto de que ya no soy capaz de hablar de bandas o etiquetas. La necrosis es inminente.

Esto tiene vida propia y la perfecta ecuación de brutalidad y melodía está mas trabajada que nunca en el épico, cuasi sinfónico inicio de "Rejected..." y la rapidez del siguiente "... And Then, Her Eyes Created". En apenas 11 minutos que duran los dos temas, PERENNIAL ISOLATION te llevan a un jodido paraje agreste y te violan el alma a base de un melódico pero salvaje trabajo de las guitarras, una batería que más quisieran para sí la mitad de grupos de Black Nórdico o un bajo tocado con una envidiable técnica. 

Podríamos hablar de Agalloch, unos Kampfar sin los toques Viking o incluso Emperor, pero ya he comentado que las etiquetas no creo que lleven a nada más que prejuicios. Cuando hablamos de Black Atmosférico hay que matizar.

Veamos, hay atmósferas minimalistas, atmósferas con samplers e historias... o la atmósfera que ejecutan a la perfección PERENNIAL ISOLATION a base de melodías en capas que van alternándose; es decir, parajes donde la guitarra va marcándose unos tremendos riffs melódicos mientras el doble bombo parece que va a movernos los órganos internos de sitio (cómo suena la batería en este disco!), o justo al contrario, con las guitarras a todo trapo acuchillando al personal mientras la batería va bajando el tempo. 

Eso y la tremenda producción del disco que hace que suene todo con una nitidez que asusta. Como si la banda estuviera tocando en un saliente de roca en un montaña nevada o algo y el eco de la piedra devolviera el sonido pero algo atenuado por la nieve. Las producciones sucias son una estafa. Si no quieres tapar errores y eres buen músico, no debes temerle a una producción limpia (que no cristalina y vacua, ojo). 

Todavía quedan ecos del sonido de sus anteriores discos en el inicio de "Woodshades Lifecodes" y en la hiriente melodía de la guitarra. Las voces son otro de los puntos fuertes del grupo... potente y bien ejecutada, convirtiéndose en un instrumento más, algo de lo que no pueden presumir todas las bandas del género. 


Maravillosa pausa de teclados en "Interlude" muy deudora de los más campestres Ulver para a continuación adentrarnos en el medio tiempo de "Above de Essence...", otra cabalgada agria de Black planeador que coquetea con el Doom en los cambios de tiempo (algunos riffs de guitarra son genuinamente Doom, o que venga algún inglés y lo vea). Eso sí, la suma de los ingredientes nos hablan de Pagan Black y esas lindeces o escuchen ustedes la salvaje "... To Ephemeral Dusk", donde el ambiente se recrudiza y miramos a Noruega en nuestro Atlas musical. 

Vuelvo a destacar las voces, variadas dentro del estrecho abanico que puede ofrecer el Black, y que aderezan y dirigen la música hacia un estado de ánimo particular, que creo que es de lo que en el fondo se trata.

El tema lentamente se va dirigiendo a un clímax enaltecedor que cumple una fórmula esencial en el Black Atmosférico... la rapidez y brutalidad hacen que el oyente llegue a un paroxismo que se refuerza por las dosis justas de melancolía, que puestas con maestría dotan a la música del efecto que se busca. Misantropía, desolación o simplemente tristeza. El objetivo es la meditación dentro del ruido o ir a la esencia del sentimiento a través de la vorágine de notas que copulan unas con otras.

"Unveilings Of Cold" pone el broche de oro a lo que para mí es el mejor trabajo de la banda. Menos progresivo pero más crudo y violento. Si tuviera que decir alguna pantochada, diría que es mucho más True que los anteriores... y si me dejo llevar por mi interior esquizoide, es como cagar en el campo y sentir la jodida piedra fresca llena de musgo en el esfínter anal. 

Miras adelante y ves un precipicio; tiras la piedra y piensas "SI CAGAS EN EL ABISMO, ESTE TE DEVUELVE LA MIERDA....





lunes, 13 de febrero de 2017

FORCES ELÈCTRIQUES D´ANDORRA - "CONGO"/"CORNELISZ" (BUBOTA/BOIRA DISCOS, 2016)


Desde Mallorca presentamos hoy FORCES ELÈCTRIQUES D´ANDORRA, formados más o menos allá por 2013 y editando un trabajo a caballo entre demo y disco bajo el nombre de F/E/A. El siguiente paso en la evolución de la banda es PASTOR (2014), acompañado de un Ep de remezclas que acompañaba la edición en vinilo a cargo de BOIRA DISCOS, ESPORA RECORDS y OLD KIDS BRIGADE. La formación está compuesta por Tià Mas (samplers), Tomeu Canyelles (también guitarra de MARASME), Llorenc Balaguer (bajo), Arturo Fernández (guitarra) y Joan Cabot (batería)... y hasta aquí las presentaciones formales. 

Algunos de estos músicos ya los conocía de otros proyectos, además de que tuve contacto durante un tiempo con ESPORA RECORDS cuando reseñé el fabuloso disco de ASTROLABIO. La labor de Tomeu Canyelles no me era desconocida, ya que tengo todos los trabajos de MARASME e incluso el primero de VOGT, que editaría FÉRETRO, STRANGE y RADIX RECORDS hace un montón de años ya (incluso creo que sacaron otro llamado SUTURA que no tengo constancia de que llegase a salir físicamente... o sí, no sé. Me suena algo de una caja de madera).

También de Mallorca he reseñado y conozco bandas como LOS BÉLMEZ, DOCTOR MARTÍN CLAVO y LOS FLETCHERS, estas últimas más de un palo pop que aun gustándome no soy demasiado devoto, pero que hablan de un excelente estado de salud de la música en Mallorca (aun con las dificultades evidentes en cuanto a logística que todas estas bandas y sellos tienen). 


FORCES ELÈCTRIQUES D´ANDORRA tienen algo en su sonido que los aleja muchísimo de otras bandas de rock instrumental del país... esas que le añaden Post a todo lo que hacen y de las que sólo recuerdas los segundos iniciales de un tema y el final del disco. En F/E/A la propuesta es muchísimo más interesante, ya que tiran de un sustrato más distorsionado (sin llegar al Noise) que lo imprima todo de un cierto cariz ácido, lisérgico y trementamente caústico de tal suerte que los temas adquieren vida propia; dicho de otro modo, F/E/A parten de eso que llaman el Post Metal, Rock o lo que sea para moldearlo y transformarlo en algo mucho más interesante, con estructura y que invita al oyente a viajar por sus cortes sin peligro de pérdida (que viene a ser el principal mal que afecta a este tipo de bandas como una plaga).

De esto es de lo que se trata en CONGO, su nuevo larga duración en BUBOTA DISCOS, que venía precedido del Ep CORNELISZ del que hablaré al final del artículo. El disco es grabado por PEP TONI FERRER y MICHAEL MESQUIDA, masterizándose por TONI TOLEDO/RAFA RIGO en los URBAN STUDIOS. La portada es de LLORENC BALAGUER a partir de una pintura de VAN DE VELDE, además de un maravilloso grabado interior del libro "Oneluckige Voyagie, Van´t Schip Batavia" de 1647.

Tomemos la palabra CONGO como algo más allá de lo que geográficamente significa. Su nombre es sinónimo de revueltas, infiernos naturales y lucha por la supervivencia. El río Congo se ha convertido por derecho propio en un símil de la lucha del ser humano por alcanzar límites aparentemente infranqueables, de tal suerte que su sola evocación sonora provoca en la memoria atávica del ser humano la activación de neurotransmisores primitivos que llaman a la defensa. 

Entorno natural de relatos, hervidero de ideas en la literatura... desde POE a JOSEPH CONRAD en "El Corazón de las Tinieblas". MICHAEL CRICHTON, MARIO VARGAS LLOSA o ALBERT SÁNCHEZ PIÑOL en el fabuloso "Pandora en el Congo" son otro puñado de autores que han usado la región como punto de partida de la aventura al límite, tanto física como espiritual. Si nos vamos al cine las referencias podrían llenar un libro. Especie de frontera biopsíquica entre lo salvaje y lo civilizado. Lo ignoto y la seguridad de las cuatro paredes... antropológicamente Congo es un símbolo ya en sí mismo de esos que graban genéticamente su información en nuestros descendientes.


Ese concepto de CONGO es convertido por FORCES ELÈCTRIQUES D`ANDORRA en una especie de zona límite donde lo imposible se torna realidad. Una gesta humana en positivo o negativo que da carácter a cada una de las notas de los 6 cortes del disco.

Así pues, desde la particular odisea psicológica del Capitán Kurtz en el libro de Conrad, pasando por la épica historia de terror y muerte del naufragio del Batavia y el infame Jeronimus Cornelisz o el ahogado en vida Reverendo Jim Jones, la dualidad entre el héroe y el villano, el bien y el mal o la poderosa épica de la sangre son usados como hilo conductor de esta obra sonora.

"Muggs" abre el viaje de forma lenta, pausada. Atmósferas neblinosas paulatinamente despejadas por unos toquecitos de psicodelia mínima y el poderoso e insistente ritmo del bajo. Toques de Space Rock en los teclados mientras la guitarra ejerce de cicerone en una melodía circular hipnótica y contenida... hasta que estalla, claro, porque la infección no puede guardarse dentro demasiado tiempo.

Podríamos citar a SWANS sobre todo en el incio del disco, sobre todo en esa rabia contenida, pero sólo es un espejismo, ya que al rato el sonido gira y se mueve sinuosamente por una suerte de desértico y arenoso stoner (YAWNING MAN) con afinaciones Pink Floydianas. Termina el tema lo que si no me equivoco es un sampler de una charla de Jim Jones... no estoy seguro.

Temas como "A1" siguen por la misma línea que el anterior en su inicio, pero se va recrudeciendo paulatinamente en esos crescendos propios del estilo. En cierta medida el sonido de las guitarras me trae a los grandiosos MARASME a la cabeza (no en vano comparten guitarrista).

El tema "Cornelisz" es todo un portento de sentimientos vomitados sobre las calmosas aguas de un río emponzoñado. Lo que se hunde son los recuerdos amables, y lo que flotan son los gruesos sentimientos de culpa, los recuerdos amargos y lo brutalmente negativo. El riff de guitarra sobre la poderosa base rítmica refuerza el sentimiento dual del heroicismo vacuo.


Sin embargo, puestos a elegir, me decanto por la oscuridad de "Kurtz" y sus reiterativos ritmos casi industriales, de cierto cariz marcial. Una psicodelia ruidosa, agriada y algo alejada de la relativa amabilidad de los tres primeros temas. No se me entienda mal, el trabajo funciona como un conjunto en el que se van añadiendo factores... pero cuando escucho esos pequeños teclados mínimos se me ponen los pelos como escarpias. Citar a NEUROSIS en sus últimos trabajos podría ser acertado.

Maravillosa la melodía de la guitarra principal en "Red Vilanova" y el ritmo casi Sludge contenido en el que se embarca la banda a continuación. Si metieran voces estaríamos hablando de gente como MARASME, NEYLA, LOAN y bandas así. Sonido mucho más crudo y tirando del noise en algunos tramos.

El disco lo cierra el precioso tema "Congo", con colaboraciones de Kiko Barrengoa al violín. Una aturdidor clímax con una impresionante labor de todos los músicos (fabuloso el diálogo de guitarra y batería en el minuto 6, de ritmo casi procesionario) y una grandísima versatilidad en todos los instrumentos. Un tema embriagador, acuoso y distorsionado en su tramo final, y que te deja totalmente lavado de tus pecados... una ceremonia a orillas de un río que ha amortajado a media humanidad ya. Grandioso.


En resumen, tremendo disco el que se han marcado FORCES ELÈCTRIQUES D´ANDORRA, especialmente en sus tres últimos cortes (los más oscuros), y que se completa con la edición (previa) del Ep "Cornelisz", que adelantaba los cortes "Cornelisz" y "A1" además de tres remezclas.

"Cornelisz (Shoeg´s Estavia Edit)" es una versión lo-fi del tema. tirando de graves y sonidos subsónicos dándole un cariz experimental al tema brutal. La melodía en segundo plano, lejana y movida a golpes de ola. Por su parte, "Muggs (Mikrophone Remix)" tiene cierta cadencia trip hop y drum n´ bass muy adictiva, nivel que se lleva a extremos con la electrónica bailable de "Kurtz (Brutz Mix)", sin duda mi tema favorito del Ep.

Trance espacial de órdago ideal para bailar en una discoteca construida de madera allá por donde el Capitán Kurtz tenía su chiringuito, y olvidarse de que la guerra ha terminado ahí fuera. BRUTAL.






domingo, 12 de febrero de 2017

CRUJIDO # 1: MARCO SERRATO


El primer concierto dentro de la iniciativa CRUJIDO nos trae a Marco Serrato a La Polivalente, en una tarde fría y lluviosa en Málaga. A lo largo de diversas jornadas, CRUJIDO nos traerá a solistas del underground patrio en una serie de sesiones de improvisación cuidadas y mimadas con detalle por Mr Aquilleas Pó, maestro de ceremonias versado en estas lides, y que tiene a bien guardarme el cartel del evento para mi colección particular.

Para la ocasión, Serrato ha compuesto el tema YUGGOTH, que tal y como comenta al público, está basado en el poema lovecraftiano del mismo nombre. Estoy de acuerdo con Serrato en que Lovecraft no era un prodigio de la literatura... creo que eso no es lo que define su obra, y también en que últimamente está hasta en la sopa. Lo que me gustaría es saber cuántos de los que hablan de él, portan camisetas tentaculares y mil historias más, han leído realmente su legado. 

Serrato habla de su particular concepción del terror cósmico como algo mucho más cercano al alma del ser humano en contraposición con lo mayestático de los relatos de los Mitos de Cthulhu. Pero ojo, cuando uno se adentra en la obra del de Providence sabe que sus miedos, agustias y fobias eran más terrenales de lo que a priori pudiera parecer. 

Léanse los ciclos del sueño de "Randolph Carter" o "El Caso de Charles Dexter Ward" (que me leí con 14 añitos y me dejó tocado) y pronto el lector avezado captará que dentro de esa estética de cartón piedra que nos propone el autor, hay toda una miasma psicológica pútrida y corrompida que el autor extrapola al Cosmos. Luego vendrían pazguatos como August Derleth para intentar cuadrar todo el asunto en una cosmogonía vacua...


Pero volvamos a CRUJIDO. Dicen que cada fecha de CRUJIDO provocará una rotura tectónica justo bajo La Polivalente, y que al finalizar el último concierto la tierra será dragada junto con la sala y cagada por un agujero negro que vaya usted a saber dónde desemboca... habrá que estar atento por si uno puede al menos caer de pie. 

Como digo, MARCO SERRATO nos presenta YUGGOTH en una onda diametralmente opuesta a sus más recientes presentaciones folk de "El Capitán Salió A Comer". Enclavado en la improvisación libre, pero con partitura (o algo así) sobre la palestra, el tema se desliza desde el fabuloso inicio cavernoso y minimalista (para mí, lo mejor del corte) hasta momentos de puro paroxismo abstracto. 


Dicho de otro modo, "Yuggoth" se sumerge en la cámara siniestra de gente como Univers Zero y Present, y en la pura improvisación libre, estableciendo como puentes algunos momentos gloriosos en el tema donde se entreveía una cierta melodía que parecía flotar sobre el ambiente. Rock en Oposición destilado sobre sí mismo hasta obtener una sola molécula sonora que queda flotando, vibrando en un ambiente sobrecogido resaltado por las luces del técnico Míster Aníbal, que despliega su maestría con colores azules, rojos, verdes... un crisol hipnótico que arropa cada una de las notas.

Yuggoth es para Lovecraft un lugar que simboliza el fin del Sistema Solar, o mejor dicho... los confines del sistema solar. El miedo a la infinitud del espacio (quizás influido por el helado Plutón), es captado perfectamente por el contrabajo amplificado, que en sus partes finales casi parece emular el diálogo corrompido del chapoteo de un Shoggoth.


Esta versión contenida de la música del contrabajista es tremendamente adictiva. Si cosas como "Taaru" o "Seis Canciones Para Cuervo" están dotadas de una especie de intranquilidad estilística (entendida como una bestial verborrea de las cuerdas del contrabajo en cuanto a técnica), aquí el ambiente es más sobrio, tirando de texturas siniestras que van siendo almacenadas en la caja de resonancia del contrabajo. El día en que Marco abra esa hucha particular de madera, el terror que saldrá de ahí hará palidecer a más de uno. Simplemente espectacular verle tocar el instrumento.

Como siempre, todo un placer conversar con alguien tan cercano y que vive la música con tanta pasión. Agradecer a la organización de CRUJIDO y LA POLIVALENTE por organizar el evento y al abundante público asistente por comportarse fabulosamente y escuchar música.

"Esta es la hora en que los poetas lunáticos saben

Qué hongos brotan en Yuggoth, y qué perfumes

Y matices de flores, desconocidos en nuestros pobres

Jardines terrestres, llenan los continentes de Nithon.

¡Pero por cada sueño que nos traen estos vientos

Nos arrebatan una docena de los nuestros!"

jueves, 9 de febrero de 2017

I´M DIRTY SANCHEZ - SPLIT 7" EP (COLLECTOR´S SERIES DIY, 2014)


Otro split muchísimo mas contundente que el anterior que hemos reseñado es el de DIRTY SANCHEZ y I´M, ambas también de Barcelona, y que tienen la particularidad de compartir a TONY SÁNCHEZ como vocalista (interesante, no?).

Hardcore Punk rabioso a muerte con el temazo "Downtown" de la banda DIRTY SÁNCHEZ con un espíritu garagero y tremendamente macarra que roza en ocasiones la brutalidad del Crust pero con el espíritu del skateboarding urbano de toda la vida. Agresivos coros que arropan los ataques hardcore de la guitarra y una base rítmica sin concesiones que se ralentiza por momentos en algunos tramos del segundo corte"Speed Sánchez".

Por su parte, I´M son una avalancha de Skate Punk que a ratos puede sonarte a unos Dead Kennedys y en otros a Black Flag mezclados con Motorhead (o incluso a los Exploited más metaleros). Los títulos de los temas son bastante reveladores.... "Not All The Drugs Are That Bad" y "Skateboarding Is Not A Crime". Tal y como he comentado, comparten vocalista, así que en cierto modo el split guarda una curiosa homogeneidad.

La edición es muy currada y sé que existió una tirada en vinilo verde. Dos portadas, folleto interior y la colaboración de los sellos Collector's Series, New H-Records, Ojalämemuera Records, Tupatutupa Records y Cruzade Records.

Al igual que el split anterior, reseña más en profundidad por la gente de COLLECTOR´S SERIES DIY:

CRANC VS GO! POPITAS - SPLIT 7" EP (COLLECTOR´S SERIES DIY, 2015)


Trallazo de Ep compartido entre las bandas de punk rock CRANC y GO! POPITAS en formato 7", con divertidísima portada que recoge el espíritu cacharreril de las películas de scifi de serie B y que define a la perfección lo que vamos a encontrarnos en el interior.

El Ep es editado en coproducción a cargo de COLLECTOR SERIES DIY, EL LOKAL DISTRIBUIDORA, OJALÁ ME MUERA RECORDS y PICNIC RECORDS.

Huyendo un poco de acritudes y hardcore negativo, CRANC es una banda formada en Barcelona en 2010, con miembros provenientes de combos como IMPRESENTABLES, MOTOSIERRAS o LÁTEX. Tras la demo "Cáncer", el grupo hace lo que mejor saben... girar y tocar en directo. En 2012 ve la luz su álbum debut titulado "Sempre Enrere". Letras comprometidas en defensa del patrimonio cultural catalán y bueno, haciéndose eco del acoso mediático que están sufriendo en los últimos tiempos. Yo particularmente, y al igual que hago siempre, paso de historias políticas y me centro en la música.

La Cara A la componen los tres cortes "Victòria", "Paraules Vives" y "La Idea Continua", en un registro punk rockero acelerado pero amable, divertido y con un cierto deje a KORTATU mezclados con BOIKOT y REINCIDENTES en sus temas más fiesteros.

Por su parte, GO! POPITAS son un cuarteto barcelonés con más de una década a sus espaldas y que en la Cara B nos traen temas tan explícitos como "Torero Muérete" o la versión "Badulake Revolución". Rápidos, con cierto toque ska ideal para pasarse de vueltas bailando hasta altas horas de la madrugada en cualquier caseta de feria. Por cierto que en la banda hay miembros de los Hardcore Crust ÄNSIA, banda de la que hablé aquí el año pasado.

Reconozco que este estilo inundó buena parte de mi vida hace prácticamente 25 años y bueno, todavía me sale una sonrisa cuando los ritmos cuatro por cuatro y las proclamas incendiarias parecen querer reventar el tocadiscos.

Para los que quieran profundizar, aquí tenéis la magnífica reseña de la gente de COLLECTOR´S SERIES: